Name: Fluidités : L'humain qui vient
Start: 2020-2-7T09-09-30-00
End: 2020-4-29T18-18-00-00
Location: Fresnoy - Studio national

Temps de lecture : 21 secondes

À l’occasion d’une soirée consacrée à l’édition émergente, la librairie la Comète a convié François Santerre, co-fondateur de Septembre Books. Il a accepté de se prêter au jeu de l’interview Focus.

September Books est une maison d’édition spécialisée dans les livres d’images, fondée en 2016 par Pauline Hisbacq et François Santerre. Dans le cadre d’une rencontre autour de l’édition émergente nous avons accueilli François Santerre : il nous livre ses coups de cœur photo et l’ADN de leur maison d’édition !

INFORMATIONS PRATIQUES
La Comète
29 Rue des Récollets
75010 Paris
http://lacomete.picto.fr

Détail de l'événement

L’exposition qui se tiendra au Fresnoy cet hiver a pour but de montrer les systèmes de représentation qui se réfèrent à l’état du monde ou préfigurent celui de demain ; ou la façon dont les artistes nous aident à comprendre les problèmes en jeu à l’heure où nous envisageons l’avenir de l’humanité. En dialogue avec l’exposition se tiendra le colloque L’humain qui vient, les 28 et 29 avril.

La spéculation sur l’avenir est toujours guidée par des perspectives à la fois utopiques et dystopiques. En observant la situation mondiale actuelle, on pourrait affirmer que nous avons besoin de paradigmes entièrement nouveaux pour envisager le futur de façon positive, tant il y a de crises importantes auxquelles l’humanité est confrontée.

Comprendre un monde au niveau global est un immense défi, alors que le flux d’informations et sa vitesse ne cessent d’augmenter. De plus, et peut être en raison de la fusion de références culturelles, la conscience humaine a également évolué. La notion d’autorité est devenue plus répandue, et chacun·e peut librement associer des références culturelles ou liées au genre pour façonner et refaçonner sa propre identité à l’envi. En outre, l’humanité est de plus en plus encline à explorer la communication entre les espèces, qui inclut toutes les formes de vie. La notion de vie telle que nous la comprenons jusqu’à présent est également remise en question, si l’on considère la très lente évolution d’organismes perçus comme inertes. Pourrait-on alors parler d’une résurgence de l’animisme en tant que concept – et non comme système de croyance, comme moyen d’appréhender l’univers ? Imaginer l’humain·e qui vient n’est pas envisageable uniquement à partir de spéculations purement scientifiques et factuelles : penser l’avenir dépend aussi des fantasmes et des rapports très ambivalents de l’humanité avec la technologie, sans oublier les effets des intérêts économiques ou politiques. Benjamin Weil

Artistes : Hicham Berrada, Alfonso Borragan, Shu Lea Cheang, Cliff Evans, Joan Fontcuberta, Karlos Gil, Antony Gormley, Lynn Hershman Leeson, Ismaël Joffroy Chandoutis, Yosra Mojtahedi, Michael Najjar, Pedro Neves Marques, Philippe Rahm, SMITH x Diplomates, Daniel Steegmann Mangrané, Teresa Van Dongen

Commissaire : Benjamin Weil, avec Pascale Pronnier

Photo : SMITH x Diplomates, « Désidération », 2019 © DR

Dates

Février 7 (Vendredi) 9 h 30 min - Avril 29 (Mercredi) 18 h 00 min

Lieu

Fresnoy - Studio national

22 Rue du Fresnoy, 59200 Tourcoing

Fresnoy - Studio national22 Rue du Fresnoy, 59200 TourcoingOuvert du lundi au vendredi de 9h30 à 12h30 et de 14h à 18h. Le week-end de 14h à 19h

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sam08fev(fev 8)15 h 00 minjeu26mar(mar 26)19 h 00 minLe chant de la lumièreGilles Roudière Galerie Confluence, 45 rue de Richebourg 44000 NantesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

A la fin des années 1950 aux Etats-Unis est née une nouvelle attitude en photographie, qu’on a pris pour habitude de relier au mouvement littéraire du « stream of consciousness » (le « flux de conscience ») et à la beat generation. Deux photographes majeurs, William Klein et Robert Frank, ont porté, de manière assez distincte, cette approche marquée par un rapport différent à l’appareil photographique (démarche de prise de vue gestuelle et spontanée, décadrages, diagonales, absence apparente de visée…), à la matière des photographies (souvent granuleuse ou floue) et à un récit photographique devenu le résultat subjectif d’une errance sans destination.
C’est clairement à cette lignée photographique qu’appartient Gilles Roudière, dont la présente exposition regroupe des images issues de deux séries, l’une réalisée à Istanbul (et intitulée initialement Sous de noirs soleils), l’autre au cours de plusieurs voyages à Cuba, nommée Trova. Il est frappant de constater que ces deux ensembles peuvent se rattacher chacun à l’une des deux approches photographiques initiées par William Klein et Robert Frank dans leurs travaux des années 1950. Avec la série sur Istanbul, c’est comme dans le travail de Klein à New York l’énergie et la puissance graphique qui dominent, la ville étant le lieu où la solitude du photographe se confronte à la multiplicité du visible et à la vie comme expérience collective. La ville est ici un espace brutal de collision des formes, des ombres et des lumières, un dédale de sensations et de rencontres où rêve et réalité se mêlent inextricablement. Ce sont la granulosité de la matière et les forts contrastes qui marquent ces images à la géométrie violente, où la vision du photographe semble aimantée par des entrées fracassantes de clarté et des ombres profondes. Leur captation donne forme à ce qui se rend subitement visible pour un instant, afin, comme le disait Garry Winogrand pour résumer sa propre pratique photographique, de « décrire le chaos de la vie ».
La série de photographies consacrée à Cuba nous fait quitter l’espace unique de la ville et nous entraîne dans une dérive à travers l’île. Elle s’approche davantage de la démarche de road trip qui conduira Robert Frank à la réalisation de son livre The Americans (1958). On n’est plus ici dans une transcription du désordre urbain, mais dans la mélancolie d’un voyage où s’évanouissent les images préconçues de Cuba, de sa culture et de son histoire. Les détails architecturaux, les objets, les silhouettes humaines ou animales, les ciels chargés et les paysages ouverts construisent un espace avant tout mental où dominent les nuances de gris. La photographie se fait ici atmosphérique et intériorisée, proche d’un journal intime reflétant la météorologie affective du photographe. Les variations de lumière et d’ombre traduisent son expérience subjective et solitaire, ses intuitions et son désir de connaître le visible tel qu’il se donne dans le temps.
Une telle expérience photographique conduit à quitter le plus souvent l’idée d’ « instant décisif » et à travailler sur les temps faibles, les espaces intersticiels. Gilles Roudière veut restituer le mouvement de la vie dans son obscure confusion comme dans sa beauté irradiante. Son désir de lumière se mêle à une mélancolie de l’ombre qui souligne sa recherche et lui donne sa profondeur. C’est peut-être cette tonalité particulière qui le rapproche des photographes japonais qui lui sont chers. Comme le disait Nobuyoshi Araki à propos des photographies de Daido Moriyama réalisées dans les années 1970 : « Dans ces photographies, la lumière filtre à travers l’obscurité, se métamorphosant en une nuance de gris 1». Une telle remarque n’est bien sûr pas uniquement esthétique : elle traduit un rapport au monde fait d’inquiétude et de quête permanente, d’illuminations et d’obscurité, car « chaque journée est un voyage du corps et de l’esprit à travers un labyrinthe » (Daido Moriyama 2).
Gilles Roudière est par essence un photographe voyageur. Ce qui signifie qu’il va chercher ses sujets hors de son domaine de connaissance et d’habitude, là où le visible peut venir le frapper dans toute sa dimension poétique, ainsi que dans l’expérience du haïku, poème japonais qui est « saisie de la chose comme événement et non comme substance » (Roland Barthes 3). L’espace photographique est cette dimension qui s’identifie aux événements et nous introduit à une esthétique du temps. Les formes n’y existent que sous l’angle de leur surgissement temporel et parallèlement le temps s’y concrétise en flou et netteté, trouées de lumière et obscurcissements. Dans l’esthétique japonaise que partage Gilles Roudière, l’image est intérieure et mentale avant d’être une imitation. Il s’agit dès lors de donner forme à cette image tout en lui gardant son caractère d’événement, sa perméabilité au temps.
Gilles Roudière a choisi le titre Trova pour sa série de photographies de Cuba. Ce mot fait référence aux trovadores cubains des XIXème et XXème siècles, poètes, compositeurs et chanteurs autodidactes qui s’en allaient parfois de ville en ville pour partager leurs chansons, et au genre musical qu’ils ont popularisé, fait de simplicité et de nostalgie. Il évoque aussi le vagabondage du photographe à la recherche de ses visions dans le labyrinthe du temps et de l’espace. La lumière est pour lui l’instrument de ce chant qui pourra dire l’extase et la douleur de vivre. Composées en noir et blanc comme les notes sur une portée, ses images sont faites de rythmes, de respirations, d’éclats et de silences. Le chant de la lumière est la poésie du monde visible.
Bruno NOURRY

1 Entretien avec Daido Moriyama dans Daido Moriyama, Fondation Cartier et Actes Sud, 2003.
2 Postface à Labyrinth, Aperture, 2012.
3 L’Empire des signes, Skira – Flammarion, 1970.

Dates

Février 8 (Samedi) 15 h 00 min - Mars 26 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Confluence

45 rue de Richebourg 44000 Nantes

Galerie Confluence45 rue de Richebourg 44000 NantesOuvert du mercredi au samedi, de 15H à 19H et sur RDV

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sam01fev0 h 00 minmar30jui(jui 30)0 h 00 minAppel à candidature Incadaqués 2020 Organisateur: Festival InCadaques Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Concours

Détail de l'événement

L’Open Call InCadaqués 2020 est un concours organisé dans le cadre du Festival de photographie InCadaqués, qui se déroulera du 24 septembre au 4 octobre 2020 à Cadaqués en Espagne.

Le concours est ouvert du 15 janvier au 30 juin 2020.
L’annonce des lauréats aura lieu le 31 juillet 2020 par email.

15 projets seront sélectionnés par le Jury composé de professionnels du monde de la photographie.

* 1er Prix : exposition d’une série de 10 à 15 photos durant le Festival InCadaqués.
Les tirages, le logement durant le week-end d’ouverture du 24 au 27 septembre, ainsi que le transport depuis l’Europe est pris en charge par le Festival. Un pass VIP est offert.

* 14 finalistes : exposition d’une sélection de 3 images de chacun finalistes sera exposée durant le festival. Un pass VIP leur est offert.

Les tirages de l’exposition seront réalisés par le laboratoire Granon Digital, partenaire du Festival. L’espace d’exposition durant le Festival sera aussi dédié à la présentation des portfolios des photographes sélectionnées s’ils le souhaitent.

* Prix Coucours Instagram : en attendant la sélection finale des gagnants du concours par le Jury, une présélection des photographies « coup de cœur » seront publiées dans sur notre Instagram et réseaux sociaux du festival. Les 2 images ayant reçu le plus grand nombre de « like » seront publiée dans le catalogue InCadaqués 2020 en Risographie.

Lien vers site pour inscription :
http://www.incadaques.com/open-call-2020-fr

Lien vers site du Festival :
http://www.incadaques.com

Photo : © Céline Croze / Prix InCadaquès 2019

Dates

Février 1 (Samedi) 0 h 00 min - Juin 30 (Mardi) 0 h 00 min

Organisateur

Festival InCadaquesinfo@incadaques.com

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ven14fevdim01marEmbracingExposition CollectiveThe American University of Paris, 6, rue Colonel Combes 75007 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans le cadre du Black History Month, la curatrice Jacqueline Ngo Mpii a invité six artistes autour de « Embracing ».
Beya Gille Gacha, Kouka Ntadi, Helene Jayet, Fred Ebami, Murielle Kabile et Dimitri Fagbohoun.
L’exposition est ouverte le vendredi de 8:30 à 23:45, le samedi de 10h à 23:45 et le dimanche de 13h à à 23:45.
Attention de vous enregistrer 48h à l’avance à cette adresse :
https://www.aup.edu/news-events/event/2020-02-13/public-vernissage-embracing-black-history-month-exhibition-curated

What does Black History Month, which is an annual celebration that commemorates the achievements of major African-American figures and their role within the United States mean around the world?
What does it mean for a country like France, which has the largest African diaspora in Europe, and where talking about race and colorism is still an issue?
Embracing is the assertive and assumed expression of artists from the French art scene, who express on canvas and sculpture the memory of those who are not studied and not heard, those who play a major role within the society without acknowledgment, and finally, the representation of themselves within the society.
Embracing is the promotion and celebration of Black culture in French society.

Dates

Février 14 (Vendredi) 8 h 30 min - Mars 1 (Dimanche) 23 h 45 min

Lieu

The American University of Paris

6, rue Colonel Combes 75007 Paris

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mar26nov(nov 26)14 h 00 min2020jeu20fev(fev 20)19 h 00 minTall TalesHally PancerGalerie Madé, 30 rue Mazarine 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Sortir de la série photographique. Oser une écriture visuelle allusive mais consciente du réel. S’affranchir de toute obligation d’unité de temps, de lieu, de contexte.
C’est ce qu’expérimente et nous propose Hally Pancer, photographe américano-israélienne. En piochant dans ses archives photographiques, en faisant exploser les catégories, en mélangeant images spontanées et intimes avec d’autres plus réfléchies et construites, elle nous propose un voyage, ou plutôt la possibilité de voyages multiples. Et c’est ce possible qui donne à ces petites histoires en trois images toute leur richesse.
En effet, en trois images associées selon différents critères, Hally Pancer nous invite à plonger dans une suite de « haïkus occidentaux ». Elle n’impose rien, préférant les indices, les signes, les émotions, à une narration appuyée ou à une anecdote soulignée.
Hally Pancer suggère. Elle nous offre bien sur sa propre expérience, mais nous laisse aussi faire le chemin, le nôtre, dans ses images. Et prendre la distance nécessaire pour éprouver.
Une lecture onirique est souvent proposée dans l’association des trois photographies, mais une oscillation est permise, entre reportage, constructions ou divagations émotionnelles.
Il est remarquable de justement noter à quel point les émotions se télescopent ou s’harmonisent au sein de chaque triptyque. Associées entre elle autour de souvenirs personnels, de moments de vie heureux ou moins heureux – car souvent plane une légère inquiétude, un indétermination – elles deviennent des moments de vie. D’autres vies ? Et lorsque que leur proximité est chromique ou visuelle, ces petites histoires peuvent nous cueillir sur le terrain de l’étrange, de la fiction, de la cinématographie.
Si l’on reconnaît dans un premier temps les lieux, les villes, les pays, les situations, peu à peu la photographe nous incite délicatement à visiter une autre contrée imaginaire, sans jamais oublier les signes du réel. Elle nous invite à ressentir l’étrangeté du quotidien.
« L’américanité » du regard d’Hally Pancer est présent dans sa manière d’envisager, notamment, le territoire et les villes françaises et européennes, mais en mêlant des images se son Amérique, elle nous raconte l’histoire d’un pays intime, qu’elle invente et où elle nous invite.
Le titre de chaque triptyque est presque lacunaire, permettant là aussi une interprétation, un périple, un rêve. Il est le quatrième indice de ces histoires courtes. A nous de l’associer à notre lecture visuelle, à l’émotion de celle-ci.
Chacune de ces petites chroniques est autonome et pourtant l’on sent bien au final que c’est un même univers que nous propose de visiter Hally Pancer. A nous de faire le lien entre chacune d’entre elles, de relier tel chapitre à tel autre pour au final écrire notre propre roman, surement comme elle a écrit le sien.
L’homogénéité des couleurs fait aussi le lien entre toutes ces images, entre toutes ces histoires. Les couleurs semblent toutes atténuées, dépouillées de leur possible trivialité, et en nuancent toujours l’humour, la noirceur ou le mystère. Ces dernières basculent parfois même dans un « non-sense » tout anglo-saxon.
Il faut lâcher prise face aux histoires courtes d’Hally Pancer. Les apprécier une à une mais aussi les additionner. Laisser voyager ses idées, ses émotions. Se laisser envahir par ce léger et troublant vertige poétique.

Hally Pancer est née en 1961 et a grandi à New York. Américano-israélinne, elle a étudié la littérature au Bennington College, finissant ses études à la Parsons School of Design où elle a obtenu son BFA en photographie.
En 1988 après avoir reçu son MFA de l’Université de Yale et accompli un travail d’envergure sur les Etats-Unis, elle part en Israël où elle a continue son travail photographique et devient professeur de photographie à la Bezalel Academy of Art and Design à Jerusalem, au Hadassa College of Art and Design à Haifa et à la Kalisher School of Art à Tel Aviv. Mettant à profit sa présence dans la région, elle réalise de nombreux projets documentaires et sociaux pour sensibiliser l’opinion publique sur le processus de paix au Moyen-Orient.
De 1988 à 1993 elle voyage du nord au sud d’Israël pour sa série de portraits intitulée « Some Arabs and some Jews ». Ce travail est exposé dans tout le pays, avec Amanoot La’am, tant aux populations arabes qu’israéliennes.
De 1994 à 1997 elle a travaillé sur le projet « Le Golan », une série de paysages sur ce territoire contesté au nord d’Israël. Ce travail est exposé au Musée d’Israël à Jérusalem en 1997. Son projet « Beyond Borders » (1995-2001) fait référence, réunissant étudiants israéliens et palestiniens dans un projet commun, utilisant la photographie comme un médiateur. Les fruits de ce projet sont exposés dans diverses zones de conflits, de Belfast à Belgrade, en passant par Dublin, jusqu’à Jérusalem et Gaza.
« Beyond Borders » est également présentée dans plusieurs villes aux États-Unis et en Europe.
De 1991 à 2005, en parallèle à ses projets documentaires, elle consacre à sa famille un projet personnel intitulé « Lifelike ».
En 2001 elle s’intalle à Paris où elle enseigne la photographie à la Parsons School of Design et également à l’Ecole Supérieure d’Art et de Design (ESAD) à Amiens et au CEA- Campus Global à Paris.En septembre 2011 elle devient professeure associée à Sciences Politiques, à Paris.
Son travail a été exposé au Musée d’Art Moderne (MoMA) à New York, au Musée d’Israël à Jérusalem et au Jeu de Paume à Paris.
Ses photographies font partie de plusieurs collections privés internationales.

Dates

Novembre 26 (Mardi) 14 h 00 min - Février 20 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Madé

30 rue Mazarine 75006 Paris

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La Comète : Rencontre avec l’éditeur François Santerre

À l’occasion d’une soirée consacrée à l’édition émergente, la librairie la Comète a convié François Santerre, co-fondateur de Septembre Books. Il a accepté de se prêter au jeu de l’interview Focus.

Tags

La Rédaction

La Comète : Rencontre avec le photographe Meyer

Rencontre avec Xavier Antin, exposition au CAC Brétigny

Rencontre avec Olivier Goy de la Fondation Photo4Food
Pour une vision entrepreneuriale de la philanthropie

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La Comète : Rencontre avec l’éditeur François Santerre

À l’occasion d’une soirée consacrée à l’édition émergente, la librairie la Comète a convié François Santerre, co-fondateur de Septembre Books. Il a accepté de se prêter au jeu de l’interview Focus.

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