Name: Le corps, infiniment Henri Foucault
Start: 2019-4-4T12-12-00-00
End: 2019-5-18T19-19-00-00
Location: Galerie Thierry Bigaignon

21 avril 2017

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jeu04avr(avr 4)12 h 00 minsam18mai(mai 18)19 h 00 minLe corps, infiniment Henri FoucaultHenri FoucaultGalerie Thierry Bigaignon, 9 rue Charlot 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Les images de Henri Foucault conjurent la planéité photographique transformant la photographie en médium de la trois dimensionnalité. Comme si, avec un brin de facétie, c’était précisément à travers elle que Foucault tenait à démontrer après Rodin qu’il faut toujours « considérer une surface comme l’extrémité d’un volume ». D’autant qu’Henri Foucault a trouvé dans le corps la matière idéale – sans pourtant la modeler au sens propre – pour maintenir les formes dans un suspens vibratoire qui les fait osciller entre aplanissement et relief.

La surface n’est jamais ce qu’elle semble être chez lui. Car il ne cesse de l’altérer, de l’expérimenter, de la retravailler par couches successives d’interventions qui finissent par absenter le sujet de ses photographies. Comme souvent chez Foucault, le corps autopsié se joue des oppositions qui fondent le processus artistique – vide/plein, interne/externe, fond/forme – de la même manière qu’il brouille parfois les frontières entre le positif et le négatif photographique.

Cette dialectique sous-tend le travail de Foucault. Il s’amuse à contourner les limites du papier. Le sculpteur en lui sait retirer de la matière et faire usage du vide. Foucault perce, perfore, creuse encore et encore ses photographies. La béance est petite certes mais l’artiste n’a de cesse de porter atteinte à la deux-dimensions. Son obsession est éminemment sculpturale : il s’agit toujours de percevoir la ligne qui confère son existence au visible, de tracer (quitte à la subvertir) la frontière entre le dedans et le dehors, entre la surface et l’espace.

Objet sculptural, le corps peut être dédoublé, fragmenté, réduit, au bord de l’effacement, à son contour ou à une éclaboussure de lumière. Il est parfois tout entier dans l’espace qui l’enveloppe. Car ultimement, c’est peut-être à une forme de dissection conceptuelle que Foucault s’emploie. Il n’ouvre sur rien. Il resplendit dans une froide et précieuse luminosité.

Et si l’épiderme vaut pour le contenu, le plein pour le vide, le fond pour la forme, le bas pour le haut (et vice versa), c’est parce qu’Henri Foucault retourne la photographie comme un gant, l’analyse de l’intérieur, depuis ce qu’il pense d’une forme. Il dissèque moins le corps que l’image afin d’en feuilleter des degrés de visibilité, générant simultanément une matière décorative. Percée ou moirée par les épingles, la surface tient de l’orfèvrerie.
Le corps n’est souvent plus là. Mais il vibre encore, brille aussi.

ALIX AGRET

Dates

Avril 4 (Jeudi) 12 h 00 min - Mai 18 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Thierry Bigaignon

9 rue Charlot 75003 Paris

Galerie Thierry Bigaignon9 rue Charlot 75003 ParisLa Galerie Thierry Bigaignon est exclusivement dédiée à la photographie. La galerie met l’accent sur une programmation internationale et entend défendre une certaine vision de la photographie : une photographie classico-contemporaine, une photographie éclectique et exigeante. Ouvert du mardi au samedi de 12h à 19h

Calendrier GoogleCal

sam23fev(fev 23)14 h 00 mindim05mai(mai 5)18 h 00 minJosephineArno BrignonCentre d’art et de photographie de Lectoure, Maison de Saint-Louis, 8 cours Gambetta, 32700 LectoureType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans la série Joséphine, toujours en cours d’élaboration (2009 – 2018), qui est présentée au centre d’art, la famille constitue un terrain de jeu ensorcelant. Arno Brignon devient ici spectateur, photographiant les à-côtés de sa vie de famille.
Il capte inlassablement les êtres qui lui sont chers et proches ; sa compagne Caroline, sa fille Joséphine. Il suggère des bribes de vie, son quotidien et son intimité, le temps qui passe et ne reviendra pas, entre fantôme et disparition. Dans son travail d’artiste, l’écriture est devenue une étape essentielle à la construction des images, leur conférant de nouvelles dimensions, leur apportant des trames narratives inédites, une autre lecture, une pensée.

Arno Brignon est né en 1976 à Paris. Il vit à Toulouse.

En 2010, diplômé de l’ETPA (grand prix du jury), Arno Brignon quitte son métier d’éducateur dans les quartiers sensibles pour se consacrer entièrement à la photographie. Il articule son travail entre reportages, recherches personnelles et enseignement aux ateliers de photographie Saint-Cyprien à Toulouse. Il mène également des actions éducatives auprès de différents publics et institutions. Son travail a fait l’objet d’exposition de nombreuses expositions en France et à l’étranger. On peut citer entre autres l’été photographique de Lectoure et le festival l’œil urbain à Corbeil-Essonnes en 2018, le festival Fotolimo à Portbou et à la villa Tamaris à La Seyne-sur-Mer en 2017, le Fotofestival de Cluj et Photomed à l’Institut Français à Beyrouth en 2016, Fotoistanbul en 2014. Il a également pris part à plusieurs résidences ; à Lectoure en 2018, en Pays du Couserans (Ariège) ainsi qu’à Aussillon (Regards et Mémoire), résidences débutées toutes deux en 2015. Arno Brignon est membre de l’agence Signatures, maison de photographes. Il collabore régulièrement avec la presse nationale et Internationale. Il a publié trois ouvrages significatifs : Based on a true story (éditions Photopaper, 2017), Ancrage (éditions de Juillet, 2014) et une monographie Joséphine éditée par le Château d’eau à Toulouse en 2014.

http://arno-brignon.fr

Dates

Février 23 (Samedi) 14 h 00 min - Mai 5 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Centre d’art et de photographie de Lectoure

Maison de Saint-Louis, 8 cours Gambetta, 32700 Lectoure

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jeu18avr(avr 18)9 h 00 minjeu06jui(jui 6)18 h 00 minEVA extra-véhiculairesYves TrémorinLa Capsule, Centre culturel André Malraux, 10, avenue Francis de Pressensé 93350 Le BourgetType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Appareillage

A-t-on jamais vu un animal se saisir d’une branche morte pour s’y appuyer et se mettre à marcher ? Se poser la question suffit à prendre conscience de la singularité de notre espèce qui, depuis la nuit des temps d’où elle a surgi, a accompagné, soutenu, facilité, permis son odyssée terrestre, maritime, aérienne et, désormais, spatiale grâce à des instruments aussi simples qu’une canne de bois ou aussi complexes qu’une combinaison d’astronaute. Au point qu’il paraît désormais difficile de penser à la moindre entreprise ambulante, flottante ou volante sans le recours à des artefacts nés de la conspiration de notre intelligence, de nos savoir-faire. Et, j’allais l’oublier, de notre imagination.

Car nos ancêtres hier, nous-mêmes aujourd’hui et nos enfants demain n’entreprendront jamais de franchir les frontières de notre immédiate condition sans recourir au plus beau et au plus empoisonné des dons que la nature nous ait faits : la capacité d’imaginer. Imaginer, autrement dit outrepasser les limites de l’espace et du temps, les limites de notre corps et parfois de notre esprit pour vivre un instant dans un outre-part, dans un outre-temps. Ainsi, notre imaginaire est-il capable d’appareiller pour les destinations les plus étrangères, les plus exotiques.

Très tôt, nos prédécesseurs ont su trouver dans la nature de quoi augmenter les capacités de leur imagination : les incantations et les drogues leur ont ouverts les portes de leur « véhicule » de chair pour entreprendre de vertigineux voyages spirituels. Mais, en attendant d’être transférés dans des mémoires de silicium et des réseaux informatiques (à en croire les promesses transhumanistes), nous n’en demeurons pas moins des êtres de chair et d’os, de nerfs et de sang. Alors, tout en développant des moyens de transport de plus en plus sophistiqués, nous n’avons pas tardé à rêver, à imaginer repousser les frontières de notre corps lui-même. Car le courage et l’audace d’explorer, la volonté et l’envie de vivre ne suffisent pas pour quitter le port d’attache ni le plancher des vaches, le lit d’hôpital ni la chaise roulante. Orthèses, prothèses : quels que soient leurs noms, des artefacts nous sont indispensables pour combler nos manques et augmenter nos capacités, pour nous protéger et nous soutenir.

Avec un œil qui perce au-delà de l’objectif, Yves Trémorin nous installe face à la réalité, souvent froide, de ces appareils sans lesquels nous n’aurions pas tenté bien des appareillages, bien des sorties hors de notre véhicule charnel ou terrestre, bien des EVA. L’artifice est souvent évident, mais le simulacre peut être bluffant, comme si nous avions peur de sortir de notre chair, de notre peau, de trop nous éloigner du rivage humain. Nous restons encordés à notre humaine apparence comme l’astronaute qui entreprend le tour de sa station spatiale, engoncé dans sa blanche combinaison : il prend soin d’accrocher un grappin à la justement nommée
« ligne de vie ». Trop s’éloigner de la portion de Terre encapsulée et orbitée serait mettre sa vie en danger ; trop s’éloigner des apparences humaines, serait-ce mettre son humanité en danger ? Rien d’étonnant si la main d’acier peut nous effrayer : elle paraît trop forte, trop résistante, trop inoxydable pour éprouver ou, plus exactement, faire éprouver quelque sensation, quelque sentiment, quelque sympathie. Plus effrayants ces doigts recouverts d’un simili-cuir, d’une simili-peau : sont-ils capables de caresser ?

Reste encore une interrogation, celle qui accompagne ou devrait accompagner tous les appareillages : quel en est le but ? Pouvoir à nouveau tendre la main et poser le pied, après en avoir été amputé ; jouir à nouveau du vent de la course et même de l’ivresse de la victoire ; sentir à nouveau le sang affluer dans son corps ; affronter l’obscurité des abysses ou celle de l’espace ; parvenir, selon la drôlatique expression, « là où la main de l’homme n’a jamais mis le pied » : est-ce là des buts à la mesure de notre humanité ? N’est-ce pas plutôt des destinations, à haute valeur ajoutée bien entendu, mais qui, l’expérience le montre, ne comblent pas le cœur de l’homme ? Et de quel cœur s’agit-il puisque nous sommes même capables d’en fabriquer, capables de remplacer ceux qui défaillent dans nos poitrines. Une fois l’exploit réalisé qu’en reste-t-il, en dehors d’un souvenir qui va s’estomper puis s’éteindre, à moins qu’il n’ait contribué à faire grandir l’humain, tout l’humain ? Mais alors, avec ses orthèses, ses prothèses, d’acier et de silicone, de quel humain s’agit-il ?

À la question la plus immédiate que suggèrent les photographies d’Yves Trémorin, « où allons-nous ? » et à laquelle le ciel offre la plus enthousiasmante des réponses, ne faut-il pas immédiatement ajouter une autre question : « qui va là ? ».

Jacques Arnould, Expert éthique et espace au Centre national d’études spatiales (Cnes)

Dates

Avril 18 (Jeudi) 9 h 00 min - Juin 6 (Jeudi) 18 h 00 min

Lieu

La Capsule, Centre culturel André Malraux

10, avenue Francis de Pressensé 93350 Le Bourget

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mer06mar(mar 6)11 h 00 minsam25mai(mai 25)19 h 45 minBusy LivingCoco CapitánLa Maison Européenne de la Photographie, 5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La MEP présente « Coco Capitán : Busy Living », la première exposition institutionnelle en France d’une des artistes les plus accomplies de sa génération.

Très tôt engagée dans l’univers de la mode, Coco Capitán acquiert rapidement une notoriété internationale.
Saisissant souvent ses modèles dans des poses incongrues, elle réinvente le rapport au corps dans l’imagerie de la mode, avec son regard singulier et décalé, pour de nombreuses marques de luxe, tel que Gucci.
Mais son travail est beaucoup plus vaste : à seulement 26 ans, Coco Capitán est une artiste déjà accomplie, l’une des plus prolifiques de sa génération, qui allie la photographie, la peinture et les performances à un travail éditorial constitué de slogans et d’aphorismes. Ainsi, à travers cette première grande exposition institutionnelle en France de l’artiste, la MEP offre un large panorama de sa démarche artistique.
Avec près de 150 œuvres – photographies, peintures et textes inédits – l’exposition “Busy Living” révèle la sensibilité instinctive de l’artiste pour les problématiques sociales contemporaines ; elle passe au crible les liens entre réalité et perception, entre beauté et subversion. Elle diffuse ses aphorismes via ses réseaux sociaux et les reproduit sur des toiles peintes, nous lançant l’injonction de vivre dans un “ici et maintenant”, alors même que nous sommes constamment incités à vivre dans la projection du lendemain.
Construite comme un parcours immersif dans l’univers de l’artiste, l’exposition “Busy Living” traverse tout d’abord un espace où plusieurs séries se croisent, rassemblées de façon chromatique.
Puis les nombreuses séries exposées font prendre la mesure de son œuvre : “Highway to disappearance and other death-related anxieties”, composée de paysages de l’ouest américain saisis à l’été 2017, révèle des infrastructures à l’abandon et intègre la réflexion métaphorique du cycle de la vie.
Les installations, les photographies et les peintures évocatrices de la série “Art and commerce after the Big Pop” , notamment autour de canettes de Coca-Cola, révèlent le regard critique de l’artiste sur la société de consommation et traduisent une vraie filiation avec le courant Pop Art, que Coco Capitán renomme Big Pop.
Fidèle également à son intérêt pour la représentation et la perception du corps, des photographies de mode “sans la mode” (série “fashion wihout fashion”) font partie intégrante de l’exposition et proposent une réflexion renouvelée des conventions habituelles de l’imagerie de la mode.
Ce sont encore d’autres corps, ceux des membres de l’équipe olympique espagnole de natation synchronisée, qui, dans la série “Ten hours a day, six days a week” mettent en exergue les efforts physiques intenses d’athlètes après leur entraînement. La série “Middle Point Between My House and China », est quand à elle un clin d’œil aux relations très personnelles que l’artiste entretient avec ce pays, depuis son enface – où elle pensait rejoindre l’autre bout de la Terre en creusant dans son jardin – jusqu’à son voyage en Chine.
Enfin, un ensemble de toiles peintes sur lesquelles sont écrits ses aphorismes et la présentation de carnets de notes jamais dévoilés au public, clôturent ce parcours d’immersion dans le processus créatif de l’artiste.
la présentation simultanée de son travail à un étage de l’exposition de Ren Hang n’est pas une simple coïncidence : ensemble, leurs œuvres offrent une vision alternative aux trajectoires croisées de la mode, de la performance, du texte et des approches les plus originales de l’image photographique. Coco Capitán a toujours ressenti une certaine filiation avec le travail de Ren Hang. s’ils n’ont jamais eu l’occasion de se rencontrer, elle avait initié une relation épistolaire qu’ils entretenaient tous les deux.

Dates

Mars 6 (Mercredi) 11 h 00 min - Mai 25 (Samedi) 19 h 45 min

Lieu

La Maison Européenne de la Photographie

5/7 Rue de Fourcy 75004 Paris

La Maison Européenne de la Photographie5/7 Rue de Fourcy 75004 ParisOuvert au public du mercredi au dimanche, de 11h à 19h45. Fermé lundi, mardi, jours fériés, et périodes d’inter-expositions. Fermeture des caisses à 19h30. Entrée : Plein Tarif : 10 € / Tarif Réduit : 6 €

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sam30mar(mar 30)10 h 00 mindim05mai(mai 5)19 h 00 min7ème édition L’Emoi Photographique Organisateur: L'Emoi Photographique Type d'événement:Festival,Photographie

Détail de l'événement

L’Emoi Photographique est un festival de photographie qui se déroule à Angoulême en Charente du 30mars au 05 mai 2019.
Le festival a cette année deux invités Laurent Chéhère et Flore Aël-Surun.
Il propose vingt-huit expositions autour du thème « Mystères et Enchantements, de l’obscurité à l’émerveillement».
Vingt huit expositions dont la diversité est l’essence du festival.
A l’origine du thème de cette septième édition il y a le travail de Flore Aël-Surun qui me parvient en cette fin avril 2018 certainement en corrélation avec le festival du chamanisme de Genac, juste à côté d’Angoulême.

Immédiatement me saute au visage la réussite de la traduction de cette essence énergétique que j’ai pu rencontrer en Afrique avec le vaudou, dans les contes bretons qui décrivent si bien le moment où la frontière entre la Terre et l’humain s’efface ou bien dans la chaleur des mains de certains pratiquants d’arts martiaux qui ont intégré cette idée de circulation d’énergie. Certains scientifiques étudient depuis longtemps et commencent à pouvoir expliquer à nos esprits cartésiens cette notion d’un tout où l’homme a sa place comme tous les autres habitants de la Terre parce qu’il leur est relié. Le besoin de retrouver ce lien dans des regards différents est le point de départ de cette édition de l’Émoi Photographique. L’intérêt de rencontrer des gens différente de nous même est de découvrir les chemins de traverse qu’ils ont emprunté pour s’apercevoir que le but était sensiblement le même pour tous et de s’enrichir de leurs expériences puisque nous ne pouvons les vivres toutes.

Une des raisons de la recherche de ces connexions est une recherche de bien-être et de sens, c’est ce que nous proposent Olivier Mulhloff avec la magie de « Zootropie » et « d’Arborescence », Bruno Blais avec «Fantasque mélancolie pyrénéenne » , Pierre-Louis Ferrer avec « Paris invisible ». Et puis la dualité de l’être humain prend place avec ses interrogations et remises en question grâce à Clarisse Rebotier et « Urbanimo », Claude Massassa-Bunny et « Envoutement » ou encore Jean-André Bertozzi et « Ressort poétique » et les chemins se dessinent un peu plus fermement. On emprunte celui de l’interrogation spirituelle et de la temporalité derrière Flore Aël-Surun avec Co et « Humanité 2 », Novowestern et « Kimaira », Dominique Agius et « Vanités ».

En invitant Laurent Chéhère nous avons choisi de remettre un pied dans une réalité réorganisée où dans un élégant mouvement de balancier il nous fait pencher tantôt vers le beau, tantôt vers la tristesse, virevolter vers la détresse mais sans oublier la philharmonie de la vie. Un travail dont aucune des facettes de l’humanité ne semble avoir été oublié. Cette exploration des diversités nous en retrouvons les côtés sombres avec Pascale Brienne et « Paréidolie », Céline Levain et « Captives », Christian Barbe et « Les portes du Paradis », « La part de l’ange » d’Alain Goirand où les constats de l’enfance comme de l’âge adulte font grincer les dents. Des traumas et de ce que l’être humain en fait consciemment Arthy Mad avec « Solo », Cécile Ménendez avec « Prémonition », Natalia Kovachevski avec « Les contes de Kovachevski », Dorothée Machabert avec « États d’âme » nous offre un retour sur eux mêmes où l’expérience permet de s’interroger, parfois de se retrouver. Cette introspection qui permet que le « je » puisse devenir un « on » dans la reconnaissance de l’autre avec Runeda et « Moi..Peau » ou dans l’universalité du mythe chez Mitar Terzic avec « Malleus »

Les chemins de vie se laissent également photographier lorsqu’ils dénoncent une injustice comme les « fantômes de la corniche » de Baudouin Mouanda qui met en exergue l’injustice liée à la difficulté d’acquérir les connaissances scolaires quand on n’habite pas le bon quartier de Brazzaville et que l’utilisation de la lampe-torche et du lampadaire résonnent comme un retour au Moyen-Age pour la jeunesse démunie du pays.
Et puis il ya des réalités « à côté », celle où l’on glisse juste avec un pas de l’autre côté du miroir pour observer, contempler ce qui nous entoure avec le questionnement que laisse la liberté de se penser invisible, comme passé dans un autre monde avec « La maison du miroir » de Claire Dias-Lachaise, « Symmetricks 1 et 2 : Loire enchantée » de Lisa Elin ou « Lux » de Cush Mok.

Le moment où l’enchantement passe à l’ensorcellement se découvre avec « Médusé » de Stéphane Robin où la fascination pour la beauté sombre de ces méduses s’accorde avec le jeu des mots tellement l’on se sent tiraillé entre la beauté et la violence qui suintent des filaments en nous donnant l’impression d’assister à un combat de gladiateurs. Le vainqueur et le vaincu tout aussi beaux l’un que l’autre, leur similarité physique nous empêchant de les différencier si nous ne nous accordons pas le temps de la contemplation. Pour continuer notre promenade vers la remise en question de la lecture de l’image, Eric Rumeau propose de nous entrainer dans sa descente aux enfers avec « Refuge de l’ombre », qui est en fait une promenade de santé pour les personnes profitant des bienfaits de l’air confiné dans l’ancienne mine de sel.

Epoustouflant brouillage de repère dans notre perception émotive d’une photographie quasi documentaire que l’auteur déchire avec quelques mots en nous faisant partager l’expérience de sa propre déstabilisation.

C’est cette remise en question, le changement de point de vue, la beauté de l’imagination et la profondeur de la psyché humaine que nous sommes heureux de proposer avec ce voyage allant de l’enchantement à l’ensorcellement en passant par l’ambiguïté de l’entre deux pour parcourir les nuances de gris entre le noir et le blanc de l’âme humaine.

Peggy Calvez-Allaire

Découvrez le programme : http://www.emoiphotographique.fr/

Dates

Mars 30 (Samedi) 10 h 00 min - Mai 5 (Dimanche) 19 h 00 min

Organisateur

L'Emoi Photographiqueemoiphotographique@free.fr Angoulême

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