Name: Wherein Lies the Space
Start: 2019-2-22T10-10-00-00
End: 2019-3-30T19-19-00-00
Location: Galerie Thaddaeus Ropac

Temps de lecture : 54 secondes

Chaque jour 9 lives vous propose d’ouvrir la case du jour de votre calendrier de l’avent. Difficile d’y inclure des petits morceaux de chocolat, alors nous avons décidé de vous faire découvrir quotidiennement un livre photographique publié cette année. Idées cadeaux, suggestions pour compléter votre collection de livres photo ou juste pour le plaisir des yeux… voici 24 sélections !

Aujourd’hui, samedi 9 décembre, nous vous présentons « La Traversee Des Alpes » de Cecilia Garroni Parisi, un ouvrage sur les émigrés italiens édité par Contrejour. La série est actuellement présentée à Paris.

[…] »Le projet de Cecilia Garroni Parisi nous raconte les histoires de gens au destin et aux rêves divers qui nous rappellent notre passé, pas si lointain, de peuple de migrants.
Ses portraits semblent traduire tour à tour, la détermination, l’orgueil et la fierté de chaque réussite, les espoirs et les attentes, la nostalgie, l’assurance des couples qui ont vécu ensemble la traversée des Alpes et celle des choix solitaires ».
« Les images sont directes et sensibles sans le recours à des dispositifs esthétiques envahissantes. Cecilia inspire confiance, une fois ses indications données, elle sait s’effacer et plonger ses personnages dans le rôle de protagonistes de cette saga au happy end ». […]

Laura Serani, préface du livre La Traversée des Alpes , septembre 2017

INFORMATIONS PRATIQUES
• La Traversee Des Alpes
Cecilia Garroni Parisi
Edition Contrejour
20 x 25 cm
144 pages
Sortie : Novembre 2017
ISBN: 979-10-90294-31-8
35 euros
• La Traversee Des Alpes
Cecilia Garroni Parisi
Du 7 décembre 2017 au 28 janvier 2018
Lo Spazio
52 rue Trousseau
75011 Paris
https://www.facebook.com/Lo_Spazio

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ven22fev(fev 22)10 h 00 minsam30mar(mar 30)19 h 00 minWherein Lies the SpaceRosemarie CastoroGalerie Thaddaeus Ropac, 7 Rue Debelleyme, 75003 Paris

Détail de l'événement

Après sa première grande rétrospective européenne l’an dernier au Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), la Galerie Thaddaeus Ropac a le plaisir de présenter la première exposition personnelle de Rosemarie Castoro (1939-2015), artiste américaine pionnière de l’art minimal, dans sa galerie du Marais. Coïncidant avec le 80e anniversaire de la naissance de l’artiste, l’exposition aborde toutes les facettes de sa pratique multidisciplinaire depuis le milieu des années 1960 jusqu’au milieu des années 1980. À travers une sélection d’oeuvres emblématiques, cette exposition entend rendre compte de la contribution essentielle apportée par Rosemarie Castoro au développement de la peinture abstraite, de la sculpture, de l’art conceptuel, de la poésie concrète et de la performance. De ses premières peintures, dont Frank Stella disait qu’elles reflètent la sensibilité d’une coloriste exceptionnelle à ses œuvres murales monochromes et ses grandes sculptures organiques qui sont devenues sa marque de fabrique, l’œuvre de Castoro – longtemps éclipsée par celle de ses pairs masculins – est une redécouverte pour le public d’aujourd’hui.

Rosemarie Castoro était une figure centrale de la scène artistique new-yorkaise des années 1960, aux côtés de Carl Andre avec qui elle était alors mariée. Dans son studio-loft de Soho se retrouvaient de nombreux artistes tels que Sol Lewitt, Michael Heizer, Richard Long, Lawrence Weiner, Lee Lozano, Robert Smithson, Agnes Martin et d’autres acteurs de cette avant-garde très soudée. L’une des rares femmes associées au minimalisme, elle s’est affranchie des frontières esthétiques de l’époque en introduisant des allusions surréalistes et sexuelles dans la rigueur abstraite du Minimalisme. Elle a elle-même rejeté avec ironie ce terme en 1986 en déclarant “Je ne suis pas une minimaliste, je suis un Maximust.” Tout au long de sa vie, Castoro s’est évertuée à mélanger les différentes pratiques, se définissant elle-même comme une “paintersculptor”. La critique d’art et commissaire d’exposition féministe Lucy R. Lippard l’a plus tard décrite comme une artiste ayant “subverti et dépassé le minimalisme sur son propre terrain.”

En 1969, Castoro annonce ce qui va définir l’ensemble de sa pratique dans un poème de poésie concrète qui donne son titre à cette exposition :

WHEREIN LIES THE SPACE

BETWEEN WAKEFULNESS AND SLEEP

BETWEEN METHOD AND OBJECT

Non seulement le poème démontre l’importance du langage dans son travail – elle utilise souvent des jeux de mots pour titrer ses œuvres – mais il cartographie aussi le territoire qui l’intéresse aux intersections du temps et de l’espace, du rationnel et du subconscient.

Lorsqu’elle commence sa vie d’artiste, Rosemarie Castoro se concentre essentiellement sur la peinture dont elle explore les fondements à travers différentes séries successives. Dans sa série des Prismacolor, la composition de chaque tableau est structurée autour d’une couleur principale et d’un angle. Une couche de peinture acrylique est appliquée diagonalement sur la toile brute en suivant l’orientation choisie pour l’oeuvre, orientation accentuée par des lignes parallèles tracées au crayon sur la surface peinte. Dans d’autres compositions géométriques émerge souvent une forme en ‘Y’ qui suggère l’idée d’une répétition à l’infinie d’un motif qui se déploie au-delà même des limites de la toile. Son usage de la couleur couvre un spectre très large, depuis des compositions où s’entrecroisent des tons primaires jusqu’à des teintes extrêmement subtiles qui expriment l’humeur du jour.

À la fin des années 1960, le travail de Castoro prend une direction plus expérimentale. Elle fait usage du langage dans des oeuvres de plus en plus conceptuelles, qu’il s’agisse de poésie concrète ou de ses propres journaux. Composés d’un assemblage de textes et de photographies, ces derniers renseignent sur la matrice de son processus créatif, notamment son approche performative. Les polaroids pris au retardateur dans son studio la montrent en train d’interagir dans ses propres oeuvres, adoptant parfois des poses acrobatiques qui révèlent sa formation de danseuse. Suivant une stratégie similaire à d’autres artistes conceptuels, Rosemarie Castoro a tendance à transformer les activités les plus quotidiennes en une forme artistique. Dans l’album de poésie concrète A Day in the Life of a Conscientious Objector (1968), terme utilisé par les opposants à la guerre du Vietnam, Castoro réfléchit sur sa vie d’artiste à travers l’indexation de ses activités quotidiennes au studio.

Au début des années 1970, Castoro abandonne la couleur au profit de surfaces grisées au graphite. Avec un balai, elle commence à « peindre » les surfaces de ces sculptures avec une matière épaisse faite de gesso et de graphite et crée des peintures intensément gestuelles et dynamiques qui semblent se décrocher du mur. Si ces reliefs adoptent des formes variées, une série se base plus spécifiquement sur les initiales d’amis artistes traduits en écriture sténographique. Parmi eux Guinness Martin (1972) est dédié à Agnes Martin. A propos de sa relation avec Martin, Castoro se souvient: « J’avais rencontré Agnes dans son atelier à la fin des années 1960. Nous étions toutes deux des peintres qui faisions des maquettes typographiques pour gagner notre vie. A l’époque, les peintres entretenaient une camaraderie et se rencontraient par l’intermédiaire d’autres peintres. Souvent, nous nous retrouvions dans des bars ou dans les studios des uns et des autres pour prendre le thé. En 1972, j’ai réalisé pour Agnès une découpe qui appartenait à une série de sculptures murales créées avec une brosse utilitaire et qui épelait son nom en sténographie Pitman: Guinness Martin est né comme un déguisement du nom d’Agnes. »

Au milieu des années 1970, ses œuvres gagnent une dimension surréaliste : Castoro se projette alors dans le personnage d’une femme géante qui aurait élu domicile dans son atelier, entourée de ses ‘Giant Brushstrokes’, ensemble d’imposantes protubérances murales dont fait partie Armpit Hair (1972) présentée dans l’exposition. Ses sculptures en époxy plus tardives telles que Land of Lashes (1976), qui évoque une phalange de cils géants envahissant étrangement l’espace comme des araignées, abordent la relation au corps encore plus frontalement.

À la même époque elle travaille également à de grandes installations réalisées à partir de morceaux de bois brut taillés. Beaver’s Trap (1977), dont le titre est dérivé de la traduction anglaise de son nom de famille d’origine italienne, en est un exemple iconique. L’oeuvre est composée de 42 éléments alignés sur le périmètre d’un carré. Ils sont disposés de telle sorte que le l’élément le plus haut se trouve à un coin d’un rectangle formé par les éléments restants qui descendent progressivement vers l’élément le plus court au coin opposé. L’ensemble paraît avoir été conçu pour atteindre une forme d’équilibre et pourtant la courbure différente de chaque pointe donne l’impression que la sculpture peut vaciller à tout moment. Dans une note accompagnant sa première présentation, Castoro relie le piège du castor à un désir d’autoprotection, chaque bâton étant sculpté de manière à tenir en équilibre et “s’il venait à se renverser, cela l’avertirait du danger « . L’oeuvre est alors associée à un piège érotique féminin abstrait, à un “lit destiné à la capture d’un compagnon.”

En 1979, Castoro s’engage dans une nouvelle expérience sculpturale, les Flashers, des pièces en acier noir de plus de deux mètres de haut, exposées dans l’espace public à Manhattan et à Paris sur les berges de la Seine en 1983. L’orignie de la forme humanoïde des Flashers vient d’un moment où Castoro a courbé et plié un billet de 20 dollars pour le faire tenir debout. Le titre évoque l’exhibition sexuelle, « l’imperméable gris que portent les vieux bonshommes et qu’ils ouvrent [Flash, en anglais] devant les jeunes filles innocentes », explique Castoro. La commissaire d’exposition Tanya Barson souligne “l’intérêt que manifeste Castoro à décliner différents aspects de la sexualité et, comme les exhibitionnistes eux-mêmes, à évoquer simultanément le menaçant, le comique et le pathétique ».

Bien que Castoro ne se soit jamais identifiée elle-même comme féministe, sa pratique a contribué à redéfinir les domaines du minimalisme, du post-minimalisme et de l’art conceptuel au prisme d’une subjectivité féminine.

Commissaire de l’exposition: Anke Kempkes

À PROPOS DE L’ARTISTE:

Née à Brooklyn, Rosemarie Castoro a vécu et travaillé à New York toute sa vie, devenant une figure centrale de l’avant garde minimale et conceptuelle.

Puisant très tôt son inspiration dans le domaine de la danse expérimentale alors qu’elle était encore étudiante au Pratt Institute, puis à travers des collaborations avec la chorégraphe postmoderne Yvonne Rainer dans les années 1960, l’œuvre de Castoro a toujours conservé un caractère nettement performatif et témoigne d’une attention spécifique à l’espace et au mouvement. En 1966, elle participe à la performance d’Yvonne Rainer Carriage Discreteness pendant le célèbre festival 9 Evenings. A partir de 1964, Castoro commence à peindre en créant des séries qui explorent de façon systémique des combinaisons de couleurs et de structures dans des compositions all-over innovantes.

En 1968 – alors que les Etats-Unis connaissent une période de troubles politiques – elle abandonne la couleur. Sa pratique s’ouvre à l’art conceptuel, aux performances et à la poésie concrète. En 1969 et 1970, elle participe aux expositions de Lucy Lippard à Seattle et à Vancouver, qui ont permis de définir les termes de l’art Conceptuel. Sa première exposition personnelle a eu lieu à la galerie Tibor de Nagy, à New York, en 1971, où elle expose ses imposants «Free-Standing Walls» et «Giant Brushstrokes». Parallèlement aux expositions en galerie, Castoro a toujours manifesté un intérêt à créer et à montrer son art dans la rue, depuis ses premières performances, intitulées Streetworks jusqu’à sa participation à l’événement «Art on the Beach» à Batterry Park City, à New York en 1978. Ses Flashers à l’allure de totems, ont été exposés à plusieurs reprises dans l’espace public à New York et également à Paris sur les quais de la Seine en 1983.

Castoro a également enseigné à l’Université du Colorado, Boulder; l’Université de Syracuse; au Pratt Institute et au Hunter College, New York. Elle a également milité au sein de l’Art Workers’ Coalition, qui se réunissait dans son studio, et a participé à la création du HIV Arts Network (HAN).

Elle a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment Distillations, Tibor de Nagy et Stable Gallery, New York (1966); Number 7, Paula Cooper Gallery, New York (1969); Biennale de Paris, Paris (1971); Painting 1967-1968, Hal Bromm Gallery de New York (1975); Direction 1981, Musée Hirschhorn et Sculpture Garden, Washington, D.C. (1981); Side by Side: New acquisitions, Musée d’art moderne de New York (1985); Knee-High Flashers, Galerie Arnaud Lefebvre, Paris (1993); Site and Insight: An Assemblage of Artists, MoMA PS1, New York (2003); Configurations, MAMCO, Genève (2005); Land of Lads, Land of Lashes, Galerie Thaddaeus Ropac, Londres (2018). Sa première grande rétrospective muséale a eu lieu au MACBA, à Barcelone, en 2017, suivie d’une exposition au MAMCO, à Genève qui ouvrira en octobre 2019.

Dates

Février 22 (Vendredi) 10 h 00 min - Mars 30 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Thaddaeus Ropac

7 Rue Debelleyme, 75003 Paris

Calendrier GoogleCal

jeu21fev10 h 00 minjeu21mar19 h 00 minInstallation autour de l'ouvrage CTYAntony CairnsLibrairie La Comète, 29 Rue des Récollets 75010 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pour sa deuxième installation, La Comète invite le photographe anglais Antony Cairns autour de son ouvrage « CTY » à partir du 21 février 2019.

Antony Cairns utilise la ville et le développement urbain comme sujet principal et s’intéresse en profondeur à l’histoire du support photographique, en expérimentant diverses méthodes d’impression et l’esthétique de l’abstraction. Il utilise les technologies anciennes de manière nouvelle et inattendue, en se concentrant toujours sur les topographies urbaines, qui ne sont pas sans rappeler les mondes dystopiques de la science-fiction. L’ingéniosité et l’originalité de son travail lui ont permis d’être présenté dans des festivals internationaux et des expositions institutionnelles et de recevoir des prix prestigieux.

« CTY » est publié par MOREL BOOKS, maison d’édition britannique spécialisée en édition limitée de livres d’art et de photo. En parallèle de l’installation « CTY », La Comète proposera une sélection d’ouvrages récemment publiés afin de sensibiliser le visiteur à la créativité de cet éditeur singulier.

Picto Saint-Martin rassemble, au sein d’un lieu atypique, une librairie et un atelier photo. On vient y échanger avec des experts de l’image, y dénicher les nouveautés du monde de l’édition et accéder à des services de tirages et scan adaptés. La Comète, c’est une librairie indépendante, proposant une sélection éclectique de livres photo, des installations, des rencontres, des ateliers… et bien plus ! La direction artistique est assurée par The Eyes.

Dates

Février 21 (Jeudi) 10 h 00 min - Mars 21 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

Librairie La Comète

29 Rue des Récollets 75010 Paris

Librairie La Comète29 Rue des Récollets 75010 ParisLe lundi de 12h00 à 19h00 et du mardi au samedi de 10h00 à 19h00

Calendrier GoogleCal

ven25jan(jan 25)11 h 00 minjeu11avr(avr 11)18 h 00 minWilting pointWilliam DanielsPavillon Carré de Baudouin, 121 rue de Ménilmontant 75020 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

En botanique, le wilting point, littéralement « point de flétrissement », décrit le seuil en deçà duquel l’humidité du sol s’avère insuffisante pour permettre à la plante d’y prélever l’eau dont elle a besoin. Celle-ci flétrit alors, puis finit par mourir si cette condition extrême perdure. Dans notre monde, il existe bien d’autres points de bascule, des entre-deux ténus qui maintiennent un lien fragile entre vie et mort.

Depuis plusieurs années, William Daniels traque ces équilibres précaires dans différentes régions de la planète qui n’ont a priori rien en commun, mais connaissent toutes des identités confuses et une instabilité perpétuelle. Par ricochet, ces crises récurrentes apparemment insolubles peuvent se répercuter bien au-delà de leur région d’origine.

Pourquoi certains pays nous donnent-ils ainsi le sentiment de traîner un lourd fardeau ? Afrique, ex-URSS, Moyen-Orient, Haïti… Le reporter plonge dans le chaos et, saisissant le fracas, tente de le comprendre en captant des images suspendues entre une réalité crue et un ailleurs insaisissable.

Pour trouver la meilleure manière de raconter, il faut se salir, s’imprégner du contexte et également, parfois, prendre du recul et ouvrir les livres d’histoire : les empires coloniaux qui ont régné pendant des siècles n’ont-ils pas façonné notre réalité ? Il faut douter, penser à renoncer, savoir partir. Peu à peu accepter de ne rien savoir, puis revenir, encore et encore. Ces déséquilibres chroniques, où tout peut basculer d’un instant à l’autre, sont appréhendés tels de cruels exemples de wilting points, ceux d’une vie toujours sur le fil. Elles révèlent un profond malaise et un déracinement permanent. Une absolue nécessité d’eau et de lumière. Le photographe explore le tumulte de l’existence en apesanteur, comme si la tension palpable était intimement liée à une beauté furtive : un regard qui cherche, la fugacité d’une posture, une main qui s’accroche au vide. Dans ces représentations figées de l’action, tout n’est qu’attente. Dans l’espoir d’un dénouement ou dans la crainte d’un avenir plus incertain encore. Au seuil du flétrissement.

Cheminant de la lumière vers l’ombre, l’exposition Wilting Point confronte des destins brisés à la résilience de la nature et de la dignité humaine. Les représentations de mondes en rupture sont associées à des portraits atemporels, des natures mortes et des paysages, zones universelles de repli et d’apaisement. Si ces images-ressources reflètent la constance, elles renvoient pourtant à la fragilité et au caractère éphémère de notre condition.

Marie Lesbats

Co-commissaire de l’exposition

Dates

Janvier 25 (Vendredi) 11 h 00 min - Avril 11 (Jeudi) 18 h 00 min

Lieu

Pavillon Carré de Baudouin

121 rue de Ménilmontant 75020 Paris

Pavillon Carré de Baudouin121 rue de Ménilmontant 75020 ParisOuvert de 11h à 18h du mardi au samedi

Calendrier GoogleCal

mer16jan(jan 16)13 h 30 minsam02mar(mar 2)18 h 30 minContaminations - Après moi le délugeSamuel BollendorffGalerie FAIT & CAUSE, 58 rue Quincampoix 75004 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

J’ai fait le tour de la Terre en 2018.

Ça ne prend que quelques heures tant elle est petite, fragile. Et où que mon regard se soit porté, il s’est perdu dans l’obscurité.

Un fleuve mort sur 650 km, des poissons déformés, des forêts radioactives, des enfants qui naissent sans yeux, des mafieux qui trafiquent des déchets nucléaires, des déchets plastiques à la dérive au milieu d’un océan, devenus les premiers maillons d’une chaîne alimentaire dégénérée…

Qu’avons-nous laissé faire ?

« Contaminations » propose une réflexion sur les pollutions industrielles irrémédiables, transformant pour des décennies, voir des siècles, des territoires en zones impropres au développement de la Vie. Un tour du monde de zones contaminées par l’Homme du XXIème siècle et ses industries chimiques, minières ou nucléaires, qui laissent en héritage pour les générations à venir, des pans entiers de notre planète souillés.

Méthane, acide prussique, phosgène, phosphore rouge, oxyde d’éthylène, chlorure de vinyle, phénols, dérivés d’arsenic, de cyanure, de chlore, sulfure d’hydrogène, soude caustique, pétrole, bisphénol, DDT et PCB sont autant de molécules et produits de synthèse dont les concentrations dans les sols, les eaux et la chaine alimentaire, prendront des décennies, des siècles, parfois des milliers d’années, à retrouver des concentrations viables pour l’humain.

Face à ces constats, les discours de communication des industriels sont d’une cynique violence.

Les porte-paroles des compagnies pétrolières revendiquent une énergie verte à propos des sables bitumineux, les pollueurs brésiliens, connus pour leur corruption, ne sont pas condamnés, et à Fukushima, l’exploitant de la centrale fait du lobbying pour rejeter ses millions de litres d’eaux contaminées dans l’océan… et les taux de cancer augmentent en flèche. Mais les industriels n’ont pas un dollar à perdre.

Après moi le Déluge !

Depuis 20 ans j’ai travaillé sur des sujets traitant de la précarité. Longtemps j’ai imaginé que ces histoires n’étaient pas les miennes. Croyant peut-être pouvoir me protéger du poids des témoignages des plus fragiles en imaginant avoir la chance de ne pas être dans les situations que je photographiais.

Aujourd’hui, j’ai fait le tour de la Terre, et je l’ai vu si petite, si fragile…

Et nos déchets sont partout, contaminant les terres, les eaux et les airs. Nos océans immenses sont souillés jusqu’en Arctique, des milliers de tonnes de déchets polluent déjà l’Espace.

Continuer c’est être aveugles, ces histoires sont la nôtre.

Samuel Bollendorff

Dates

Janvier 16 (Mercredi) 13 h 30 min - Mars 2 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie FAIT & CAUSE

58 rue Quincampoix 75004 Paris

Galerie FAIT & CAUSE58 rue Quincampoix 75004 ParisOuvert du mardi au samedi, de 13h30 à 18h30. Entrée libre

Calendrier GoogleCal

sam17nov(nov 17)0 h 00 min2019jeu28fev(fev 28)0 h 00 minChaumont-Photo-sur-LoireDomaine de Chaumont-sur-Loire Centre d'Art et de Nature, Ferme du Château 41150 Chaumont-sur-LoireType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pour la deuxième édition de Chaumont-Photo-sur-Loire, cinq photographes de renom ont été invités à présenter, du 17 novembre 2018 au 28 février 2019, leur travail dans les Galeries du Château et celles de la Ferme.

Artistes en résidence ou invités, les photographes de cette deuxième saison ont en commun, outre le rapport poétique qu’ils entretiennent avec la nature, de par les techniques qu’ils utilisent, une démarche expérimentale très exigeante.

Deux expositions résultent d’une résidence sur le site et d’un projet original, où les technologies d’aujourd’hui sont à l’origine d’images singulières portant sur les arbres, les paysages et les parcs du Domaine.

C’est ainsi que Davide Quayola, artiste italien résidant à Londres, a réalisé des captations et des tirages photographiques en très haute définition qui, comme une radiographie, révèlent la géométrie des arbres et la complexité de la nature, en quelque sorte, l’essence dont sont faites les choses.

L’Américain Robert Charles Mann a posé, pendant six mois, du solstice d’hiver au solstice d’été, en divers points du Domaine, ses “solargraphes” recueillant l’empreinte mouvante des courbes du soleil.

Quant au photographe finlandais Santeri Tuori, il utilise également pour ses “forêts” une technique particulière de surimpression, mêlant parfois la couleur et le noir et blanc, pour aboutir à des images irréelles d’une fascinante intemporalité.

La grande aventurière du regard qu’est Juliette Agnel dévoile, pour sa part, la profondeur et le sublime de paysages de l’extrême, aux confins de l’Arctique ou dans les ciels du Maroc, qui sont autant de reflets de sa riche intériorité.

Enfin, en avant-première des événements liés à la célébration du 500ème anniversaire de la Renaissance, une mission particulière a été confiée au grand photographe américain Alex MacLean, qui sait si bien capter l’essence des paysages : révéler, par des clichés aériens, la puissance et la grâce de l’intemporelle architecture des châteaux de la Renaissance en Val de Loire.

Dates

Novembre 17 (Samedi) 0 h 00 min - Février 28 (Jeudi) 0 h 00 min

Lieu

Domaine de Chaumont-sur-Loire Centre d'Art et de Nature

Ferme du Château 41150 Chaumont-sur-Loire

Domaine de Chaumont-sur-Loire Centre d'Art et de NatureFerme du Château 41150 Chaumont-sur-LoireLe Domaine de Chaumont-sur-Loire ouvre tous les jours de l’année, dès 10h00, y compris les jours fériés (sauf le 1er janvier et le 25 décembre). Il ouvre exceptionnellement ses portes à 9h30 en juillet et août 2018

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Le Calendrier de l’Avent Spécial Edition Photo : 9 Décembre

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