Expositions à la MEP : Rineke Dijkstra, Maya Rochat et Rosa Joly

Célèbre pour ses œuvres photographiques et vidéos complexes qui explorent le genre du portrait et abordent des questions liées à l’identité, au passage du temps et à l’intimité, Rineke Dijkstra est l’une des artistes les plus prolifiques de sa génération. Collectionnée par les plus grandes institutions muséales, Rineke Dijkstra s’est faite notamment connaître avec des séries photographiques majeures qui suivent le développement de ses sujets sur de longues périodes.

Le travail de Rineke Dijkstra se démarque par une approche sensible et une observation fine des émotions. Ses œuvres questionnent le regard ; à la fois celui que nous portons sur nous-même, la façon dont nous nous présentons au monde et ce qui résiste à notre contrôle. Les portraits de Rineke Dijkstra racontent le temps qui passe, les expériences de vie, les codes sociaux… Ces questions, particulièrement centrales au moment de l’enfance et de l’adolescence, sont au cœur des œuvres présentées au sein de l’exposition. L’artiste pose un regard bienveillant sur de jeunes élèves – artistes en devenir ou visiteurs d’exposition – tous·tes en pleine construction de leur identité.

Depuis les débuts d’une carrière qui s’étend sur une trentaine d’années, Rineke Dijkstra nous propose de repenser sans cesse notre manière de regarder l’autre, de questionner le sens que nous attachons à son image et, par conséquent, de réfléchir à notre propre rôle d’observateur dans la société contemporaine.

Rineke Dijkstra est née à Sittard, aux Pays-Bas, en 1959. Dès les années 1990, l’artiste produit un ensemble complexe d’œuvres photographiques et vidéos, offrant une vision contemporaine du genre du portrait en s’inspirant de l’histoire du portrait – peint et photographique – Rineke Dijkstra crée des représentations de ses sujets, souvent adolescents, qui apparaissent simultanément vulnérables et énigmatiques.

Plusieurs prix lui ont été décernés, dont le prix Johannes Vermeer (2020), le prix international de la Fondation Hasselblad (2017), le prix Macallan Royal Photographic Society, Londres, Royaume-Uni (2012), le prix Citibank de la photographie (1999), le prix Werner Mantz (1994) et le prix Kodak des Pays-Bas (1987).

Photo : Ruth Drawing Picasso, 2009, 6’33 »
© Rineke Dijkstra – Courtesy de l’artiste et Marian Goodman Gallery, Paris et New York

La MEP présente la première grande exposition institutionnelle en France de la plasticienne suisse Maya Rochat. Artiste expérimentale remarquable, Rochat a développé un langage formel singulier à la rencontre de plusieurs disciplines : photographie, peinture, vidéo, installation et performance.

Maya Rochat réalise des montages visuels aux couleurs hautement saturées dans lesquels fusionnent motifs naturels et peinture abstraite. Ses photographies de végétaux, de roches ou de rivières servent de point de départ à son expérimentation. Elle procède à une superposition des images, les altère numériquement ou physiquement et en décuple l’usage et le sens en jouant sur la transparence, les textures et les couleurs. Livres d’artiste, tirages ou encore caissons lumineux, ses œuvres multi-supports dépassent aussi le cadre pour se déployer dans l’espace sous forme d’installations immersives et projections vidéo.

Inspirée par la nature et ses différentes formes et échelles, Maya Rochat engage une réflexion poétique sur la beauté du monde environnant, sa matière et sa transformation. Elle interroge aussi la place que l’humain y occupe en évoquant la pollution non seulement chimique, mais aussi visuelle, générée par le flux continu des images digitales. L’artiste invite le public à pénétrer dans un univers onirique qui offre une alternative sensible aux représentations d’un monde en crise, qu’elle cherche à ré-enchanter.

L’exposition revient sur douze ans du parcours artistique de Maya Rochat, depuis ses premiers travaux des années 2010 jusqu’à son projet le plus récent, « Poetry of the Earth » (2022). Elle propose un voyage visuel et sensoriel à travers une œuvre transdisciplinaire, dans laquelle l’image photographique et la vidéo occupent une place essentielle.

Maya Rochat (née en 1985) est diplômée de l’ECAL à Lausanne et de la HEAD à Genève. Son travail a été présenté dans des institutions culturelles de premier plan, telles que le Victoria Hall à Genève (2023), KKL à Lucerne (2022), le Musée Jenisch à Vevey (2022), le FOAM à Amsterdam (2021), la Tate Modern à Londres (2017), le Musée des Abattoirs de Toulouse (2017), la Kunsthaus à Langenthal (2017), le Palais de Tokyo à Paris (2016), le Centre d’art contemporain de Genève (2015), ou encore le FOTOMUSEUM Winterthur (2012).

L’artiste a également été lauréate de nombreux prix, parmi lesquels le Prix AMP (2022), le Prix Mobilière (2019), le Prix de la relève photographique Pro Helvetia (2015), ainsi que de bourses culturelles – celles de la Fondation Leenaards (2018, 2017) et de la Fondation Abraham Hermanjat (2017). Elle a publié plusieurs livres d’artistes tels que Living in a Painting (2019), A Rock is a River (2017), Crystal Clear (2015) aux Éditions Patrick Frey, A plastic tool (2014) et Vote for me! (2012) aux Éditions Hard copy et work.master.

Photo : Maya Rochat, Cameleon Stones, 2020
Courtesy de l’artiste

Le Studio de la MEP, espace dédié à la création émergente, présente Auf dem Zahnfleisch [Sur la chair des dents], de l’artiste Rosa Joly, un film en 16 mm réalisé à New York produit spécialement pour l’exposition et présenté sous forme d’une installation.

Le film et l’exposition marquent l’aboutissement d’un projet qui mèle recherche académique et expérimentation artistique en lien à l’œuvre de l’artiste américaine Jay DeFeo et débuté il y a maintenant plus de 10 ans.

Ce court métrage convoque des scènes artistiques et des références visuelles qui accompagnent Rosa Joly dans son intimité comme dans son travail. Auf dem Zahnfleisch réunit des personnalités issues de la scène artistique californienne de l’après-guerre (Jay DeFeo, Bruce Conner), de l’histoire du cinéma (Carl Theodor Dreyer) et des artistes proches de Rosa Joly.

Ce mélange de références révèle une communauté affranchie des limites géographiques et temporelles. Le film Auf dem Zahnfleisch peut se lire comme une succession de tableaux qui mettent en tension la relation complexe et, parfois, ambigüe qui se joue entre l’objet et le corps vivant. Rosa Joly, qui s’inspire des natures mortes de DeFeo, rappelle que celles-ci peuvent se lire comme des auto-portraits d’où la vie afflue même si les corps en sont absents.

Commissaire d’exposition : Clothilde Morette
Assistante d’exposition : Aden Vincendeau

Née en 1986, Rosa Joly vit et travaille entre Berlin et Paris. Elle a étudié aux Beaux-Arts de Lyon puis à la Kunsthochschule de Hambourg.
Son travail plastique se situe à la croisée de plusieurs disciplines telles que la peinture, l’installation, la sculpture, l’écriture et la photographie.
Elle a été exposée au MOM Artspace, à Hambourg (2019), au sein de la Collection Falkenberg, Harburg (2017), à la Kunsthaus, Hambourg (2016), à DOC!, Paris (2019) et à La Traverse, Marseille (2022).
Rosa Joly a été résidente de Triangle- Astérides à Marseille en 2021, année où elle a participé à la création de Scheusal, un espace d’exposition situé à Berlin.

Le Studio de la MEP, espace dédié à la création émergente, accueille la photographe et vidéaste britannique Rachel Fleminger Hudson, lauréate du Prix Dior de la Photographie et des Arts Visuels pour Jeunes Talents 2022. Sa pratique artistique transdisciplinaire comprend également un travail du costume, du décor et de recherche académique en cultural studies.

Cette première exposition personnelle réunit un ensemble de photographies issues de plusieurs séries explorant l’imaginaire des années 1970. Certaines de ses images simulent des photographies d’époque prises sur le vif, comme celles représentant les jeunes fans de football. D’autres assument une mise en scène théâtrale avec des modèles en pleine performance.

Ces photographies, empreintes d’esprit espiègle, sont pourtant rigoureusement construites, elles résultent d’une recherche théorique et visuelle approfondie. Étudiant la mode et sa capacité à performer la condition socio-culturelle et exprimer l’individualité, l’artiste examine les identités, la société et son histoire à travers le prisme de la culture vestimentaire. Rachel Fleminger Hudson affectionne particulièrement les années 1970 pour leur caractère transitionnel. Cette période est marquée par le changement de valeurs et de modes de vie : la société moderne et son culte d’authenticité fait place à la postmodernité fondée sur la reproduction et le simulacre. Faisant de la nostalgie son objet d’étude, l’artiste interroge notre rapport au passé à travers ses méta représentations qui mettent en tension l’authentique et le fictionnel.

Commissaire d’exposition : Victoria Aresheva

L’artiste
Née en 1997 à Londres, Rachel Fleminger Hudson est diplômée du Central Saint Martin (2022) et du Camberwell College of Arts (2017).

Lauréate du Prix Dior en 2022, elle a été exposée à LUMA Arles.