Ephéméride (2006) : Mort de Gordon Parks

L'Ephéméride

by La Rédaction on 7 mars 2018

302 Views | Like

Ephéméride (2006) : Mort de Gordon Parks

Name: Wherein Lies the Space
Start: 2019-2-22T10-10-00-00
End: 2019-3-30T19-19-00-00
Location: Galerie Thaddaeus Ropac

Temps de lecture : 7 secondes

Le photographe et militant anti-raciste Gordon Parks, meurt le 7 mars 2006 à l’âge de 93 ans. Ses images sont actuellement exposées jusqu’au 24 mars 2018 à la galerie Jack Shainman (New York).

http://www.jackshainman.com/exhibitions/24th-street-23/

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dim20jan(jan 20)13 h 00 mindim14avr(avr 14)18 h 00 minLe magazine des joursPaul PouvreauCPIF - Centre Photographique d'Ile-de-France, 107 Avenue de la République, 77340 Pontault-CombaultType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dix ans après sa participation à l’exposition collective intitulée L’Île de Morel, Paul Pouvreau présente au CPIF une monographie.

La proposition, qui s’attache à parcourir l’œuvre d’un des artistes les plus passionnants de sa génération (né en 1956 à Aulnay-sous-Bois), articule des images anciennes à de plus récentes, produites pour l’occasion.

Commissariat : Paul Pouvreau & Nathalie Giraudeau

Utilisant des matériaux du quotidien, ustensiles ménagers, poussière, emballages en carton, sacs plastiques, affiches publicitaires, Paul Pouvreau bâtit des espaces et des moments poétiques : des incidents dans un quotidien de signes mornes ; des illuminations de sens et de petits plaisirs visuels.

Une partie de son travail, qui met sur le même plan les gestes architectural, sculptural, performatif, graphique et photographique, pourrait être lue comme burlesque – ce registre qui utilise la catastrophe, le détournement et le brouillage de la hiérarchie des valeurs comme perturbateur d’un ordre établi. Dans cette forme de comique, l’homme est aux prises avec les éléments – ici générés par l’idéal commercial -, la profusion de signes tels des « détritus visuels »*.

« L’enchantement du trivial fut le projet pop, après quoi les artistes conceptuels firent des objets de consommation des fétiches livrés à nos manies (série, collection, classification…). Paul Pouvreau se détache de ces héritages, il aime construire dans le crépuscule de la marchandise, de nouveaux repères », écrivait Michel Poivert**.

* Antonia Birnbaum, in Le Monde à plat, Éditions Loco, 2017.
** Michel Poivert, in Variations saisonnières, Édition Galerie municipale Jean Collet, 2016

Paul Pouvreau est né en 1956 à Aulnay-sous-Bois (93). Après avoir obtenu son DNSEP à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Bourges, il a enseigné jusqu’en 2009 la photographie à l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts du Mans. En parallèle, il a réalisé de nombreuses expositions, en France et à l’étranger, monographiques ou collectives. Depuis 2010, il est professeur à l’Ecole Nationale Supérieure de la Photographie à Arles.

Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections : Arthothèques de Caen, Vitré, Limoges, Lyon et Nantes ; Fonds National d’Art Contemporain ; FRAC Corse, Franche-Comté, Limousin, Paris et Alsace ; Musée de Valence ; Caisse des dépôts et des consignations (collection Beaubourg) ; etc.

Depuis le début des années 1980, Paul Pouvreau développe un travail photographique où il met en scène des objets banals : poussière, ustensiles ménagers, cartons et sacs plastiques, par exemple. Il s’agit, dit-il « de porter attention à ces petits riens dans lesquels se loge souvent presque tout ». Dans les années 1990, il introduit aussi un personnage au visage toujours imperceptible, traité comme le sont les objets : de manière anonyme. Si Paul Pouvreau se nourrit du réel, il puise également dans l’Histoire de l’Art et met en scène ses photographies sous formes d’installations. Car ce ne sont pas seulement les objets qui intéressent l’artiste mais aussi les logos, les formes variées des emballages, la manière dont ces signes visuels dialoguent avec l’espace du quotidien et celui de l’exposition. Ces dernières années, son travail s’est aussi enrichi de la pratique du dessin.

Dates

Janvier 20 (Dimanche) 13 h 00 min - Avril 14 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

CPIF - Centre Photographique d'Ile-de-France

107 Avenue de la République, 77340 Pontault-Combault

CPIF - Centre Photographique d'Ile-de-France107 Avenue de la République, 77340 Pontault-CombaultDu mercredi au vendredi de 13h à 18h. Les samedis et dimanches de 14h à 18h. Autres créneaux horaires sur rendez-vous. Entrée libre

Calendrier GoogleCal

ven22fev(fev 22)10 h 00 minsam30mar(mar 30)19 h 00 minWherein Lies the SpaceRosemarie CastoroGalerie Thaddaeus Ropac, 7 Rue Debelleyme, 75003 Paris

Détail de l'événement

Après sa première grande rétrospective européenne l’an dernier au Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), la Galerie Thaddaeus Ropac a le plaisir de présenter la première exposition personnelle de Rosemarie Castoro (1939-2015), artiste américaine pionnière de l’art minimal, dans sa galerie du Marais. Coïncidant avec le 80e anniversaire de la naissance de l’artiste, l’exposition aborde toutes les facettes de sa pratique multidisciplinaire depuis le milieu des années 1960 jusqu’au milieu des années 1980. À travers une sélection d’oeuvres emblématiques, cette exposition entend rendre compte de la contribution essentielle apportée par Rosemarie Castoro au développement de la peinture abstraite, de la sculpture, de l’art conceptuel, de la poésie concrète et de la performance. De ses premières peintures, dont Frank Stella disait qu’elles reflètent la sensibilité d’une coloriste exceptionnelle à ses œuvres murales monochromes et ses grandes sculptures organiques qui sont devenues sa marque de fabrique, l’œuvre de Castoro – longtemps éclipsée par celle de ses pairs masculins – est une redécouverte pour le public d’aujourd’hui.

Rosemarie Castoro était une figure centrale de la scène artistique new-yorkaise des années 1960, aux côtés de Carl Andre avec qui elle était alors mariée. Dans son studio-loft de Soho se retrouvaient de nombreux artistes tels que Sol Lewitt, Michael Heizer, Richard Long, Lawrence Weiner, Lee Lozano, Robert Smithson, Agnes Martin et d’autres acteurs de cette avant-garde très soudée. L’une des rares femmes associées au minimalisme, elle s’est affranchie des frontières esthétiques de l’époque en introduisant des allusions surréalistes et sexuelles dans la rigueur abstraite du Minimalisme. Elle a elle-même rejeté avec ironie ce terme en 1986 en déclarant “Je ne suis pas une minimaliste, je suis un Maximust.” Tout au long de sa vie, Castoro s’est évertuée à mélanger les différentes pratiques, se définissant elle-même comme une “paintersculptor”. La critique d’art et commissaire d’exposition féministe Lucy R. Lippard l’a plus tard décrite comme une artiste ayant “subverti et dépassé le minimalisme sur son propre terrain.”

En 1969, Castoro annonce ce qui va définir l’ensemble de sa pratique dans un poème de poésie concrète qui donne son titre à cette exposition :

WHEREIN LIES THE SPACE

BETWEEN WAKEFULNESS AND SLEEP

BETWEEN METHOD AND OBJECT

Non seulement le poème démontre l’importance du langage dans son travail – elle utilise souvent des jeux de mots pour titrer ses œuvres – mais il cartographie aussi le territoire qui l’intéresse aux intersections du temps et de l’espace, du rationnel et du subconscient.

Lorsqu’elle commence sa vie d’artiste, Rosemarie Castoro se concentre essentiellement sur la peinture dont elle explore les fondements à travers différentes séries successives. Dans sa série des Prismacolor, la composition de chaque tableau est structurée autour d’une couleur principale et d’un angle. Une couche de peinture acrylique est appliquée diagonalement sur la toile brute en suivant l’orientation choisie pour l’oeuvre, orientation accentuée par des lignes parallèles tracées au crayon sur la surface peinte. Dans d’autres compositions géométriques émerge souvent une forme en ‘Y’ qui suggère l’idée d’une répétition à l’infinie d’un motif qui se déploie au-delà même des limites de la toile. Son usage de la couleur couvre un spectre très large, depuis des compositions où s’entrecroisent des tons primaires jusqu’à des teintes extrêmement subtiles qui expriment l’humeur du jour.

À la fin des années 1960, le travail de Castoro prend une direction plus expérimentale. Elle fait usage du langage dans des oeuvres de plus en plus conceptuelles, qu’il s’agisse de poésie concrète ou de ses propres journaux. Composés d’un assemblage de textes et de photographies, ces derniers renseignent sur la matrice de son processus créatif, notamment son approche performative. Les polaroids pris au retardateur dans son studio la montrent en train d’interagir dans ses propres oeuvres, adoptant parfois des poses acrobatiques qui révèlent sa formation de danseuse. Suivant une stratégie similaire à d’autres artistes conceptuels, Rosemarie Castoro a tendance à transformer les activités les plus quotidiennes en une forme artistique. Dans l’album de poésie concrète A Day in the Life of a Conscientious Objector (1968), terme utilisé par les opposants à la guerre du Vietnam, Castoro réfléchit sur sa vie d’artiste à travers l’indexation de ses activités quotidiennes au studio.

Au début des années 1970, Castoro abandonne la couleur au profit de surfaces grisées au graphite. Avec un balai, elle commence à « peindre » les surfaces de ces sculptures avec une matière épaisse faite de gesso et de graphite et crée des peintures intensément gestuelles et dynamiques qui semblent se décrocher du mur. Si ces reliefs adoptent des formes variées, une série se base plus spécifiquement sur les initiales d’amis artistes traduits en écriture sténographique. Parmi eux Guinness Martin (1972) est dédié à Agnes Martin. A propos de sa relation avec Martin, Castoro se souvient: « J’avais rencontré Agnes dans son atelier à la fin des années 1960. Nous étions toutes deux des peintres qui faisions des maquettes typographiques pour gagner notre vie. A l’époque, les peintres entretenaient une camaraderie et se rencontraient par l’intermédiaire d’autres peintres. Souvent, nous nous retrouvions dans des bars ou dans les studios des uns et des autres pour prendre le thé. En 1972, j’ai réalisé pour Agnès une découpe qui appartenait à une série de sculptures murales créées avec une brosse utilitaire et qui épelait son nom en sténographie Pitman: Guinness Martin est né comme un déguisement du nom d’Agnes. »

Au milieu des années 1970, ses œuvres gagnent une dimension surréaliste : Castoro se projette alors dans le personnage d’une femme géante qui aurait élu domicile dans son atelier, entourée de ses ‘Giant Brushstrokes’, ensemble d’imposantes protubérances murales dont fait partie Armpit Hair (1972) présentée dans l’exposition. Ses sculptures en époxy plus tardives telles que Land of Lashes (1976), qui évoque une phalange de cils géants envahissant étrangement l’espace comme des araignées, abordent la relation au corps encore plus frontalement.

À la même époque elle travaille également à de grandes installations réalisées à partir de morceaux de bois brut taillés. Beaver’s Trap (1977), dont le titre est dérivé de la traduction anglaise de son nom de famille d’origine italienne, en est un exemple iconique. L’oeuvre est composée de 42 éléments alignés sur le périmètre d’un carré. Ils sont disposés de telle sorte que le l’élément le plus haut se trouve à un coin d’un rectangle formé par les éléments restants qui descendent progressivement vers l’élément le plus court au coin opposé. L’ensemble paraît avoir été conçu pour atteindre une forme d’équilibre et pourtant la courbure différente de chaque pointe donne l’impression que la sculpture peut vaciller à tout moment. Dans une note accompagnant sa première présentation, Castoro relie le piège du castor à un désir d’autoprotection, chaque bâton étant sculpté de manière à tenir en équilibre et “s’il venait à se renverser, cela l’avertirait du danger « . L’oeuvre est alors associée à un piège érotique féminin abstrait, à un “lit destiné à la capture d’un compagnon.”

En 1979, Castoro s’engage dans une nouvelle expérience sculpturale, les Flashers, des pièces en acier noir de plus de deux mètres de haut, exposées dans l’espace public à Manhattan et à Paris sur les berges de la Seine en 1983. L’orignie de la forme humanoïde des Flashers vient d’un moment où Castoro a courbé et plié un billet de 20 dollars pour le faire tenir debout. Le titre évoque l’exhibition sexuelle, « l’imperméable gris que portent les vieux bonshommes et qu’ils ouvrent [Flash, en anglais] devant les jeunes filles innocentes », explique Castoro. La commissaire d’exposition Tanya Barson souligne “l’intérêt que manifeste Castoro à décliner différents aspects de la sexualité et, comme les exhibitionnistes eux-mêmes, à évoquer simultanément le menaçant, le comique et le pathétique ».

Bien que Castoro ne se soit jamais identifiée elle-même comme féministe, sa pratique a contribué à redéfinir les domaines du minimalisme, du post-minimalisme et de l’art conceptuel au prisme d’une subjectivité féminine.

Commissaire de l’exposition: Anke Kempkes

À PROPOS DE L’ARTISTE:

Née à Brooklyn, Rosemarie Castoro a vécu et travaillé à New York toute sa vie, devenant une figure centrale de l’avant garde minimale et conceptuelle.

Puisant très tôt son inspiration dans le domaine de la danse expérimentale alors qu’elle était encore étudiante au Pratt Institute, puis à travers des collaborations avec la chorégraphe postmoderne Yvonne Rainer dans les années 1960, l’œuvre de Castoro a toujours conservé un caractère nettement performatif et témoigne d’une attention spécifique à l’espace et au mouvement. En 1966, elle participe à la performance d’Yvonne Rainer Carriage Discreteness pendant le célèbre festival 9 Evenings. A partir de 1964, Castoro commence à peindre en créant des séries qui explorent de façon systémique des combinaisons de couleurs et de structures dans des compositions all-over innovantes.

En 1968 – alors que les Etats-Unis connaissent une période de troubles politiques – elle abandonne la couleur. Sa pratique s’ouvre à l’art conceptuel, aux performances et à la poésie concrète. En 1969 et 1970, elle participe aux expositions de Lucy Lippard à Seattle et à Vancouver, qui ont permis de définir les termes de l’art Conceptuel. Sa première exposition personnelle a eu lieu à la galerie Tibor de Nagy, à New York, en 1971, où elle expose ses imposants «Free-Standing Walls» et «Giant Brushstrokes». Parallèlement aux expositions en galerie, Castoro a toujours manifesté un intérêt à créer et à montrer son art dans la rue, depuis ses premières performances, intitulées Streetworks jusqu’à sa participation à l’événement «Art on the Beach» à Batterry Park City, à New York en 1978. Ses Flashers à l’allure de totems, ont été exposés à plusieurs reprises dans l’espace public à New York et également à Paris sur les quais de la Seine en 1983.

Castoro a également enseigné à l’Université du Colorado, Boulder; l’Université de Syracuse; au Pratt Institute et au Hunter College, New York. Elle a également milité au sein de l’Art Workers’ Coalition, qui se réunissait dans son studio, et a participé à la création du HIV Arts Network (HAN).

Elle a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment Distillations, Tibor de Nagy et Stable Gallery, New York (1966); Number 7, Paula Cooper Gallery, New York (1969); Biennale de Paris, Paris (1971); Painting 1967-1968, Hal Bromm Gallery de New York (1975); Direction 1981, Musée Hirschhorn et Sculpture Garden, Washington, D.C. (1981); Side by Side: New acquisitions, Musée d’art moderne de New York (1985); Knee-High Flashers, Galerie Arnaud Lefebvre, Paris (1993); Site and Insight: An Assemblage of Artists, MoMA PS1, New York (2003); Configurations, MAMCO, Genève (2005); Land of Lads, Land of Lashes, Galerie Thaddaeus Ropac, Londres (2018). Sa première grande rétrospective muséale a eu lieu au MACBA, à Barcelone, en 2017, suivie d’une exposition au MAMCO, à Genève qui ouvrira en octobre 2019.

Dates

Février 22 (Vendredi) 10 h 00 min - Mars 30 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Thaddaeus Ropac

7 Rue Debelleyme, 75003 Paris

Calendrier GoogleCal

mer20mar(mar 20)14 h 00 mindim31(mar 31)20 h 00 min100% l'EXPO Sorties d'écolesLa Villette, 211 Avenue Jean Jaurès 75019 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La Villette invite la jeune création à investir la Grande Halle et les Folies dans le cadre de la 4e édition du festival 100%. Véritable carte blanche donnée à 6 écoles françaises au rayonnement international, 100% L’EXPO présente une sélection de talents récemment diplômés. Pensée comme un tremplin pour les jeunes créateurs, l’exposition propose un panorama fidèle et exigeant de la scène artistique émergente.

Du 20 au 31 mars, 100% L’EXPO réunit pour la première fois les Beaux-Arts de Paris, l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs (ENSAD), La Fémis, l’École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy (ENSAPC), l’École nationale supérieure de création industrielle (ENSCI – Les Ateliers) et l’École nationale supérieure d’architecture de Paris-Malaquais.

Un panorama inédit de la jeune création française en accès libre !

Les Beaux-Arts de Paris
L’exposition présente 32 jeunes artistes diplômés des Beaux-Arts et issus des promotions de ces 4 dernières années. La sélection s’est faite en collaboration entre l’équipe des expositions des Beaux-Arts et celle de La Villette.

ENSAD – École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs
Une sélection de 30 artistes diplômés de l’ENSAD est proposée par le commissaire d’exposition Matthieu Lelièvre. Les différentes sections de l’école sont représentées : photo-vidéo, art et espace, design textile, etc… 2 jeunes scénographes diplômés de l’école font partie de l’équipe de scénographie du projet.

La Fémis
La Fémis a choisi 10 jeunes diplômés qui, par leurs créations originales sous forme de courts ou de longs métrages, passant parfois par le clip, l’installation, ou encore un travail de recherche, proposent un regard singulier sur la création artistique et le cinéma actuel.
L’école présente également plusieurs films de diplômés de la promotion 2018, ainsi qu’une programmation spéciale dédiée au Cursus de La Résidence, permettant à 4 jeunes réalisateurs autodidactes de suivre une formation d’un an.

ENSAPC- Ecole Nationale Supérieure d’Arts de Cergy
Lieu de recherche et d’expérimentation réputé pour faire émerger des formes artistiques novatrices, l’ENSAPC construit, avec ses étudiants, une programmation de performances sur mesure pour les espaces de la Grande Halle : formes déambulatoires, lectures, performance dansées… à découvrir tout au long du festival.

ENSCI – École nationale supérieure de création industrielle – Les Ateliers
L’ENSCI – Les Ateliers investit la Folie des Fêtes et propose une plongée dans l’univers du design.
Au programme : design appliqué, objets, performances, vidéos, expérimentations, etc. La Folie des Fêtes devient une véritable fabrique à design et vous offre une immersion dans le monde de l’expérimentation et de l’innovation, là où les savoir-faire rencontrent la création artistique et les technologies numériques.

École nationale supérieure d’architecture de Paris-Malaquais
Une équipe de scénographie est spécialement constituée pour l’exposition par des étudiants de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Paris-Malaquais (sous la supervision de Yann Rocher). Elle collabore avec l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs (sous la supervision d’Emmanuelle Barbey) et est accompagnée par l’équipe de scénographie de La Villette pour proposer un parcours original dans la Grande Halle.

Du mardi au samedi 14h-20h
Dimanche 24.03 11h-16h

Nocturnes
Jeu 28 & Ven 29.03 14h-22h
Sam 30.03 14h-00h
Dim 31.03 14h-22h

Dates

20 (Mercredi) 14 h 00 min - 31 (Dimanche) 20 h 00 min

Lieu

La Villette

211 Avenue Jean Jaurès 75019 Paris

Calendrier GoogleCal

sam19jan(jan 19)14 h 00 minsam30mar(mar 30)19 h 00 minThe Color WorkVivian MaierLes Douches la Galerie, 5, rue Legouvé 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Un des préceptes incontournables de la photographie veut que les meilleurs photographes de rue soient ceux qui ont appris à être invisibles, ou du moins, à se convaincre qu’ils le sont. Au fil des années, j’ai arpenté les rues aux côtés de Cartier-Bresson, Garry Winogrand, Tony Ray-Jones, Diane Arbus, Lee Friedlander, Tod Papageorge, ainsi que de quelques artistes de la jeune génération – Gus Powell, Melanie Einzig, Ben Ingham et Matt Stuart –, et chacun de nous a un petit numéro bien rodé pour travailler dans la rue. Esquives, feintes, pirouettes, c’est en se faufilant, le regard aux aguets, que l’on traverse les foules ou les manifestations, les avenues et les ruelles, les parcs et les plages, tous les lieux où la vie ordinaire attire notre attention et notre désir. C’est notre invisibilité qui nous permet de dérober impunément le feu des dieux.

En 2009, c’est sans crier gare que la tornade Vivian Maier est entrée dans l’histoire déjà très riche de la photographie de rue. En octobre de cette année-là, j’ai reçu un e-mail de John Maloof, un jeune artiste que je ne connaissais pas. Il se présentait et me racontait qu’il était tombé sur une mine de négatifs, de diapositives et de tirages lors d’une vente aux enchères dans un entrepôt de stockage. Comme il connaissait mon travail et qu’il avait lu mon ouvrage Bystander: The History of Street Photography, coécrit avec Colin Westerbeck, il avait décidé de me contacter pour me demander mon avis sur les photographies de Vivian Maier.

En pièces jointes, il avait mis environ deux cents diapositives couleur prises entre la fin des années 1950 et le milieu des années 1970, qu’il avait toutes scannées lui-même. J’avoue que je ne les ai pas trouvées tout de suite géniales, mais en faisant défiler ces clichés en vrac, j’ai été frappé par la sensibilité et le timing de Vivian Maier : son attitude incroyablement positive, son sens du cadrage, sa témérité à se rapprocher volontairement de son sujet, la sincérité de sa curiosité, et une indéniable chaleur humaine, doublée d’ironie et d’humour – tout cela donnait l’impression d’un regard sur la vie d’une grande cohérence. Après avoir regardé toutes les photos, j’ai été envahi de ce plaisir que l’on ressent à la vue d’un travail intelligent et évocateur. J’ai visionné les diapos une nouvelle fois, j’en ai sélectionné quarante ou cinquante, que j’ai encore regardées.

Je commençais à saisir véritablement le fond de son travail. Qui était donc cette femme ? S’était-elle naïvement jetée à corps perdu dans le monde de la photographie américaine des années cinquante, ou avait-elle passé du temps à étudier un certain nombre d’autres travaux ? Avant de répondre à John, j’ai écrit à Colin : « Il faut que tu voies ce travail – une parfaite inconnue vient de débarquer dans l’histoire de la photographie de rue. » Il y avait des portraits pleins de tendresse, et de fabuleux moments pris sur le vif. Des paysages urbains et des enfants qui jouent. De petits gestes, des détails infimes majestueusement détectés et saisis au vol. Et aussi des images de personnes âgées, indigentes ou à la dérive, à Chicago et à New York. Mais surtout, on sentait que ce travail en couleur était guidé par une furieuse intelligence. Et tout cela en couleur ! Quel courage et quelle discrétion ! J’étais certain qu’elle ne faisait pas de tirages couleur, car quasiment personne n’en faisait à l’époque… Les photos étaient donc forcément restées cachées dans des cartons, influençant probablement fort peu son parcours d’artiste, et pourtant c’étaient (et ce sont toujours) des œuvres d’une grande valeur pour nous, qui sommes là pour voir son évolution.

En regardant de près les nombreux autoportraits de Vivian Maier, vous remarquerez son masque, son costume d’invisibilité. Elle a le physique banal d’une maîtresse d’école d’autrefois. On dirait une vieille fille timide, ou une touriste mal à l’aise dans la grande ville… mais que nenni ! Elle travaillait comme gouvernante, ce qui était déjà en soi un formidable camouflage – car qui se serait méfié d’une femme qui trimballait deux gamins derrière elle ? Sa profession lui a permis d’arpenter les rues à sa guise, de faire toutes les photos qu’elle voulait. Ses photographies laissent clairement transparaître sa rapidité à percevoir les comportements humains, le moment en train de se produire, un geste furtif, une expression sur un visage – ces brefs instants qui rendaient la vie dans la rue aussi passionnante à ses yeux.

Cependant, il me semble que Vivian Maier préférait le noir et blanc, qui donnait plus de force à ses œuvres, et ce pour plusieurs raisons. La pellicule noir et blanc était d’un maniement plus rapide, contrairement au Kodachrome, extrêmement lent et donc plus délicat. Avec le noir et blanc, elle pouvait obtenir des tirages et se pencher sur son travail, ce qui facilitait son approche instinctive. Sa passion du jeu visuel, la force et la pureté de son intuition et son amour infini de la photographie ressortent plus clairement en noir et blanc. C’est ce support qui lui a permis de persévérer, d’approcher de si près policiers, ivrognes, voyous et autres fanfarons, ainsi que des vieux et des infirmes, tout en gardant la tête froide – et son sens de l’humour – dans les situations difficiles.

Le travail en couleur de Vivian Maier recèle néanmoins des trésors, et le présent ouvrage montre des vues et des personnages absolument magnifiques. Au détour de chaque image, on la sent motivée par la couleur quand le flot de la vie quotidienne lui offre un « incident coloré ». Voyez par exemple l’image toute simple, en couverture de ce livre, de cette femme de dos qui serre son petit doigt, les mains posées sur sa robe rouge, en un geste étonnamment troublant – une image aussi forte que le drapeau d’une nation.
Vivian Maier compte parmi les premiers poètes de la photographie en couleur.

Joel Meyerowitz
Avant-propos, Vivian Maier: The Color Work, Harper Design, 2018

Dates

Janvier 19 (Samedi) 14 h 00 min - Mars 30 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Les Douches la Galerie

5, rue Legouvé 75010 Paris

Les Douches la Galerie5, rue Legouvé 75010 ParisOuvert du mercredi au samedi de 14h à 19h ou sur rendez-vous

Calendrier GoogleCal

sam26jan(jan 26)10 h 00 mindim12mai(mai 12)18 h 00 minSongs of the WalésPatrick WillocqLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Songs of the Walés est le fruit de divers séjours que Patrick Wil- locq a menés au nord de la République démocratique du Congo, dans une Afrique où il a vécu une part de son enfance et de son adolescence.

Dans les forêts de la région équatoriale vivent les Ekondas et les Ntom- bas, deux sous-groupes du peuple Mongo appartenant lui-même à l’eth- nie Bantou ou Pygmée, lesquels pratiquent le rituel Walé, la « mère-al- laitante », célébration originale de la maternité. Sitôt qu’elle a donné vie à son premier enfant, la jeune mère est emmenée en semi-isolement chez ses parents afin de protéger le nouveau-né, fille ou garçon, hé- ritier de tout un clan. Il lui sera interdit de se livrer aux travaux des champs, à tout exercice physique, ou même de se promener seule, tout rapport sexuel étant proscrit. Toute l’attention et les soins seront portés à l’enfant, comme à la mère, aidée des Basomis, ses servantes et gardes, son élégance et ses courbes avantageuses faisant la fierté du clan. Le respect de ces interdits et d’une condition décidés par son époux et son père lui procure de fait un statut de patriarche aux yeux du clan. La Walé se couvrira en outre le visage et le buste de poudre rouge, autant pour se protéger des maladies que des mauvais esprits ou des hommes. Au terme de cette période d’isolement pouvant atteindre parfois jusqu’à cinq années, la Walé sera amenée à offrir un spectacle codifié, l’expression par le chant et la danse de ses désirs, de ses rêves, mais aussi de son expérience de recluse, cherchant avant tout à convaincre de sa supériorité sur les autres Walés, n’hésitant pas à les discréditer ; à l’issue d’une cérémonie de trois heures, la Walé sera projetée dans les airs depuis une nacelle, scellant ainsi la fin de sa réclusion, pour peu que son époux ait pu s’acquitter des coûts engendrés par le spectacle et par l’isolement de la jeune mère, la rémunération de l’entourage particulièrement.

C’est ici qu’intervient Patrick Willocq, pour fixer par l’image une tradi- tion orale : par la traduction que lui fera un ethnomusicologue du récit de la Walé, et en accord avec celle-ci, Willocq compose un véritable tableau photographique, une retranscription visuelle de l’un des frag- ments les plus marquants du rite qu’elle a vécu. Après la construction par la communauté d’un véritable décor de nattes, de feuillages et de bambous, trompe-l’œil végétaux et bigarrés, chaque Walé devient l’or- donnatrice de sa photographie et, avec son entourage, les acteurs de celle-ci. Il sera question de désirs d’avions ou de bateaux, d’hommes volages et repentants, de femmes méchantes et tentatrices que l’on a rêvées suspendues aux branches ; cela parlera aussi de ce Blanc qui vient les photographier au volant de sa jeep et qui aurait pu faire un bon mari. Mais cela donne surtout à voir et à pérenniser un rituel jusque-là incanté, et d’abord à celles-là même qui l’ont composé, en offrant sans jamais dérober puisque Willocq complètera « la valise » qui soldera de tout compte la dette de l’époux.

L’exposition Songs of the Walés est une immersion visuelle et sonore dans l’univers des Walés. Elle est non seulement composée de tableaux photographiques, de portraits, de wall papers, d’installation, d’images du making of, d’un film documentaire mais aussi ponctuée par des chansons des Walés

Dates

Janvier 26 (Samedi) 10 h 00 min - Mai 12 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, Belgique

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueLe musée est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 18h

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Ephéméride (2006) : Mort de Gordon Parks

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Ephéméride (2006) : Mort de Gordon Parks

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