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Mitch Dobrowner, lauréat du Biennial’s Grant for Photography

La Rédaction26 janvier 2018

Temps de lecture estimé : < 1min

La seconde édition du Biennial’s Grant for Photography organisée par le Biennale de la Photographie documentaire et fine art vient de récompenser Mitch Dobrowner pour sa série “Project Storms”. Une mention spéciale a été attribuée au photojournaliste à John Jochimsen pour l’esemble de sa carrière.

https://www.biennialgrant.com

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Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

mar30jui(jui 30)11 h 00 min2021sam22mai(mai 22)18 h 00 minJuifs du Maroc, 1934-1937 Photographies de Jean BesancenotPhotographies de Jean BesancenotmahJ - Musée d'art et d'Histoire du Judaïsme, Hôtel de Saint-Aignan 71, rue du Temple 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Datant des années 1934-1937, les photographies de Jean Besancenot offrent un témoignage exceptionnel sur les communautés juives rurales du Maroc, aujourd’hui disparues.

Né Jean Girard, Jean Besancenot (1902-1992) fréquente l’École des arts décoratifs à Paris, entame une carrière de peintre et étudie les costumes régionaux français. À l’occasion d’un voyage d’études au Maroc, en 1934, il se met à la photographie en s’intéressant aux vêtements traditionnels. Grâce à une aide du ministère des Affaires étrangères, il y séjourne en 1935 et 1936, photographie les hommes et femmes des différentes communautés et documente avec soin leurs costumes de cérémonie.

Parallèlement à ses photographies, Besancenot filme, dessine et prend de nombreuses notes, qui l’introduisent dans le milieu, alors très actif, de l’ethnologie française. En 1937, son travail est exposé au musée de la France d’outre-mer, dans le palais de la porte Dorée inauguré en 1931 lors de l’Exposition coloniale. Il y présente des photographies, un choix de peintures, ainsi que quelques costumes et bijoux. Il collabore aussi avec le musée de l’Homme, auquel il offre cinq cent cinquante clichés documentés, ainsi que des vêtements. En 1942, il publie Costumes et types du Maroc, un ouvrage reproduisant ses dessins rehaussés à l’aquarelle qui reste une référence essentielle sur le vêtement traditionnel marocain.

Jean Besancenot explore en particulier les régions les plus méridionales du pays, peu touchées par l’occidentalisation, où vivent, mêlées aux populations berbères, des communautés juives présentes parfois depuis l’Antiquité. Réalisées pendant la période du protectorat français, ses images reflètent une grande proximité avec ses modèles, lui permettant de mêler enjeux esthétiques et exigence scientifique. Son œuvre documente de manière irremplaçable la culture juive au Maroc, et en particulier les costumes et les parures féminines, dont le répertoire est parfois commun avec celui des femmes musulmanes.

L’exposition réunit de nombreux tirages originaux réalisés par Besancenot lui-même, provenant de collections publiques et privées, et présente, sous la forme d’un audiovisuel, un large choix d’images issues du riche fonds de ses négatifs originaux.

Commissaires

Hannah Assouline et Dominique Carré

Coordination

Nicolas Feuillie, mahJ

Partenaires

Avec le concours du musée du quai Branly – Jacques Chirac, de l’Institut du monde arabe et du musée berbère, fondation Majorelle, Marrakech

Dates

Juin 30 (Mardi) 11 h 00 min - Mai 22 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

mahJ - Musée d'art et d'Histoire du Judaïsme

Hôtel de Saint-Aignan 71, rue du Temple 75003 Paris

mahJ - Musée d'art et d'Histoire du JudaïsmeHôtel de Saint-Aignan 71, rue du Temple 75003 ParisDu mardi au vendredi : 11 h à 18 h / Samedi et dimanche : 10 h à 18 h

Calendrier GoogleCal

ven16oct(oct 16)13 h 30 min2021dim10jan(jan 10)18 h 30 minÉcrans partagés – La photographie après 31 ans de WebExposition CollectiveLe Lavoir Numérique, 10 Rue Victor Marquigny, 94250 GentillyType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le Lavoir Numérique a pour ambition de questionner le monde par le prisme de l’audiovisuel actuel. Pour débuter cette longue et passionnante prospection, il fallait bien commencer par le commencement et s’attaquer à cette fantastique montagne qu’est le Web aujourd’hui. Exposition d’inauguration du Lavoir Numérique, Écrans partagés ouvre ainsi une première porte : celle de la photographie. Médium technologique inventé il y a presque 200 ans, la photographie est-elle toujours la même après 31 ans de Web ? Quelles nouvelles images naissent du Net ? Comment regardons-nous le monde à présent ?
Pour tenter de répondre à ces questions, l’équipe du Lavoir Numérique s’est tournée vers DIAPH 8, collectif d’artistes, praticien.ne.s et penseurs de la photographie, tous issu.e.s de la formation Photographie et Art Contemporain de l’Université Paris 8 Vincennes – Saint-Denis.

Le World Wide Web (ou Web), ce système qui permet de naviguer de site en site sur internet, a eu 31 ans cette année. Il y a également plus de 30 ans que la photographie a opéré une mutation technologique pour devenir, à l’instar des autres médias, un objet numérique. En devenant un mode d’enregistrement électronique produisant des données, la photographie n’a pas nécessairement remis en question sa nature propre ni ses principes fondamentaux (capter le réel et le transcrire sous forme d’une image) mais elle a bouleversé une histoire vieille de presque deux siècles qui la liait aux supports concrets qui la définissaient (une épreuve sur papier, une reproduction dans un magazine, etc.) et à l’usage que ces supports déterminaient. En devenant immatérielle, l’image photographique a progressivement intégré les moyens de communication élaborés par le Web ; une intégration qui, au passage, a connu une brusque et radicale accélération ces 15 dernières années.

La photographie en tant qu’objet visuel numérique ne peut toutefois pas s’envisager que sous le seul angle technologique. La production des images photographiques est certes désormais conditionnée par de nouveaux types d’appareils (les smartphones par exemple) et des logiciels innovants qui ont fait émerger des nouvelles formes visuelles et de nouveaux contenus. Mais cette production a, par la même occasion, généré de nouveaux modèles économiques, de nouveaux modes de gestion et de consommation, de nouveaux usages et de nouveaux rapports sociaux. L’image photographique, comme le souligne l’historien André Gunthert, est devenu un « objet fluide » autrement dit, un objet de données (et même de métadonnées sans lien avec le spectre visuel) malléables et transformables, un objet connecté, un objet de langage et un objet interactif.

L’exposition et la publication qui l’accompagne n’ont pas la prétention de décrire avec exhaustivité toutes les métamorphoses opérées et induites par la photographie depuis son entrée dans l’ère du web. En s’adressant à des auteur.e.s rompu.e.s à l’exercice de la pratique et de l’autoréflexion, ce projet vise simplement à esquisser les contours d’un paysage et à partager quelques réflexions. Leurs œuvres photographiques (épreuves, installations, projections) montrent, interrogent et tentent de circonscrire des sujets. Si Judith Bormand rappelle que derrière toute image photographique il y a désormais une machine, Rafael Serrano souligne quant à lui qu’en produisant et en regardant des images numériques via des tablettes ou des smartphones, nous manipulons et regardons avant tout des écrans. La profusion de photographies fait du web « une source ouverte, abondante et commune » pour Lorraine Lefort qui invente de nouveaux mythes à partir des innombrables matériaux visuels ainsi mis à la disposition de tous. Pablo-Martín Córdoba questionne de son côté l’économie de l’incommensurable quantité de photographies circulant sur le web et met en lumière le « Big data qui échappe à notre contrôle » ainsi que les centres de données (Data Centers), lieux invisibles où sont pourtant gérés, stockés et contrôlés toutes les informations. Manon Giacone montre comment une interface (celle d’Instagram en l’occurrence, aujourd’hui la principale plateforme de partage d’images fixes) peut déterminer le cadre d’une narration. Pernelle Popelin, pour qui photographier puis publier en ligne peut devenir « un acte de communion », interroge la mémoire collective et la représentation d’un évènement au sein du flux sur internet. Claire Béteille relève l’amplification des postures égocentriques et met en scène les limites absurdes du phénomène selfie qui pousse à diffuser son image en toute occasion. Enfin, pour Julia Amarger et Amélie Cabocel, l’image de soi véhiculée et soumise aux interactions sur les réseaux sociaux conditionne notre mode de perception des autres et possiblement notre conception de nous-mêmes ; la fluidité numérique de l’image photographique n’ayant sans doute rendu que plus visibles et plus prégnants les schémas, les modes et les goûts dominants.

Michaël Houlette

Avec : Julia Amarger
Claire Béteille
Judith Bormand
Amélie Cabocel
Pablo-Martín Córdoba
Manon Giacone
Lorraine Lefort
Pernelle Popelin
Rafael Serrano

Photo : Place de la République, Popelin Pernelle

Dates

Octobre 16 (Vendredi) 13 h 30 min - Janvier 10 (Dimanche) 18 h 30 min

Lieu

Le Lavoir Numérique

10 Rue Victor Marquigny, 94250 Gentilly

Calendrier GoogleCal

jeu03déc(déc 3)13 h 00 mindim20(déc 20)19 h 00 minEntre quatre yeuxLucien Hervé et Rodolf HervéGalerie Maubert, 20 rue Saint-Gilles 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition Entre quatre yeux présente de manière inédite les travaux photographiques de Lucien Hervé et Rodolf Hervé, père et fils. Un face-à-face de l’intime, orchestré par Judith Elkan Hervé, veuve de Lucien Hervé, qui œuvre depuis les débuts à la reconnaissance internationale du travail de son mari, pilier de la photographie d’architecture, mais également de celui de son fils, artiste prédominant de l’underground hongrois des années 1990, mort prématurément en 2000.

L’exposition présente un ensemble de diptyques, montrant la complémentarité et, en même temps, la singularité des deux artistes. On s’attarde sur leurs idées partagées autour de la critique sociale, l’humour et l’ironie jalonnant les clichés, les prolongements plastiques jusque dans la question du cadrage osé, de l’abstraction et de la matérialité des supports photographiques. Les images versatiles et colorées du fils complètent la radicalité noire et blanche de celles du père, et laissent penser que les deux hommes ont été source d’inspiration l’un pour l’autre.

Lucien Hervé (1910-2007) est né dans une petite ville de Hongrie en 1910. Il s’installe à Paris en 1929, où il passe le reste de sa vie. Il commence à photographier à la fin des années 1930. En 1949, il rencontre l’une des figures phares de l’architecture moderne, Le Corbusier, et devient son « photographe officiel » entre 1949 et 1965. Son œil visionnaire et son travail singulier autour de l’irruption de la géométrie et la construction de l’image par l’ombre et la lumière, suscitent rapidement l’intérêt d’autres architectes comme Alvar Aalto, Marcel Breuer, Pier Luigi Nervi, Richard Neutra, Oscar Niemeyer, Jean Prouvé… Son travail est entré dans les plus grandes collections internationales : Albertina à Vienne, Centre Pompidou à Paris, Victoria and Albert Museum à Londres, Getty Research Institut à Los Angeles, MOMA à New York, CCA à Montréal, Kahitsuka Kyoto Museum of Contemporary Art à Kyoto, M+ Museum à Hong Kong, Musée Matisse de Nice, collection d’agnès b. à Paris… Les expositions et rétrospectives se sont multipliées : Jeu de Paume (2017), Centre Pompidou (1987, 2010), Musée des Arts Décoratifs (1963, 1966), BNF (1964), FUGA-Centre d’architecture de Budapest (2019), Jakopi Gallery, Ljubljana (2019), Galerie der Moderne, München (2014, 2018), Musée Benaki, Athènes (2016), Musée Matisse de Nice (2014), Fondation Le Corbusier (2007, 2014), Musée des Beaux-Arts de Budapest (2010), Maison de la Photographie Robert Doisneau (2010), Collection Berardo (2008), Maison de la Photographie hongroise – Mai Mano House (2008), Espace Louis Vuitton (2006), Musée Carnavalet (2005), Budapest Gallery (1989), Suomen Rakennustaiteen Museo de Helsinki (1963, 1976, 1987) …

Rodolf Hervé (1957-2000) est, quant à lui, très actif au sein des cercles underground hongrois des années 1990. Arrivé à Budapest en 1989 grâce à l’invitation du Musée Vasarely, Il reste en Hongrie plusieurs années après le changement de régime, devenant une des principales figures de la scène artistique alternative. Personnalité rebelle, il touche à tous les médiums (vidéo, musique, performances…), même si la photographie reste un moyen privilégié pour suggérer le mouvement, la pensée en action et exprimer l’émotion d’un monde halluciné et surréaliste, entre tendresse et violence, lyrisme et drame. Comme un besoin intense, pressant, d’expérimenter la vie et sa fulgurance. Depuis le Musée Vasarely de Budapest en 1990, Rodolf Hervé est exposé au Bain thermal Széchenyi à Budapest (1991), au Musée János Xantus à Györ (1992), au Szent István Király Museum de Székesfehérvár (2001), à la Centrális Gallery de Budapest (2011)… Ses oeuvres font partie de la collection de Open Society Archives à Budapest, de la collection d’agnès b., de l’artothèque d’Annecy…

L’exposition Entre quatre yeux (One-on-One) a été inaugurée à la Várfok Galerie à Budapest en 2019, parrainée par le Fonds Culturel National de Hongrie, et au programme officiel du Festival de la photo de Budapest.

Dates

3 (Jeudi) 13 h 00 min - 20 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Maubert

20 rue Saint-Gilles 75003 Paris

Galerie Maubert20 rue Saint-Gilles 75003 ParisGalerie ouverte du mardi au samedi de 13h00 à 19h00 ou sur rendez-vous

Calendrier GoogleCal

mer16sep(sep 16)0 h 00 min2021dim10jan(jan 10)0 h 00 minImagine. Réflexions sur la paixMusée international de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge, Avenue de la Paix 17, Genève, SuisseType d'événement:Exposition,Photographie

ven30oct(oct 30)12 h 00 minjeu24déc(déc 24)19 h 00 minLa sélection de la RédactionBernard Plossu : Fressons et VintagesTirages exceptionnels et anti-spectaculairesGalerie Camera Obscura, 268 Boulevard Raspail 75014 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La sortie du livre consacré aux tirages Fresson de Bernard Plossu nous offre l’occasion de visiter son oeuvre sous l’aspect de la couleur (celle des pigments du tirage au charbon, du sépia des tirages argentiques des années 70) mais aussi du tirage.
La question du tirage est en effet primordiale pour toute oeuvre photographique. Il s’agit d’un diapason, d’une façon juste de faire vibrer une image. Dès les années 70, Plossu trouve naturellement cet équilibre qui, de la prise de vues au tirage, fixe définitivement sa préférence pour une image « anti-spectaculaire ».

La rencontre avec la famille Fresson est de ce point de vue primordiale pour la suite de son oeuvre. Elle lui révèle la douceur charnelle d’une couleur vivante, non apprivoisée, sujette au hasard et au tour de main. C’est le début d’une longue collaboration (de 1967 à aujourd’hui) qui, traversant trois générations de cette famille d’inventeurs et de tireurs, fixe définitivement le style couleur de Plossu.

Leurs tirages ont du grain, ils sont mats, comme les photos en noir et blanc…Le grain donne une ambiance proche des photos faites au Tri-X, le coté mat est anti-spectaculaire et ça me plait. Les Fressons atténuent délicatement la violence de toute lumière excessive, que ce soit en Arizona ou dans le sud de la France !

Les années 70 sont aussi celles de la collaboration avec Philippe Salaün, tireur noir et blanc qui réalise notamment, dans une période restreinte (fin des années 70), des séries entières d’images virées en sépia (Niger, Sénégal, Maroc,Nouveau Mexique…).

La mise en relation des tirages Fresson et des tirages noir et blanc (sépias compris) des années 70 résulte d’abord d’une simple évidence : celle de l’unité du regard et de l’oeuvre. Idée partie d’une simple intuition, elle s’est révélée riche de découvertes, mais aussi de bonheurs à marier ces deux pans de l’oeuvre de Plossu, habituellement séparés.

Bernard Plossu a eu la générosité de me laisser choisir dans ses archives des tirages d’époque exceptionnels et rares, reflets d’une oeuvre en train de se faire.
L’un de mes grands plaisirs a été d’y retrouver des tirages sépias de Taos, ceux-là même qui m’avaient fait découvrir son travail, en 1981, lors des rencontres d’Arles.

Le récent décès de Michel Fresson, à 84 ans, alors qu’il travaillait toujours assidûment à l’atelier, apporte naturellement une coloration d’hommage à la sortie du livre et à notre exposition. Son fils Jean-François, dernier détenteur du savoir-faire de sa famille, a bien voulu se remettre seul au travail pour réaliser une partie des tirages de cette exposition.C’est un cadeau précieux.

“J’ai eu la chance de rencontrer la famille Fresson dès 1967, Pierre et Michel : tout de suite, j’ai compris que leur papier mat et avec du grain me permettrait de montrer mes photos couleur avec la meme ambiance que celles en noir et blanc. C’était encore l’époque des films Kodachrome en diapositives.
Puis, ces dernières années, j’ai travaillé avec Jean-François, et dorénavant la plupart du temps en film négatifs couleur.
Chaque fois que je reçois un paquet d’eux, et ce depuis plus de 50 ans maintenant, j’arrête tout ce que je fais afin de les savourer tellement ils sont magnifiques ! Je ne les remercierais jamais assez.”
– Bernard Plossu

Dates

Octobre 30 (Vendredi) 12 h 00 min - Décembre 24 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Camera Obscura

268 Boulevard Raspail 75014 Paris

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