Carte blanche à Hervé Castaing : Destination Italie

«La sensibilité, la pesanteur légère qui émanent de chacune des photographies donnent à voir quelque chose de l’ordre du bouleversement. Il faut (s’)accepter peut-être, il faut se relier à Soi, aux autres. Pouvoir Être.»
Frédéric Martin

Montrer, donner à voir, apporter un autre regard, c’est l’ambition de la galerie. Les artistes qui y seront exposés ont une vision à partager, sur le monde, sur l’intime, sur ce qui les touche personnellement. A travers leurs photographies, leurs obsessions, leur façon de percevoir ce qui les entoure, ils nous offrent un récit de leur univers intérieur. Ils nous aident à faire ce pas de côté qui nous dévoile l’envers du décor, à glisser au-delà des apparences, à traverser les ombres pour sublimer la lumière, à mettre à nu l’autre versant du monde, à exprimer l’indicible, à toucher au cœur de leur perception, à jouer avec la poésie des éléments, à révéler ce qui est caché à nos yeux habitués.

La photographie n’est pas seulement un saisissement du temps, un arrêt sur image, une belle reproduction d’un instant qu’on a chéri, aussi esthétique soit-elle. C’est aussi une autre manière de raconter le monde, de représenter une vision, de s’inscrire dans une narration des événements et des émotions.

Stéphane Mahé mène un travail photographique intime et pictural qui révèle un voyage intérieur à la fois hors du temps et de l’espace.
Ses photographies sont des témoins d’opportunités furtives dans lesquelles l’émotion est un langage commun, une sorte d’espéranto composé de scènes intemporelles, mystérieuses et oniriques,
indépendantes les unes des autres tout en appartenant à un ensemble cohérent qui apaise et poétise nos âmes; une parenthèse qui s’ouvre et se referme, offrant à chaque nouvelle visite des émotions renouvelées.

«Ce qui se passe chaque jour et qui revient chaque jour, le banal, le quotidien, l’évident, le commun, l’ordinaire, l’infra-ordinaire, le bruit de fond, l’habituel,comment en rendre compte, comment l’interroger, comment le décrire?» Georges Perec

Un espace à soi explore les tensions entre la vie d’artiste et le rôle de mère, relatant les aléas du quotidien et les douceurs qui en émanent.
À travers ses images, Karine Van Ameringen raconte l’intimité de sa relation avec ses enfants, où son propre corps et celui de ses garçons deviennent les symboles de cette quête d’équilibre.

Inspirées par la tradition picturale et photographique des vanités, les œuvres de Dimitri Roubichou questionnent la fragilité de l’existence humaine, sa brièveté, et la précieuse intensité qui en découle. Les vanités deviennent ainsi un fil conducteur, une manière de célébrer l’éphémère tout en le transcendant.

Végétal, minéral, nu
«Dimitri Roubichou est un artiste nantais dont les sujets de prédilection sont les règnes végétal et minéral, ainsi que le nu. Comme le suggèrent d’emblée les cadres des œuvres de dimensions plutôt modestes, l’artiste porte un regard discret et intimiste sur des fleurs, ou des détails d’anatomie féminine, en noir et blanc ou en couleur.

Sujets rebattus dira-t-on… sauf que Dimitri Roubichou ici capte moins diverses fleurs ou chevelures que leur efflorescence; là, il s’agit moins d’une main ou d’un torse entre autres, que l’affleurement à leurs surfaces respectives de plis très ténus.

De sorte qu’une même sensualité émane de sujets qui, de prime abord, paraissent hétérogènes. Le sujet des photographies est donc moins tel ou tel objet que leur tessiture et leur ténuité, puisque telle tulipe par exemple peut évoquer un morceau d’étoffe soyeuse.

C’est que l’artiste vise moins à les décrire qu’à les effleurer de son regard. Enfin, il n’y a pas jusqu’aux cadres généralement carrés et noirs, ni jusqu’aux fonds sombres sur lesquels se détachent ces sujets, qui ne convertissent chacun des clichés en un bijou diaphane, bidimensionnel et impalpable.»

Dimitri Roubichou est un photographe nantais représenté par la galerie Amélie du Chalard (Paris) et la galerie Gaïa (Nantes)