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La Playlist de Philippe Augier

La Rédaction21 avril 2017

Temps de lecture estimé : < 1min

Philippe Augier est notre invité de la semaine (lire son portrait publié lundi 17 avril), à l’occasion de sa dernière journée de carte blanche, le Maire de la ville de Deauville partage avec nous sa playlist.

Trio pour piano de Tchaikovsky

Concert de Ernest Chausson OP 21 par Renaud Capuçon (Extrait)

Concerto de Tchaikovsky

La Rédaction

9 Lives magazine vous accompagne au quotidien dans le monde de la photographie et de l'Image.

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

mer02déc(déc 2)9 h 00 min2021mer03fev(fev 3)19 h 00 minSophie HATIER Chez Véronique Hublot-PierreChez Véronique Hublot-Pierre, 39 rue de la Glacière 75013 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition présentera cinq artistes de différents horizons :

Achim Duchow, artiste peintre et photoDepuis 2011, Sophie Hatier travaille sur des sujets qui dialoguent avec l’abstraction. Paysages et portraits sont photographiés de la même manière, en aplats qui révèlent des formes abstraites et des matières picturales. Le grain d’une peau est un motif, au même titre qu’une coulée de lave ou une herbe rase. Son approche est sans à priori : elle porte un regard identique sur une personne, un animal, un végétal … sans échelle de valeur. Elle photographie une personne comme une montagne et inversement, et cite volontiers Thoreau : « Je reste en plein air à cause du minéral, du végétal, de l’animal qui sont en moi ».

L’exposition chez Véronique Hublot-Pierre présente des oeuvres appartenant à trois séries : « Espaces sans titre » (Vercors), « Loin des Jardins » (Islande) et une toute dernière qui n’a pas encore de nom, photographiée en Camargue.

Une fois par an, Véronique Hublot-Pierre accueille chez elle les oeuvres de photographes et de céramistes pour partager ses goûts et ses découvertes. En 2020, jusqu’au 13 décembre : Sophie Hatier, photographe et Mireille Favergeon, céramiste.

Dans le cadre de Photo Days

prendre rdv par sms : 06 30 62 44 06
39glaciere@gmail.com

Dates

Décembre 2 (Mercredi) 9 h 00 min - Février 3 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

Chez Véronique Hublot-Pierre

39 rue de la Glacière 75013 Paris

Calendrier GoogleCal

ven10avr(avr 10)11 h 00 min2021dim31jan(jan 31)18 h 00 minIcônes VégétalesThomas BalaÿCité Botanique de Bordeaux, Esplanade Linné, 33100 BordeauxType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

La démarche photographique de Thomas Balaÿ a débuté aux Etats-Unis et plus particulièrement au Marie Selby Botanical Garden alors qu’il préparait une exposition itinérante sur les plantes en voie d’extinction. Ce photographe diplômé d’agronomie tropicale qui a voyagé dans le monde entier est à l’initiative d’ouvrages botaniques dont le dessein est de révéler la diversité et la beauté du monde végétal qui nous entoure.

Dans chacun de ses ouvrages, Thomas Balaÿ oscille entre témoignage scientifique, documentaire et recherche artistique. Son approche des « Orchidées » paru en 2015 aux éditions Ulmer tout comme sa série « Succulentes, le design végétal » édité en 2017 chez le même éditeur offre en un dialogue intime, un éclairage subtil du monde végétal sur lequel il s’attarde, celle de l’image d’une nature transfigurée.

Issue de diverses collections publics et privés, la plante est revisitée en une stylisation sculpturale propre à retrouver l’essence même du « vivant organique ». Des Orchidées, Thomas Balaÿ retranscrit l’infinie délicatesse, la diversité inégalée de ses formes et couleurs, la pureté auréolée du mystère de ces plantes à fleurs fascinantes. Une famille à part dans le règne végétal aux comportements unique tant dans leur ingéniosité que dans leur stratégie de reproduction. A la fragilité apparente des Orchidées répond ici les Succulentes, ces plantes dites « grasses », « gorgées de sucs » aux formes multiples et charnues, aux familles diverses et dont l’évolution provient de leur capacité de résistance à la sécheresse des déserts.

Avec le choix d’une prise de vue rapprochée sur fond neutre et noir, Thomas Balaÿ fait ressortir les formes et les volumes structurels, architecturels de la plante. Cette mise en scène met en évidence la beauté du graphisme végétal, son design intrinsèque pour en déceler ses lignes, ses épaisseurs pour toucher sa matière et sentir sa splendeur. Le monde végétal est ainsi transporté avec Thomas Balaÿ en des formes artistiques sobres, simples à la netteté des lignes et aux formes proches des créations de design ou de la joaillerie.

De ce face à face entre l’œil du photographe et la plante jaillit une galerie de portraits aux sonorités humanisées, à l’interaction complice entre l’homme et la nature sauvage. En célébrant leurs élégances, leurs couleurs, en nous guidant à les regarder autrement, telles des icônes dont le raffinement et l’éclat nous éblouit, c’est aussi un hommage au règne végétal que l’artiste nous suggère.

Le photographe nous livre la somptuosité et l’élégance de ces plantes créés par la nature et ses millions d’années d’évolutions. Il nous les élève au rang d’œuvres d’art, au statut d’icônes du règne végétal. Inscrit dans une tradition artistique illustre (en témoignent les expérimentations du photographe de la Nouvelle Objectivité allemande, Karl Blossfeldt et celles de la peintre moderniste américaine Georgia O’Keeffe), Thomas Balaÿ renouvelle ce riche patrimoine en offrant une image contemporaine et délicate de notre nature fragile.

Dates

Avril 10 (Vendredi) 11 h 00 min - Janvier 31 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Cité Botanique de Bordeaux

Esplanade Linné, 33100 Bordeaux

Cité Botanique de BordeauxEsplanade Linné, 33100 BordeauxOuvert de 11h à 18h. Entrée 4€

Calendrier GoogleCal

sam10oct(oct 10)14 h 00 min2021dim14fev(fev 14)19 h 00 minChroniques de l'invisibleExposition CollectiveLe Grand Café Saint-Nazaire, Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-NazaireType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dernière étape du cycle Généalogies fictives, conçu par le commissaire Guillaume Désanges à l’invitation du Grand Café, Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible est une exposition qui joue sur des relations entre visibilité et invisibilité, proximité et distance, l’ici et l’ailleurs. Ce projet part d’une proposition faite à cinq artistes d’imaginer des interventions artistiques à l’extérieur du Grand Café, dans des espaces publics ou privés de la région de Saint-Nazaire. De ces gestes déposés « hors les murs » et volontairement non médiatisés, l’exposition du Grand Café n’accueille que les traces ou les échos déformés, qui composent ensemble une exposition autonome, formellement et sensuellement indépendante de son protocole d’origine. Comme pour les deux précédentes étapes de ce cycle, ce projet travaille l’histoire et la géographie de la ville, mais cette fois dans un régime spectral, celui de la rumeur, de la clandestinité et de la figuration d’un ailleurs. C’est la traduction poétique ou symbolique d’une absence qui est au coeur de ce projet, laissant la sensibilité, l’imagination et la croyance du visiteur prendre le relais de la compréhension d’un message ou de la réception d’une oeuvre soumise à son regard.

Cette expérience va puiser à plusieurs sources. La première est une réflexion critique sur l’art dans l’espace public, qui est trop souvent considéré comme une simple extension du musée, autrement dit un espace à conquérir ou annexer où l’oeuvre conquérante vient se poser et s’imposer. Ici, on privilégie à l’inverse des gestes non assignés, parfois invisibles, qui ne laissent pas toujours de traces, et restent minoritaires et non dominants par rapport à leur contexte d’apparition. Des oeuvres pour un regard éventuel mais pas certain, pour des rencontres fortuites, pour des témoins conscients ou inconscients autant que pour les animaux ou les éléments. De l’art pour le vent, la mer, le soleil ou les oiseaux. Dès lors, ces interventions, modestes par nécessité, mesurent la capacité de l’art à résister, survivre mais aussi poétiser librement le monde sans la pression d’un regard de spectateur déterminé et déterminant. Petite leçon d’humilité objectale : des oeuvres clandestines, abandonnées, exilées dans le réel, doivent nécessairement négocier avec leur écosystème.

La deuxième source à l’origine de ce projet concerne une exposition intitulée Nul si découvert que j’avais organisée en 20111, qui reposait sur l’idée d’expérience impossible à travers une sélection d’oeuvres se désagrégeant à l’instant même où elles pouvaient être observées. Inspirées par la pensée de Susan Sontag, pour qui l’art absolu, le plus ambitieux et le plus édifiant est un art privatif, de l’effacement, du retrait, un art des rumeurs et « des mélodies non entendues qui perdurent, à l’inverse que celles, évanescentes, qui sifflent à l’oreille des sens »2.
Soit l’inaccessibilité comme moteur émotionnel et cognitif.

La troisième source, enfin, est une exposition organisée par le collectif japonais Chim Pom en 2015, qui proposait à des artistes d’intervenir dans la zone d’exclusion de la ville de Fukushima marquée par la catastrophe nucléaire. Dans une logique de l’urgence, il s’agissait d’installer des oeuvres dans une zone devenue inaccessible au public parce qu’irradiée, et dont l’exposition tournante ne présentait que des traces ou de la documentation. Ce projet avait représenté pour moi une passionnante réaction, à la fois poétique et politique, au caractère sidérant, et potentiellement neutralisateur d’un danger précisément invisible. Le très beau titre de l’exposition Don’t follow the wind (Ne suivez pas le vent), était en soi un avertissement et une invitation, injonction mélancolique à laisser exister un ailleurs sans expérience directe.
C’est de fait à une expérience particulière pour le public, mais aussi pour les artistes et le commissaire qu’invite le protocole de l’exposition Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible. Une exposition qui considère les oeuvres d’art comme les témoins d’une absence, mais dont la trace, médiatrice et intercesseuse, s’avère finalement plus importante que l’objet original. C’est là tout l’enjeu de cette expérience curatoriale à deux dimensions : comment rendre compte, artistiquement, c’est-à-dire par la forme et non par le récit, d’une série de gestes lointains. Car depuis le début de ce projet, il ne s’agit donc pas de documenter, mais de « faire exposition ».
Pour ce faire, les artistes ont produit des formes spécifiques ou convoqué des oeuvres existantes recomposées comme un rébus. Dans tous les cas, ces traductions incertaines, symboliques, poétiques ou métaphoriques sont censées s’autonomiser, échapper à leur statut de substituts pour créer une forme nouvelle.
Dans la continuité de l’exposition précédente du cycle , qui proposait de travailler un commissariat en « circuit-court », c’est-à-dire en présentant des oeuvres et documents issus de l’histoire locale, cette exposition prend la ville de Saint-Nazaire et son environnement immédiat comme base de travail.

En effet, le processus a d’abord consisté à proposer aux artistes de choisir des lieux d’interventions en arpentant la ville et ses environs, avec une grande ouverture sur les topographies possibles : espace public ou privé, dans la ville, à la campagne, sur la côte, dans la mer, accessible ou pas. La méthode a donc été celle de l’étude de terrain, nourrie de storytelling et de recherches locales, à laquelle les artistes ont participé activement. Comme le suggère le titre de l’exposition, il s’agissait de se concentrer principalement sur des points aveugles, des angles morts de l’histoire et de la géographie locales.
À partir de ces bases, chaque artiste a pu interpréter comme il le souhaitait l’invitation à déposer un geste hors les murs, qui pouvait être un objet, une action, un retrait ou une observation. De fait, les artistes ont répondu de manière très diverse à cette proposition très ouverte, chacun s’emparant d’un morceau d’histoire ou de géographie de la ville. Ignasi Aballí a choisi de se focaliser sur l’histoire du musée des beaux-arts de Saint-Nazaire, disparu pendant la guerre, dont il replace des signes dans la ville, comme une présence fantomatique. Edith Dekyndt, elle, s’est intéressée à l’histoire du Grand Café, au moment de sa splendeur romantique au début du 20e siècle : sous des halles de plein air, face à la mer, une lumière suit les circonvolutions d’un couple invisible qui danse une valse. Eva Barto aborde l’histoire économique et industrielle de la ville et notamment la circulation de matériaux entre industrie navale, métallurgie et artisanat local. Lois Weinberger, lui, a proposé de s’adresser directement aux oiseaux qui survolent les Forges de Trignac, en leur construisant un abri qui redonne, de manière à la fois concrète et symbolique, une vie sociale à ce site industriel abandonné. Ismaïl Bahri, lui, propose divers moments d’observation des éléments extérieurs de la région, et en livre des échantillons dans l’espace d’exposition.

Toutes ces actions spécifiques sont enrichies dans les espaces du Grand Café d’oeuvres qui résonnent avec les questionnements de l’exposition.
En lien avec l’esprit du cycle, la généalogie révélée par ce projet est donc d’abord celle d’un territoire. Imprégné, hanté par des couches de réalités enchevêtrées, un lieu est toujours une entité géopolitique complexe, dont la surface apparemment stable masque un bouillonnement de récits souterrains, naturels et culturels, humains et non humains, individuels et collectifs. D’une forêt de chênes saisie dans la tourbe depuis 5000 ans à une mangrove mystérieuse formée dans les vestiges d’une usine métallurgique séculaire. Des théories philanthropiques du patronat du XIXe siècle au destin mondial des chantiers de l’Atlantique. De tombes mégalithiques construites il y a 6000 ans aux derniers phares habités de l’estuaire. De ces faits enchaînés les uns aux autres dans la topographie aussi bien que dans l’esprit des lieux, nous n’avons que des échos ou des bribes éparses qui ont servi de matériau aux artistes. Dès lors, la généalogie ici mise à jour est aussi celle d’une ligne trouble entre le réel et la fiction, entre l’histoire et l’art, entre l’oeuvre dehors et son récit dedans. Des généalogies incomplètes, incertaines, toujours partiellement inventées ou fantasmées. C’est pourquoi les artistes n’ont pas été choisi.e.s parmi les chercheurs ou les documentaristes. Ils et elles ont été choisis pour leur capacité à détourner plus qu’à reporter fidèlement une situation donnée. On l’aura compris, on privilégie ici l’abstraction et la poésie à l’information. C’est aussi pourquoi, dans l’exposition, l’ensemble des sources factuelles ont été réunies, en vrac, dans une salle des récits, sorte d’antichambre narrative de l’exposition, volontairement déconnectée des formes artistiques. Une manière de créer une généalogied’un espace à l’autre, d’un récit à une forme, de l’oral au visuel, en préservant volontairement une distance entre sujet et objet de l’exposition. C’est dans ces écarts spatiaux et temporels que se joue l’essentiel de ces chroniques de l’invisible, et c’est là précisément que réside le caractère passionnément fictif de ces généalogies.
Guillaume Désanges

Notes :
1 – Void If Removed / Nul si découvert (Concrete Erudition 4), Le Plateau, Frac Île-de-France, 2011, avec des oeuvres de Bas Jan Ader, Eric Baudelaire, Bernard Bazile, Alighiero Boetti, Chris Burden, Coop Himmelblau, Marcel Duchamp, Ceal Floyer, Ryan Gander, Dora Garcia, Joseph Grigely, Ann Veronica Janssens, Jiri Kovanda, Joao Louro, Julien Loustau, Daniel Pommereulle, Stephen Prina, Anna-Maria Maiolino, Man Ray, Lawrence Weiner, Ian Wilson, Carey Young, Rémy Zaugg
2 – Susan Sontag, « The Æsthetics of silence » in Styles of radical will, New York Picador, États-Unis, 2002
3 – Exposition Contre-Vents, Solidarités ouvrières, étudiantes et paysannes dans l’Ouest de la France : une généalogie, 26 mai – 29 septembre 2019, Le Grand Café – centre d’art contemporain, Saint-Nazaire

Dates

Octobre 10 (Samedi) 14 h 00 min - Février 14 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Le Grand Café Saint-Nazaire

Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-Nazaire

Calendrier GoogleCal

mer06jan(jan 6)0 h 00 minmer27(jan 27)0 h 00 min11ème Prix Carmignac du photojournalisme : Congo in Conversation, Finbarr O’ReillyTour Saint-Jacques, Square de la Tour Saint-Jacques, 75004 Paris Organisateur: Fondation Carmignac Type d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le 11e
Prix Carmignac du photojournalisme – consacré à la République démocratique du Congo (RDC) – a été attribué au photographe canadien et britannique Finbarr O’Reilly. Son reportage a débuté en janvier 2020, avant l’irruption de la pandémie de coronavirus et le confinement de la planète. En raison de l’aggravation de la situation sanitaire et de la fermeture des frontières, un fonctionnement différent s’est imposé. Finbarr O’Reilly et l’équipe du Prix – en lien étroit avec le jury de la 11e édition – ont repensé les contours de ce travail face à la crise.

La Fondation Carmignac a ainsi l’honneur de présenter «Congo in Conversation», un reportage collaboratif, réalisé avec la contribution de journalistes et photographes locaux, qui documente les défis humains, sociaux et écologiques que le Congo affronte au temps du Covid-19. Basé sur un site Internet créé pour l’occasion et relayé sur les réseaux sociaux, Congo in Conversation est un flux continu et inédit d’écrits, de reportages photos et de vidéos, que les visiteurs peuvent consulter par thèmes et par contributeurs. Avec «Congo In Conversation» le Prix Carmignac offre à ces voix congolaises une tribune pour contribuer à la conversation mondiale, témoigner en commun de la situation sur le territoire de cet immense pays, et sensibiliser les opinions publiques.

Finbarr O’Reilly, photographe indépendant et journaliste multimédia, est l’auteur d’un récit de souvenirs paru chez Penguin Random House en 2017, Shooting Ghosts, A U.S. Marine, a Combat Photographer, and Their Journey Back from War (La chasse aux fantômes, retour du front d’un Marine et d’un photographe de guerre). Finbarr O’Reilly a vécu 12 ans en Afrique occidentale et centrale et couvert vingt ans de conflits au Congo, au Tchad, au Soudan, en Afghanistan, en Libye et à Gaza. Choisi pour réaliser les images de l’exposition «Crossroads Ethiopia» autour du prix Nobel de la paix 2019 Abiy Ahmed Ali, il est fréquemment publié dans le New York Times et son travail lui a valu de nombreuses récompenses professionnelles, dont le premier prix dans la catégorie Portraits au World Press Photo Awards en 2019. Il a également été lauréat du World Press Photo of the Year en 2006.

Dates

6 (Mercredi) 0 h 00 min - 27 (Mercredi) 0 h 00 min

Lieu

Tour Saint-Jacques

Square de la Tour Saint-Jacques, 75004 Paris

Organisateur

Fondation Carmignac

Calendrier GoogleCal

jeu07jan(jan 7)10 h 00 minsam23(jan 23)19 h 00 minPhotoSaintGermain 2020 Organisateur: PhotoSaintGermain Type d'événement:Festival,Photographie

Détail de l'événement

Chaque année, au mois de novembre, PhotoSaintGermain réunit une sélection de musées, centres culturels, galeries et librairies de la rive gauche autour d’un parcours photographique. Rencontres, projections, signatures et visites d’atelier rythment la programmation, en regard des expositions présentées. Autant de rendez-vous qui abordent les grandes tendances de la photographie contemporaine et questionnent ses dispositifs de valorisation et de diffusion.

L’année 2020 marquera les 10ans de PhotoSaintGermain. 10ans d’échanges, de rencontres, de découvertes. 10 ans de création, de soutien aux artistes comme aux lieux qui les défendent. Édition après édition, le festival a su se faire une place dans le paysage de la photographie, et accueille chaque année un nombre croissant de visiteurs. Une reconnaissance critique et un succès public qui prouvent la nécessité de son existence, au cœur d’un territoire indissociable du patrimoine intellectuel de la ville, aujourd’hui menacé par la mainmise du luxe.

C’est pour tous ceux qui nous suivent et nous soutiennent que nous avons décidé de maintenir l’édition, dans une saison incertaine.

– Aurélia Marcadier, Directrice

PARCOURS

Institutions

– Académie des Beaux-Arts
FLORE, L’Odeur de la nuit était celle du jasmin, Commissaire Sylvie Hugues
– Maison Auguste Comte
Martine Aballéa, Commissaire Pascal Beausse

Centres Culturels

– Atelier Néerlandais
Photodok
– Centre Culturel Irlandais
Alan Phelan, Echos toujours plus sourds
– Centre tchèque de Paris
Jeune création

Galeries

– 31 project
Kelani Abass
– Galerie Berthet-Aittouarès
John Craven
– Galerie Chenel
François Halard, Le temps des Ruines
– Galerie Catherine & André Hug
Terri Loewenthal
– Galerie du CROUS
Massao Mascaro, Jardin
Jonathan Llense
– Galerie Daniel Blau
3 under 30
– Galerie Eric Mouchet
Blin – Hugues
– Galerie Folia
Eugenia Maximova, The places you called home
– Galerie Gimpel & Müller
Gundi Falk et Pierre Cordier
– Galerie l’Inlassable
Caroline Corbasson
– Galerie Madé
Lucile Boiron, Womb
– Galerie Patrice Trigano
Lucien Clergue, Commissaire Caroline Smulders
– Rubis Mécénat hors-les-murs
Lindokuhle Sobekwa et Cyprien Clément-Delmas, Commissaire Valérie Fougeirol
-Ségolène Brossette Galerie
Fabien de Chavanes, La Grande Année
– Lusted Men Project Space
Lusted Men
– SEPTIEME Gallery
Andrew Tshabangu, L’évidence des choses, Commissaire Simon Njami

Librairies

– Librairie des Alpes
Guy le Querrec

Projets PhotoSaintGermain

– Bar Sasori
Un projet d’Emilie Lauriola
– Les bouquinistes #2 à venir
Un projet de Nicolas Silberfaden

Dates

7 (Jeudi) 10 h 00 min - 23 (Samedi) 19 h 00 min

Organisateur

PhotoSaintGermaincontact@photosaintgermain.com Paris

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Philippe Augier est notre invité de la semaine (lire son portrait publié lundi 17 avril), à l’occasion de sa dernière journée de carte blanche, le Maire de la ville de Deauville partage avec nous sa playlist.

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