L'Ephéméride

by La Rédaction on 1 décembre 2017

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Le Gif(t) de Thriller

Name: La Bourse du Talent 2018
Start: 2018-12-14T00-00-00-00
End: 2019-3-3T00-00-00-00
Location: BnF - Bibliothèque nationale de France

Temps de lecture : 7 secondes

Le 30 novembre 1982 aux Etats-Unis et le 1er Décembre en France, Michael Jackson sort son album mythique Thriller. C’est le 6ème album studio de l’artiste. Cette année là, il devient l’album le plus vendu au monde !

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sam05jan(jan 5)0 h 00 minlun25fev(fev 25)0 h 00 minAppel à Candidature FOTOLIMO 2019 Organisateur: Lumière d'Encre Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Festival

Détail de l'événement

Le festival regroupera 13 expositions dont 6 seront choisies suite à cet appel à candidatures. En plus une dizaine de travaux seront retenus pour projection.
Le festival FotoLimo se donne pour objet d’étude la frontière au sens le plus large du mot.
La frontière a des conséquences humaines, dans le paysage, l’économie, la psyché et ce destin géographique et métaphysique est le cadre, assez vaste, proposé aux auteurs au sein du festival.

Date limite d’envoi des dossiers : Lundi 25 février 2019.

Dates du festival FotoLimo : du 20 septembre 2019 au 29 septembre 2019
Lieu Cerbère et PortBou.
Week-end de vernissage du vendredi 20 au dimanche 22 septembre 2019

Modalités de participation :

Le festival est ouvert à tout photographe sans condition d’âge, de nationalité ou de statut. Les projets collectifs sont acceptés. Un seul dossier sera accepté par personne/collectif. Chaque auteur ou collectif des 6 propositions sélectionnées pour être exposées percevra un droit d’auteur d’un montant de 300 euros (trois cents euros).

Thématique : La frontière, une ouverture, un lieu des possibles.

Les candidatures seront examinées par un jury professionnel ; les lauréats seront choisis sur la qualité de leur pratique artistique et sur la cohérence de leur travail. Sur les 6 travaux ainsi choisis pour être exposés, 2 au moins concerneront des photographes de la région Occitanie. Date limite d’envoi des dossiers : Lundi 25 février 2019. Les photographes sélectionnés seront exposés lors du festival FotoLimo à Cerbère ou PortBou pendant l’intégralité du temps du festival et pourront être également exposés sur le territoire du Pays Pyrénées Méditerranée dans l’année suivante.
N. B. Les lauréats doivent acheminer leurs tirages (aller et retour) par leurs propres moyens.
Leur présence sera nécessaire lors de la soirée publique de vernissage du samedi 21 septembre 2019 et des événements associés pendant le weekend d’ouverture les 20 au 22 septembre 2019. Une liste des possibilités d’hébergements à moindre coût sera disponible auprès de l’équipe du festival.

Le dossier de candidature complet, sous la forme d’un seul fichier PDF, devra être envoyé à l’adresse suivante : lumieredencre@free.fr

Dossier de candidature :

Un dossier numérique sous forme de deux fichiers :
1°) Un fichier unique au format PDF, comprenant :
– le travail proposé
– le texte explicatif de la démarche
– une courte biographie de l’auteur
– note à propos de la scénographie, si nécessaire
– le formulaire de candidature complété et signé en deux exemplaires à télécharger ici

2°) Un second dossier comprenant :
– Le texte explicatif et la biographie au format .doc ou .odt ou .txt (pas de pdf)
– les images en haute résolution (2400 pixels sur le plus petit côté, jpeg sans compression)
– les images en basse définition (600 pixels sur le plus petit côté, jpeg qualité supérieure)
Remarque : les images doivent être nommées «NOM_Numéro d’ordre sous la forme 01 »
Seuls les dossiers remplissant l’ensemble des conditions ci-dessus seront examinés par le jury. Adresse mél. pour l’envoi des dossiers de candidature et pour tout renseignement : lumieredencre@free.fr

L’usage d’un service d’envoi de gros fichiers est recommandé (WeTransfer, Grosfichiers, Transfernow, Sendbox, Google drive, Hubic, Dropbox, MailBigFail, Nextsend, Free, Mediafree, 1fichier…).

Le festival FotoLimo :

FotoLimo est un festival pluridisciplinaire dédié aux arts visuels (photographie, cinéma et multimédia) en collaboration avec la recherche universitaire. Il se donne pour objet d’étude la frontière au sens le plus large du mot. Sa première édition a eu lieu à la frontière franco-espagnole, à Cerbère et Portbou entre septembre et octobre 2016.
FotoLimo est porté par deux structures phares de la région Occitanie-Pyrénées Méditerranée :
Lumière d’Encre (http://www.lumieredencre.fr)
Negpos (http://www.negpos.fr)

Pour plus d’informations, vous pouvez prendre contact avec l’équipe à l’adresse :
lumieredencre@free.fr

Dates

Janvier 5 (Samedi) 0 h 00 min - Février 25 (Lundi) 0 h 00 min

Organisateur

Lumière d'Encrelumieredencre@free.fr 47 rue de la République 66400 Céret

Calendrier GoogleCal

ven14déc(déc 14)0 h 00 min2019dim03mar(mar 3)0 h 00 minLa Bourse du Talent 2018BnF - Bibliothèque nationale de France, Quai François Mauriac 75013 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

sam06oct(oct 6)10 h 00 min2019lun04mar(mar 4)18 h 00 minStéphane CouturierMusée national Fernand Léger, Chemin du Val de Pôme 06410 BiotType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En 2018, le musée national Fernand Léger a souhaité mettre en lumière les riches correspondances thématiques et plastiques qui existent entre la peinture de Fernand Léger (1881-1955), pionnier de l’avant-garde de la première moitié du XXe siècle, et l’œuvre photographique de Stéphane Couturier, artiste français né en 1957.
La rencontre de Stéphane Couturier avec l’œuvre du peintre a donné lieu à la création de photographies inédites, inspirées par la collection du musée : Stéphane Couturier a choisi le tableau intitulé Le Grand remorqueur, paysage industriel des bords de Seine peint par Fernand Léger en 1923, point de départ pour le photographe de nouvelles prises de vue, réalisées dans la ville de Sète à l’automne 2017.

L’exposition présente également des œuvres plus anciennes de Stéphane Couturier, qui établissent un dialogue in situ avec les tableaux de Fernand Léger. Les deux artistes partagent une même fascination pour les profondes mutations de la ville, un intérêt commun pour le monde du travail, l’esthétique industrielle ou l’architecture moderne, notamment celle de Le Corbusier. Mais, tandis que Fernand Léger exprime, après la Seconde Guerre mondiale, sa foi dans le progrès, la modernité et la reconstruction, Stéphane Couturier documente, à partir des années 1990, la disparition progressive de la société industrielle et la transformation de l’espace urbain qui en découle, dans les métropoles mondiales (Paris, Berlin, Séoul, Brasilia, Salvador da Bahia, Alger).
Dans sa série inédite, conçue en écho à l’œuvre de Léger, Stéphane Couturier utilise la superposition de plusieurs photographies numériques, technique initiée en 2004 dans ses premières séries intitulées « Melting Point ». L’artiste fait naître une réalité hybride, à partir de la fusion de deux ou trois images. Cette synthèse entre deux réalités produit une multitude de détails, où l’œil du spectateur se perd et provoque une impression de mouvement et de dissolution du sujet, au sein d’une composition monumentale.
Aujourd’hui, l’œuvre photographique de Stéphane Couturier, jouant des potentialités infinies de l’outil numérique, allie une approche documentaire à un traitement complexe de la composition. A la manière d’un tableau cubiste, elle puise dans le réel, le fragmente et, grâce au rythme et aux contrastes entre lignes, formes et plans colorés, le dépasse pour en offrir une nouvelle perception.
Stéphane Couturier interroge ainsi la nature prétendument objective du médium photographique : la
prise de vue devient un matériau. De ce matériau naît une machine à construire une combinatoire des
formes qui réactualise en permanence le réel enregistré.

Dates

Octobre 6 (Samedi) 10 h 00 min - Mars 4 (Lundi) 18 h 00 min

Lieu

Musée national Fernand Léger

Chemin du Val de Pôme 06410 Biot

Musée national Fernand LégerChemin du Val de Pôme 06410 BiotTous les jours sauf le mardi, les 25 décembre et 1er janvier. De mai à octobre, de 10h à 18h De novembre à avril, de 10h à 17h

Calendrier GoogleCal

ven22fev(fev 22)10 h 00 minsam30mar(mar 30)19 h 00 minWherein Lies the SpaceRosemarie CastoroGalerie Thaddaeus Ropac, 7 Rue Debelleyme, 75003 Paris

Détail de l'événement

Après sa première grande rétrospective européenne l’an dernier au Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), la Galerie Thaddaeus Ropac a le plaisir de présenter la première exposition personnelle de Rosemarie Castoro (1939-2015), artiste américaine pionnière de l’art minimal, dans sa galerie du Marais. Coïncidant avec le 80e anniversaire de la naissance de l’artiste, l’exposition aborde toutes les facettes de sa pratique multidisciplinaire depuis le milieu des années 1960 jusqu’au milieu des années 1980. À travers une sélection d’oeuvres emblématiques, cette exposition entend rendre compte de la contribution essentielle apportée par Rosemarie Castoro au développement de la peinture abstraite, de la sculpture, de l’art conceptuel, de la poésie concrète et de la performance. De ses premières peintures, dont Frank Stella disait qu’elles reflètent la sensibilité d’une coloriste exceptionnelle à ses œuvres murales monochromes et ses grandes sculptures organiques qui sont devenues sa marque de fabrique, l’œuvre de Castoro – longtemps éclipsée par celle de ses pairs masculins – est une redécouverte pour le public d’aujourd’hui.

Rosemarie Castoro était une figure centrale de la scène artistique new-yorkaise des années 1960, aux côtés de Carl Andre avec qui elle était alors mariée. Dans son studio-loft de Soho se retrouvaient de nombreux artistes tels que Sol Lewitt, Michael Heizer, Richard Long, Lawrence Weiner, Lee Lozano, Robert Smithson, Agnes Martin et d’autres acteurs de cette avant-garde très soudée. L’une des rares femmes associées au minimalisme, elle s’est affranchie des frontières esthétiques de l’époque en introduisant des allusions surréalistes et sexuelles dans la rigueur abstraite du Minimalisme. Elle a elle-même rejeté avec ironie ce terme en 1986 en déclarant “Je ne suis pas une minimaliste, je suis un Maximust.” Tout au long de sa vie, Castoro s’est évertuée à mélanger les différentes pratiques, se définissant elle-même comme une “paintersculptor”. La critique d’art et commissaire d’exposition féministe Lucy R. Lippard l’a plus tard décrite comme une artiste ayant “subverti et dépassé le minimalisme sur son propre terrain.”

En 1969, Castoro annonce ce qui va définir l’ensemble de sa pratique dans un poème de poésie concrète qui donne son titre à cette exposition :

WHEREIN LIES THE SPACE

BETWEEN WAKEFULNESS AND SLEEP

BETWEEN METHOD AND OBJECT

Non seulement le poème démontre l’importance du langage dans son travail – elle utilise souvent des jeux de mots pour titrer ses œuvres – mais il cartographie aussi le territoire qui l’intéresse aux intersections du temps et de l’espace, du rationnel et du subconscient.

Lorsqu’elle commence sa vie d’artiste, Rosemarie Castoro se concentre essentiellement sur la peinture dont elle explore les fondements à travers différentes séries successives. Dans sa série des Prismacolor, la composition de chaque tableau est structurée autour d’une couleur principale et d’un angle. Une couche de peinture acrylique est appliquée diagonalement sur la toile brute en suivant l’orientation choisie pour l’oeuvre, orientation accentuée par des lignes parallèles tracées au crayon sur la surface peinte. Dans d’autres compositions géométriques émerge souvent une forme en ‘Y’ qui suggère l’idée d’une répétition à l’infinie d’un motif qui se déploie au-delà même des limites de la toile. Son usage de la couleur couvre un spectre très large, depuis des compositions où s’entrecroisent des tons primaires jusqu’à des teintes extrêmement subtiles qui expriment l’humeur du jour.

À la fin des années 1960, le travail de Castoro prend une direction plus expérimentale. Elle fait usage du langage dans des oeuvres de plus en plus conceptuelles, qu’il s’agisse de poésie concrète ou de ses propres journaux. Composés d’un assemblage de textes et de photographies, ces derniers renseignent sur la matrice de son processus créatif, notamment son approche performative. Les polaroids pris au retardateur dans son studio la montrent en train d’interagir dans ses propres oeuvres, adoptant parfois des poses acrobatiques qui révèlent sa formation de danseuse. Suivant une stratégie similaire à d’autres artistes conceptuels, Rosemarie Castoro a tendance à transformer les activités les plus quotidiennes en une forme artistique. Dans l’album de poésie concrète A Day in the Life of a Conscientious Objector (1968), terme utilisé par les opposants à la guerre du Vietnam, Castoro réfléchit sur sa vie d’artiste à travers l’indexation de ses activités quotidiennes au studio.

Au début des années 1970, Castoro abandonne la couleur au profit de surfaces grisées au graphite. Avec un balai, elle commence à « peindre » les surfaces de ces sculptures avec une matière épaisse faite de gesso et de graphite et crée des peintures intensément gestuelles et dynamiques qui semblent se décrocher du mur. Si ces reliefs adoptent des formes variées, une série se base plus spécifiquement sur les initiales d’amis artistes traduits en écriture sténographique. Parmi eux Guinness Martin (1972) est dédié à Agnes Martin. A propos de sa relation avec Martin, Castoro se souvient: « J’avais rencontré Agnes dans son atelier à la fin des années 1960. Nous étions toutes deux des peintres qui faisions des maquettes typographiques pour gagner notre vie. A l’époque, les peintres entretenaient une camaraderie et se rencontraient par l’intermédiaire d’autres peintres. Souvent, nous nous retrouvions dans des bars ou dans les studios des uns et des autres pour prendre le thé. En 1972, j’ai réalisé pour Agnès une découpe qui appartenait à une série de sculptures murales créées avec une brosse utilitaire et qui épelait son nom en sténographie Pitman: Guinness Martin est né comme un déguisement du nom d’Agnes. »

Au milieu des années 1970, ses œuvres gagnent une dimension surréaliste : Castoro se projette alors dans le personnage d’une femme géante qui aurait élu domicile dans son atelier, entourée de ses ‘Giant Brushstrokes’, ensemble d’imposantes protubérances murales dont fait partie Armpit Hair (1972) présentée dans l’exposition. Ses sculptures en époxy plus tardives telles que Land of Lashes (1976), qui évoque une phalange de cils géants envahissant étrangement l’espace comme des araignées, abordent la relation au corps encore plus frontalement.

À la même époque elle travaille également à de grandes installations réalisées à partir de morceaux de bois brut taillés. Beaver’s Trap (1977), dont le titre est dérivé de la traduction anglaise de son nom de famille d’origine italienne, en est un exemple iconique. L’oeuvre est composée de 42 éléments alignés sur le périmètre d’un carré. Ils sont disposés de telle sorte que le l’élément le plus haut se trouve à un coin d’un rectangle formé par les éléments restants qui descendent progressivement vers l’élément le plus court au coin opposé. L’ensemble paraît avoir été conçu pour atteindre une forme d’équilibre et pourtant la courbure différente de chaque pointe donne l’impression que la sculpture peut vaciller à tout moment. Dans une note accompagnant sa première présentation, Castoro relie le piège du castor à un désir d’autoprotection, chaque bâton étant sculpté de manière à tenir en équilibre et “s’il venait à se renverser, cela l’avertirait du danger « . L’oeuvre est alors associée à un piège érotique féminin abstrait, à un “lit destiné à la capture d’un compagnon.”

En 1979, Castoro s’engage dans une nouvelle expérience sculpturale, les Flashers, des pièces en acier noir de plus de deux mètres de haut, exposées dans l’espace public à Manhattan et à Paris sur les berges de la Seine en 1983. L’orignie de la forme humanoïde des Flashers vient d’un moment où Castoro a courbé et plié un billet de 20 dollars pour le faire tenir debout. Le titre évoque l’exhibition sexuelle, « l’imperméable gris que portent les vieux bonshommes et qu’ils ouvrent [Flash, en anglais] devant les jeunes filles innocentes », explique Castoro. La commissaire d’exposition Tanya Barson souligne “l’intérêt que manifeste Castoro à décliner différents aspects de la sexualité et, comme les exhibitionnistes eux-mêmes, à évoquer simultanément le menaçant, le comique et le pathétique ».

Bien que Castoro ne se soit jamais identifiée elle-même comme féministe, sa pratique a contribué à redéfinir les domaines du minimalisme, du post-minimalisme et de l’art conceptuel au prisme d’une subjectivité féminine.

Commissaire de l’exposition: Anke Kempkes

À PROPOS DE L’ARTISTE:

Née à Brooklyn, Rosemarie Castoro a vécu et travaillé à New York toute sa vie, devenant une figure centrale de l’avant garde minimale et conceptuelle.

Puisant très tôt son inspiration dans le domaine de la danse expérimentale alors qu’elle était encore étudiante au Pratt Institute, puis à travers des collaborations avec la chorégraphe postmoderne Yvonne Rainer dans les années 1960, l’œuvre de Castoro a toujours conservé un caractère nettement performatif et témoigne d’une attention spécifique à l’espace et au mouvement. En 1966, elle participe à la performance d’Yvonne Rainer Carriage Discreteness pendant le célèbre festival 9 Evenings. A partir de 1964, Castoro commence à peindre en créant des séries qui explorent de façon systémique des combinaisons de couleurs et de structures dans des compositions all-over innovantes.

En 1968 – alors que les Etats-Unis connaissent une période de troubles politiques – elle abandonne la couleur. Sa pratique s’ouvre à l’art conceptuel, aux performances et à la poésie concrète. En 1969 et 1970, elle participe aux expositions de Lucy Lippard à Seattle et à Vancouver, qui ont permis de définir les termes de l’art Conceptuel. Sa première exposition personnelle a eu lieu à la galerie Tibor de Nagy, à New York, en 1971, où elle expose ses imposants «Free-Standing Walls» et «Giant Brushstrokes». Parallèlement aux expositions en galerie, Castoro a toujours manifesté un intérêt à créer et à montrer son art dans la rue, depuis ses premières performances, intitulées Streetworks jusqu’à sa participation à l’événement «Art on the Beach» à Batterry Park City, à New York en 1978. Ses Flashers à l’allure de totems, ont été exposés à plusieurs reprises dans l’espace public à New York et également à Paris sur les quais de la Seine en 1983.

Castoro a également enseigné à l’Université du Colorado, Boulder; l’Université de Syracuse; au Pratt Institute et au Hunter College, New York. Elle a également milité au sein de l’Art Workers’ Coalition, qui se réunissait dans son studio, et a participé à la création du HIV Arts Network (HAN).

Elle a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment Distillations, Tibor de Nagy et Stable Gallery, New York (1966); Number 7, Paula Cooper Gallery, New York (1969); Biennale de Paris, Paris (1971); Painting 1967-1968, Hal Bromm Gallery de New York (1975); Direction 1981, Musée Hirschhorn et Sculpture Garden, Washington, D.C. (1981); Side by Side: New acquisitions, Musée d’art moderne de New York (1985); Knee-High Flashers, Galerie Arnaud Lefebvre, Paris (1993); Site and Insight: An Assemblage of Artists, MoMA PS1, New York (2003); Configurations, MAMCO, Genève (2005); Land of Lads, Land of Lashes, Galerie Thaddaeus Ropac, Londres (2018). Sa première grande rétrospective muséale a eu lieu au MACBA, à Barcelone, en 2017, suivie d’une exposition au MAMCO, à Genève qui ouvrira en octobre 2019.

Dates

Février 22 (Vendredi) 10 h 00 min - Mars 30 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Thaddaeus Ropac

7 Rue Debelleyme, 75003 Paris

Calendrier GoogleCal

mer16jan(jan 16)13 h 00 mindim17mar(mar 17)19 h 00 minJe pense que vous devez être plusieursVincen BeeckmanLe Château d’Eau - Pôle photographique de Toulouse, 1, Place Laganne 31300 ToulouseType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le Château d’Eau présente pour la première fois en France une exposition du photographe belge Vincen Beeckman. Sous le titre «Je pense que vous devez être plusieurs» sont présentées quatre séries emblématiques de cet artiste : «Claude et Lily», « Famille de Mons », « La Devinière» et «Les restaurants Chinois» et surtout certains de ses nombreux carnets qui sont à la fois un système lui permettant de s’y retrouver dans la sorte d’inventaire à la Prévert qu’il ramène de ses pérégrinations, une façon de raconter des histoires et une manière de nourrir sa réflexion sur son travail.

De manière générale, Vincen Beeckman s’engage dans des projets socio-artistiques, dans des intégrations de l’espace public et son approche du médium photographique s’attache à collectionner des photos de la vie de tous les jours.

Il développe des projets photographiques par accumulation d’images de choses ou de portraits de gens rencontrés au fil du hasard. Avec les personnes, il noue des liens s’inscrivant dans la durée, connaître son modèle, communiquer et échanger, se revoir, apporter du réconfort, partager des moments simples, sont les bases de la démarche de Vincen Beeckman. Il tente d’apprivoiser les quotidiens qui l’entourent en restant proche de ces hommes, de ces femmes, de ces familles, dont il capte des moments d’une vie sans singularité et souvent décalée. Sincèrement proche d’eux, il réalise des images concentrant l’intimité et la vie, loin de tout stéréotype et sans jugement social.

Mais si V.Beeckman mène des projets sociaux dans des quartiers périphériques, il voyage aussi.

Naturellement porté vers des sujets ordinaires, il pose un regard doux et étonné sur le monde d’où il débusque tout un tas de curiosités touchant au suréalisme et prêtant à sourire, à s’émouvoir ou à s’interroger sur la vie.

Vincen Beeckman étale des petits paquets de photos couleur comme s’ils étaient des jeux de cartes.
Contrairement à beaucoup de grands photographes, il est indifférent au seul fétichisme de la mise en forme du cliché photographique, à la quête des grand thèmes ou à l’emphase des effets de style. Son approche du médium photographique est aussi simple que cela : il collectionne des photos de la vie de tous les jours.

La collection d’images-in progress de Beeckman contient des photos habituelles de choses habituelles comme des portraits d’amis et de famille, des natures mortes, des détails du paysage urbain, des coins d’intérieurs, le chemin au travail, l’appareil de fitness, des autoportraits,…de tout. L’ensemble est clair et naturel et est de ce fait expérimenté comme formant une unité. Les simples instantanés sont d’une naïveté réfléchie. Ils s’adressent personnellement à celui qui les contemple, comme les photos de l’amateur qui met en image son propre univers dans l’album de famille.

Beeckman utilise son appareil pour documenter le monde dans lequel il vit au moment et à l’endroit où il en fait partie. L’inverse donc des prises de vue, distanciées et rapportant une réalité extérieure, qui sont à la mode dans la photographie contemporaine. Ses images sont implicites et il en fait ressortir sa propre perspective en relation avec son environnement, que ce soit les Marolles ou un endroit exotique au Vietnam. Par des sélections et des combinaisons d’images toujours différentes, Beeckman en arrive à des mosaïques de photos originales comme Album Belge ou Lost in Saigon (2004), qui laissent loin derrière les clichés du chercheur de Belgitude ou des photos touristiques.

L’interaction dynamique entre le photographe et la situation donnée caractérise aussi les interventions de Vincen Beeckman dans l’espace public. C’est ainsi qu’il a distribué des milliers de «fausses amendes» (les fausses amendes, 2004) derrière les essuies-glace de voitures parquées dans les rues de Bruxelles.

Il s’agissait de petits portfolios photographiques présentés comme une contravention. Pour le projet «Recyclart 2003-2005», il a intégré des affiches de grande dimension dans l’architecture de la chapelle de la gare de Bruxelles. Les photos en avaient été réalisées par les gamins du quartier qu’il avait familiarisés avec l’appareil photo.

Pour son projet actuel «Casting» dans la station de métro Anneesens à Bruxelles (2005), il invite plus de 300 habitants du quartier à réaliser ensemble une frise de portraits et de natures mortes de leurs «biens préférés». Le photographe joue ici le rôle du médiateur qui permet à tout un quartier de s’approprier l’espace public. Dans le même temps, Beeckman vient de démarrer un projet de recherche à Seraing, une région sinistrée depuis la fermeture des usines Cockerill. Il monte dans ce cas un projet de documentaire dans lequel les habitants se retrouvent via une trame de contacts provoqués par des interviews et des rencontres.

Ces recherches sur les apports du documentaire photographique en interaction avec d’autres moyens et avec un environnement existant montrent combien le travail de Beeckman est innovateur et pertinent.

Inge Henneman

Dates

Janvier 16 (Mercredi) 13 h 00 min - Mars 17 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Le Château d’Eau - Pôle photographique de Toulouse

1, Place Laganne 31300 Toulouse

Le Château d’Eau - Pôle photographique de Toulouse1, Place Laganne 31300 ToulouseOuvert de 13h à 19h du mardi au dimanche

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