PhotoSaintGermain 2018, Préparez votre parcours !

Claudine Doury Prix de Photographie Marc Ladreit de Lacharrière 2018

Depuis 2007, le Prix de Photographie Marc Ladreit de Lacharrière a permis chaque année à un photographe confirmé de réaliser un projet d’envergure dans un esprit d’entière liberté quant aux thèmes ou à l’écriture photographique.

L’édition 2018 est marquée par une évolution significative : le prix devient biennal, permettant au lauréat de bénéficier de plus de temps pour réaliser son projet, restitué sous la forme d’une exposition à l’Académie (salle Comtesse de Caen, 27 quai de Conti). A cette occasion, la dotation du prix est doublée, passant de 15 000 à 30 000 euros. Le sujet et le mode de traitement du travail photographique restent entièrement libres.

Parmi les ateliers que compte l’École Nationale Supérieure des Beaux-arts, trois sont à l’heure actuelle dirigés par des photographes (Patrick Faigenbaum, Eric Poitevin, Patrick Tosani) et si l’on y voit évidemment des photographies, ce n’est jamais ni à l’exclusion d’autres pratiques (installation, sculpture, performance, édition, écriture), ni dans une orientation exclusive (interrogation de l’image ou documentaire, et toute la gamme
des positions intermédiaires). Par ailleurs, la pratique de la photographie ne se cantonne pas à ces ateliers et on repère nombre d’usages de ce medium en résonance avec d’autres et à diverses étapes de l’élaboration d’un projet. C’est de cette variété des approches de la photographie que l’on souhaite ici rendre compte au fil d’un parcours dans quelques ateliers qui accepteront pendant une courte période de consacrer l’un de
leurs murs à l’accrochage d’une sélection de photographies réunies par familles, affinités, thématiques et dont on guettera les échos, les rebonds et les réponses réciproques. Qu’elles soient abouties, en cours de réglage ou qu’elles entrent dans la définition d’un autre type de réalisation, les voir voisiner au mur est assurément une étape importante de leur compréhension, de même que cela permet d’ébaucher une réflexion sur ce qui fait et ce que fait la photographie aujourd’hui.

Clément Bouissou, Sans titre 1, 2018 © Clément Bouissou

Dernier atelier et appartement du peintre romantique, le musée national Eugène-Delacroix est heureux d’accueillir, du 31 octobre au 3 décembre 2018, l’exposition Aujourd’hui. Eugène Delacroix, Daniel Blaufuks. Présentée dans l’intimité de l’atelier d’Eugène Delacroix, cette exposition rassemble les oeuvres diaristiques de Daniel Blaufuks, à travers les compositions de Polaroïds annotées de sa série Tentative d’épuisement, et des œuvres d’Eugène Delacroix : peintures, dessins, estampes, manuscrits.

« De 2009 à 2016, j’ai photographié une table et une fenêtre dans ma cuisine à Lisbonne. Dans un premier temps, je fus attiré par son silence; plus tard, par la manière dont les objets recevaient la lumière; finalement, par leur composition géométrique », écrit Daniel Blaufuks (né au Portugal en 1963) au sujet de Tentative d’épuisement. À travers ces œuvres réalisées depuis 2009 à un rythme quasi quotidien et dans l’intimité de cet espace privé, Daniel Blaufuks cite le texte Tentative d’épuisement d’un lieu parisien(écrit en 1974) de l’écrivain Georges Perec. L’artiste affirme ainsi son existence et ponctue ses photographies de commentaires manuscrits sur les aléas de sa pratique quotidienne, le passage du temps et l’irruption des événements du monde extérieur.

Peintre majeur du XIXe siècle, très tôt remarqué par la critique pour la puissance et l’invention de ses œuvres, Delacroix fut aussi un écrivain remarquable, dont les qualités d’expression littéraire étaient servies par une culture classique profonde et un sens aigu de la composition et de la narration. Tenu toute sa vie durant sur de petits carnets retrouvés à sa mort, son Journal en témoigne. Delacroix écrivit également de nombreuses lettres, il fut un épistolier fervent. Tout jeune homme, il fut tenté par la littérature. Le musée Delacroix conserve les manuscrits de deux courts romans, Alfred et Les Dangers de la Cour, ainsi que celui d’une pièce de théâtre, Victoria. Ceux-ci seront présentés aux côtés des œuvres de Daniel Blaufuks.

L’exposition Aujourd’hui. Eugène Delacroix et Daniel Blaufuks, présentée dans l’atelier de Delacroix, interroge les liens entre l’existence intime de l’artiste et les murmures du monde, les enjeux des pratiques diaristiques et les relations du texte à l’image peinte ou photographique.

L’exposition est réalisée en collaboration avec la galerie Jean-Kenta Gauthier, Paris dans le cadre du festival Photo Saint Germain.

*Je parle de pierres qui ont toujours couché dehors ou qui dorment dans leur gîte et la nuit des lons. Elles sont du d but de la planète, parfois venues d’une autre toile. Elles portent alors sur elles la torsion de l’espace comme le stigmate de leur terrible chute. Elles sont d’avant l’homme; et l’homme, quand il est venu, ne les a pas marquées de l’empreinte de son art ou de son industrie. Il ne les a pas manufacturées, les destinant à quel
usage trivial, luxueux ou historique. Elles ne perp tuent que leur propre m moire. Elles sont demeurées ce qu’elles étaient, parfois plus fraîches et plus lisibles, mais toujours dans leur vérité : elles-mêmes et rien d’autre (…)

Je parle des pierres plus âgées que la vie et qui demeurent après elle sur les planètes refroidies, quand elle eut la fortune d’y clore. Je parle des pierres qui n’ont même pas à attendre la mort et qui n’ont rien à faire que laisser glisser sur leur surface le sable, l’averse ou le ressac, la tempête, le temps (…)

Les siècles ont passé. Les descendants lointains des constructeurs démunis disposent d’un pouvoir quasi illimité. Ils peuvent lire dans les pierres, rien que des pierres mises à l’aplomb du sol et que leur science d concertée désigne d’un terme grec, le premier témoignage d’une ambition obscure, la leur, aussi démesurée, aussi mal dégrossie et aussi solitaire qu’elles. Et ils admirent que des stèles difformes inaugurent l’histoire entière de leur espèce.*

Roger Caillois, Pierres, 1966

Les ruines du village espagnol, Belchite en Aragon, sont conservées comme monument de propagande depuis 1937, en souvenir des bombardements de la guerre civile. Installées dans une vallée désertique, ces ruines semblent vouloir revenir peu à peu à leur état originel de champs de pierre. Cette réflexion engage une recherche sur le paysage minéral ou les pierres sont vues comme un possible conteneur mémoriel. Au travers de celles-ci, apparaît la possible représentation d’un espace originel, du temps d’avant l’histoire comme du temps qui lui succédera.

La recherche s’est développée en Espagne dans les carrières de marbre de Markina, le village en ruine
de Belchite, les grottes aragonaises et le musée minéralogique de Madrid. Elle se termine à Hiroshima au Japon, avec l’installation vidéo d’une lente apparition de l’une des uniques ruines de pierre de la ville, le d me de Genbaku.

Tout au long de sa carrière, Auguste Rodin a fait appel à des photographes ou à des maisons d’édition photographique pour la reproduction de ses œuvres. Le sculpteur a conservé l’ensemble de ces tirages, à destination commerciale ou artistique.

C’est seulement à la fin des années 1970 que le musée Rodin, ouvert depuis 1919, commence à s’intéresser à ces fonds ; et un peu plus tard encore, à acquérir des photographies du temps de Rodin mais aussi réalisées par des artistes contemporains qui ont voulu porter un regard sur le sculpteur et son musée.

Comme en témoignent les travaux de Mac Adams et de Patrick Hourcade, présentés dans la galerie d’arts graphiques du musée, l’intérêt pour Rodin n’a pas faibli en ce début du XXIe siècle. Si leurs photographies renouvellent notre regard sur l’œuvre et l’univers du sculpteur, elles poursuivent et enrichissent aussi une histoire commencée à la fin du XIXe siècle.

Mac Adams, « sculpteur à qui il arrive d’utiliser la photographie » nous fait découvrir la Villa des Brillants – où Rodin vécut à la fin de sa vie – dans le reflet d’une boule de métal polie comme un miroir. Images intrigantes qui nous dévoilent ce qui se trouve derrière le photographe et mieux encore, ce qu’aurait pu voir Rodin posant pour le photographe. Cette boule de métal polie, c’est son œil.

C’est dans la suite d’une démarche photographique menée depuis plusieurs années sur la capture d‘images dans la nuit que l’artiste Patrick Hourcade, plasticien, vidéaste, designer et écrivain nous entraîne. Dans la lignée du célèbre photographe américain Edward Steichen qui photographia, en 1908, le Balzac de Rodin la nuit, il traque les Bourgeois de Calais dans le jardin de l’hôtel Biron, fait émerger le Penseur et bien d’autres formes sculptées et poétiques de la lumière nocturne.

Il y a plus de cent cinquante ans Auguste Comte imagine un projet utopiste de société qu’il nomme Positivisme, où le passé nourrit le présent, pour créer un futur où ordre et progrès règnent.

Comte dit : « Les morts gouvernent les vivants ». Pour lui c’est le meilleur des morts qui perdure. La société progresse par la somme accumulée des savoirs. Cette phrase semble ambiguë, mais est idéaliste dans l’esprit de Comte.

Cent cinquante ans plus tard, nous sommes dans un état en suspension. Une société post-capitaliste qui se lamente de ne pas pouvoir imaginer un futur meilleur. Nous voyons le futur comme un cycle qui se répète ; montée du fascisme, inégalités économiques croissantes, menace atomique. Notre culture populaire est remplie de dystopies (The Handmaid’s Tale, The Walking Dead, Black Mirror). Pour des penseurs iconoclastes modernes comme Hito Steyerl ou Adam Curtis, notre société est devenue une culture zombie, qui se répète et se nourrit d’elle même inlassablement.

Nous ne voyons plus la phrase « Les morts gouvernent les vivants» comme positive. Les morts semblent nous gouverner, comme un passé qui pèse sur le présent et nous empêche d’imaginer un futur libéré.

La vision d’Auguste Comte est-elle dépassée ? Avons nous prouvé que cette flèche du progrès n’est en fait qu’un cercle qui recommence éternellement ? Ou sommes-nous bloqués dans un cycle car nous avons délaissé un certain idéalisme ?

Peut-être la critique doit-elle plutôt être faite contre notre propre désillusion.

Le travail in situ créé pour la Maison Auguste Comte est une confrontation entre l’idéalisme de Comte et le cynisme actuel. L’utopie face à la dystopie. Des vidéos trouvées de bataille à mains nues d’hommes politiques sont le point de départ de cette confrontation. L’impasse politique actuelle est reprise en une boucle sans fin, s’apparentant à une marée informe de zombies en cravates et boutons de manchette. Ces morts- vivants gouvernants, contrastent, contaminent l’appartement préservé du philosophe, encore empli de reliques d’un idéal positiviste que nous avons délaissé.

Composition musicale & installation sonore : Frédéric D. Oberland.
Avec le soutien de La Galerie Particulière.
En collaboration avec l’Agence PAM.

David Fathi, Les Morts Gouvernent Les Vivants, 2018 © David Fathi

A l’occasion de la 7e édition du festival PhotoSaintGermain, Rubis Mécénat et le Frac Normandie Rouen présentent un nouvel accrochage de la série Peak Oil, une commande passée à Geert Goiris et présentée en association avec la galerie Art : Concept.

L’artiste belge Geert Goiris s’est rendu tout au long de l’année 2017 sur 12 sites industriels de Rubis Terminal (filiale du groupe Rubis), couvrant l’ensemble des dépôts en Europe, afin de développer une série photographique, intitulée Peak Oil, sur le thème du paysage industriel contemporain. Il a sillonné les zones portuaires et industrielles de Dunkerque, Rouen, Brest, Strasbourg, Village-Neuf, Saint-Priest, Villette-de-Vienne, Salaise-sur-Sanne, Bastia, Ajaccio, Rotterdam et Anvers. En adoptant un style cinématographique et suggestif, Geert Goiris propose « une narration ouverte qui oscille entre familiarité et aliénation, découverte et fabulation ».

Cette commande photographique, faite à un artiste de renommée internationale, est le fruit d’une collaboration inédite entre Rubis Mécénat et le Fonds régional d’art contemporain (Frac) Normandie Rouen. Initiée par le Frac et Rubis Mécénat, elle donne lieu aujourd’hui à quatre projets : une exposition au Frac, deux installations d’envergure dans le Port de Rouen et une parution chez Roma Publications.Ainsi, du 9 décembre 2017 au 14 janvier 2018, la série photographique de Geert Goiris réalisée sur le Port de Rouen sera présentée en avant première au Frac Normandie Rouen. Parmi les photographies exposées, dix seront offertes au Frac par Rubis Mécénat afin d’enrichir sa collection et plus particulièrement son fonds photographique dédié au territoire.

En 2018, la commande photographique Peak Oil est à nouveau mise à l’honneur à l’occasion de deux évènements d’importance : l’installation d’une image pérenne et monumentale, sous forme d’un wallpaper XXL, sur l’un des réservoirs de Rubis Terminal dans le Grand Port Maritime de Rouen etune nouvelle présentation de la série dans le cadre du festival PhotoSaintGermain, du 07 au 24 novembre 2018.

Du mardi au samedi
10h30 – 13h
14h – 19h
Ouvert le dimanche 11 novembre
de 11h à 19h

La Vallée est un projet photographique de longue haleine. Initiée en 2013, cette enquête au long cours s’attache aux traces et aux échos de l’histoire industrielle dans le paysage. Le projet s’inscrit entre la Loire et le Rhône, dans une succession de vallées qui relient entre elles les villes de Firminy, Saint-Etienne et Lyon. À partir de ce territoire qui a vu naître la révolution industrielle, La Vallée se déploie en une succession de strates. Les images produites entrent en dialogue avec des textes commandés à plusieurs auteurs, comme avec des invitations
à d’autres photographes.

À l’occasion du festival PhotoSaintGermain, Nicolas Giraud et Bertrand Stofleth construisent une proposition autour du versant architectural de la vallée. Des photographies mises en dialogue émerge une image singulière de ce territoire.

Les sites industriels démesurés cohabitent avec des constructions fragiles et de circonstances qui habitent à égale mesure le paysage. Ce second extrait du projet fait suite à une première présentation en juin 2018 dans le cadre du festival f/stop de Leipzig.

Avec le soutien du Ministère de la Culture et de la Communication, de La Région Auvergne-Rhône-Alpes, du Département de La Loire, de la Ville de Lyon, de la Ville de Saint-Étienne et de l’Institut Français.

Nicolas Giraud, Bertrand Stofleth, de la série La Vallée, 2013 – 2016 © Nicolas Giraud, Bertrand Stofleth

Il y a les coraux, oasis des déserts océaniques dont la beauté est pénétrante.
Il y a cette île que l’on devine à peine et sa forêt où l’on y trouve refuge. Dans ses feuillages, des fruits attendent d’être cueillis.
Ils sont charnus, généreux.
Il y a lui, le naufragé égaré sur cette île et une grotte qui semble toujours avoir été là, son repaire.
Il y a cet enfant immobile et savant et il y a elle, la mer, profonde.
Il y a la nuit, les astres et les vagues lueurs de la pleine lune.
Et le lendemain encore.
Le naufrage est un récit visuel non linéaire. Il s’appuie sur la capacité de la photographie à exister comme fiction.
Fantasmées et mystérieuses, les photographies donnent formes à des images mentales où le réel est réinventé.

Avec le soutien de Picto Foundation

Éric Antoine a rencontré le collodion et l’ambrotype, en remontant aux temps héroïques de la photographie.
Il travaille sur ces traces en s’appropriant le temps, celui de la pose, du laboratoire, ceux de la contemplation et de la méditation. Avec un goût pour la simplicité, il capte des parcelles de nature. Le corps est au centre de ses sujets. Corps fragmenté, figé, sacré, déplacé, il est traité comme symbole. Chaque image raconte une histoire d’où s’échappe un sentiment d’étrangeté.
Il traite, à la manière d’un peintre, le rendu des matières, d’autant plus évident qu’il joue de leurs contrastes. On pense picturalité. Il ne cache pas son intérêt pour l’œuvre de Steichen, comme il avoue son attrait pour l’expression radicale de la nouvelle objectivité et une passion particulière pour Renger-Patzsch : « C’est absurde d’aimer les deux mais mon cœur balance et je me remets en question à chaque fois que je dois ou non accepter les défauts d’une image ». Éric Antoine choisit un outil ancien pour s’imposer en plasticien dans l’art contemporain.
La Galerie Berthet Aittouarès montre pour la première fois son travail en présentant une quarantaine de clichés, ambrotypes et tirages.

On reconnait à s’y méprendre, dans ses images, un sac plastique, la surface luisante d’un mur, une nappe en toile cirée, ici un mouchoir – et comme une variation de celui-ci –, là des graines de sésame fixées sur un plan paradoxalement vertical. Le regardeur est décontenancé par l’identification pauvre de ce qu’il voit. Les images prises pour telles n’informent en rien le regardeur, le lointain y est trop proche : le sac a été là, puis là ; et après ? Eh bien les images que Pierre Seiter produit sont infiniment artificielles, ce sont des documents transcendés, qui partagent les prérogatives du réel. Elles méditent – et on y assiste – leur valeur documentaire, et la retranchent en point de départ, en origine de la perversion. Le document est réduit à un donné qui ne se donne pas, à un mensonge dépisté.

La Photographie de Pierre Seiter rend visible ce qui ne l’est pas autrement, parcourt avec nous l’itinéraire du sujet, c’est-à-dire du regardeur en train d’apprendre à voir : l’image cartographie la vision en se donnant toujours identique à elle-même, donc différante. Si l’image est bien le distinct par essence, préserver l’artifice de l’image, c’est préserver les conditions d’avènement du sujet, du visible aller et retour. L’enjeu ne se résume pas à ruminer la surface, Pierre Seiter décide d’habiter et de vérifier son infinie profondeur, une profondeur incommensurable, inquantifiable, il s’agit d’une surface dont la profondeur est qualitative et s’évalue à quelque chose du tactile qui se prolonge dans la vision. Une photographie comme celle des graines de sésame manifeste cet enjeu en perturbant la notion d’équivalence : à y regarder de plus près, on s’aperçoit que certaines graines sont simplement photographiées pour être tirées à l’échelle, tandis que le papier est parsemé, au moment du tirage, de graines qui percent leur absence dans le format. Ce geste qui ramène tout à un plan, ramène tout au plan ultime : la surface photographique, qui, n’ayant plus qu’à être redéployée à l’infini, se confond dans la surface picturale à la manière d’Un Bar aux Folies Bergères.

Mats Gustau

Né en 1992 à Blois, Pierre Seiter vit et travaille à Paris. Il intègre l’École des Beaux-Arts de Rennes avant de poursuivre ses études à l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris, dont il est diplômé félicité en 2017.
Pour sa première exposition personnelle, Double single, Pierre Seiter présente une sélection de ses oeuvres récentes.

Avec le soutien du laboratoire photographiqueCadre en seine Choi

Le titre de cette série renvoie au périmètre dans lequel évoluent les proches de l’artiste : « Je rassemble les portraits des gens qui m’entourent, comme une cartographie, un reportage sur ceux qui, d’une manière ou d’une autre, sont proches de moi. Je rassemble des souvenirs. Petit à petit, j’aurai atteint tout le monde. Relations ou amis, l’important est de faire de la photographie le symbole du lien qui nous unit, ou qui unit les personnes sur l’image. Cela peut être un secret, révélé par un regard. Je capture un moment, cette magie qui est celle de la vérité, de l’intimité, de la photographie, entre d’autres termes, une histoire d’amour, d’amitié et d’identité.»
Peter Puklus

Corinne Day (1962 – 2010) ancien mannequin et photographe autodidacte britannique, se fait connaître en 1993 en offrant à Kate Moss sa première couverture dans Vogue UK. Après avoir révolutionné le monde de la mode avec des clichés qualifiés de « grunges », elle s’en éloigne pour se consacrer à des recherches plus personnelles.
Présentée pour la première fois en France, l’exposition « Diary » tirée du livre éponyme publié en 2000, retrace 10 années d’amitiés et d’excès. Dérangeantes, tristes et tendres, ses images intimes sans compromis évoquent la photographie- vérité de Larry Clark ou de Nan Goldin.

Corinne Day est représentée par la Galerie Gimpel Fils, Londres.

Issue d’une curation à visage double des commissaires d’exposition Fanny Lambert et Valérie Fougeirol, Haunted, Lost and Wanted met en scène les récents travaux de Stéphanie Solinas.
Pensionnaire de la Villa Medicis à Rome cette année, l’artiste y a sondé la valeur des miracles dans son projet « L’inexpliqué », deuxième volet d’une exploration de nos identités et de nos croyances s’ouvrant avec « Le Pourquoi Pas ? » ; une investigation sous forme d’enquête de présences invisibles en Islande (2014).
Cet automne, l’artiste rejoindra la résidence Headlands à San Francisco pour livrer la forme d’un troisième chapitre « Devenir Soi-même », initié comme une longue route parcourue aux USA de Sedona à San Francisco durant l’été 2017.

Commissaires : Fanny Lambert et Valérie Fougeirol

Identité réunit les travaux de Kai-Chun Chang, Stephen Dean et Anne Deleporte. Un ensemble de photographies, vidéos et collages récents seront présentés simultanément dans les deux espaces de la galerie.

La pratique de Kai-Chun Chang oscille entre peinture, collage et photographie. Né en 1989 à Taipei, Kai-Chun Chang est diplômé de Taipei National University of the Arts en 2012, de l’École Nationale Supérieure d’Art de Bourges en 2014 et des Beaux-Arts de Paris en 2017.

Stephen Dean est un artiste franco-américain basé à New York. Son travail évoque les qualités physiologiques et culturelles des couleurs. Il utilise un langage visuel pour explorer les limites de la saturation des spectres chromatiques par des vidéos, des sculptures et des travaux sur papier. Stephen Dean est né en 1968 en France.

Le travail d’Anne Deleporte est fondé sur l’apparition et la disparition des images par le biais de différents médias tels que la photographie, la vidéo ou l’installation. Anne Deleporte est née en France en 1960. Elle vit et travaille entre Paris et Brooklyn.

L’ensemble de peintures et de photographies fonctionne comme une histoire de ma propre vie et celle des personnes qui en font partie. Isoler les images les aspire dans un trou noir, les anéantit et les éclaire en même temps.

J’observe, j’habite et je pénètre dans divers milieux à première vue sans rapport les uns avec les autres. Ils ont tous quelque chose qui relève du spectacle. Entre mes mains, les membres éminents des communautés manquent presque d’être des leaders ou des iconoclastes et deviennent des icônes à part entière. Je me soumets à une présence réitérée de ces individus en devenant à la fois vulnérable et réfractaire à leur influence. Je me donne comme objectif un amour et une dévotion incessants. En fin de compte, je les aime comme des humains ; et ensuite ils meurent !
Ils forment un groupe culturellement diversifié. J’ai rencontré beaucoup d’entre eux dans ma ville d’origine.

Les photographies brouillent les lignes entre le théâtre et la vie réelle.

Nina Mushinsky

Armé d’une fourche, la partie inférieure de son visage couverte d’un bandana, l’homme sautillait autour des flammes, surveillant de près leur avancée. Peut-être était-ce dû à mon point de vue, mais par moments il semblait presque marcher en elles. Apparemment, il connaissait ses feux. À force d’errer, mes jambes me faisaient mal. J’avais encore du temps à tuer avant mon vol vers l’Est. Je m’assis sur le talus, pas loin de sa femme. Elle caressait son ventre rond et regardait son compagnon avec un sourire en coin. Une légère brise calmait la fournaise du soleil. L’été touchait à sa fin. Les ombres de la fumée nous survolaient. Depuis combien de temps me fixait-elle ? « Notre maison a brûlé l’année dernière », me dit-elle. « Les feux peuvent haïr. Il faut apprendre à les aimer un peu. »

Alan Eglinton

« Un photographe cannibale », selon la belle formule d’Armelle Godeluck.

Un animal rare, très rare, au talent fou, au cadrage carnassier ; un caractère de chien sauvage ne faisant rien pour se
rendre domesticable, un peine-à-jouir absolu refusant tout assouplissement, et freinant, de ce fait, la reconnaissance de son travail unique.

Il faudra qu’il meure pour que, sans le poids torturé de sa présence à l’autre, son œuvre immense, si singulièrement avant-gardiste, à la fois si proche et si distancée de son objet/ sujet, commence à être reconnue pour ce qu’elle est : celle d’un photographe majeur du XXe siècle.

Issues de la collection de Harry Lunn et de la Howard Greenberg Gallery, les photographies exposées, datées et signées, sont aussi rares que le talent de leur auteur.

En réponse à la commande passée par PhotoSaintGermain pour le visuel officiel de la 7e édition, Thomas Boivin signe une série inédite, entre portraits et natures mortes.

Né en 1983, Thomas Boivin poursuit des études de dessin à l’Ecole Supérieure des Arts Décoratifs de Strasbourg, avant de devenir auteur et éditeur de bande-dessinée expérimentale. Avec le même intérêt pour la mise en page et l’image en séquence, il s’initie à la photographie. Influencé par Bernard Plossu, Mark Steinmetz ou Issei Suda, il place sa pratique dans les champs du portrait, de la photographie de rue, du documentaire ou du journal intime.

En 2012, il publie Marseille/Mer aux éditions Seriti et auto- publie Portrait d’une Jeune Femme. L’année suivante, Floating, série de photographies prises au Parc des Buttes Chaumont et inspirées du cinéma d’Antonioni, paraît dans la collection Eclisse des Editions Akinabooks. En 2016, il auto-publie le très remarqué A Short Story, récit visuel d’une histoire d’amour mêlant texte et image : douze jours de romance entre Matera, Reggio Emilia, Paris et Lisbonne, racontés dans un objet hybride entre cinéma et roman-photo.

Parallèlement, il poursuit depuis 2010 un projet au long cours sur Belleville, son quartier d’élection. Une série présentée
en novembre 2015 au Palais de Tokyo, dans le cadre de l’exposition 10 Visions of Paris – aux côtés des travaux d’Hugo Aymar, Guillaume Belvèze, Véronique Besnard, Laurent Chardon, Thibault Cuisset, JH Engström, Johan van der Keuken, Takeshiko Nakafuji, et Yusuf Sevincli – et qui fera prochainement l’objet d’une parution chez Stanley / Barker.

Une sélection de ses œuvres était récemment présentée au Musée des Beaux-Arts de Mulhouse dans le cadre de la troisième édition de la Biennale de Photographie de Mulhouse.

Thomas Boivin vit et travaille à Paris.

Avec le soutien de Lumiere Ilford.

Les photographies ici présentées d’Alexis Poliakoff ne sont pas ce que l’on nomme ordinairement des « instantanés», ni des photographies de reportage : ce qu’elles donnent à voir paraît immédiatement organisé ou « mis en scène» (Alexis Poliakoff a travaillé comme assistant aux côtés de Claude Chabrol ou de Jean-Luc Godard), obéissant à certaines directives du photographe. Ce qui devrait suffire à nous remettre à l’esprit qu’aucune photographie ne constitue une prise directe sur la « réalité» et que viser à travers un objectif, c’est déjà imposer un ordre ou un début de sens à ce qui sera fixé sur la pellicule.

On ne photographie pas quoi que ce soit sans une intention, sans un projet même vague, et c’est pourquoi la pratique photographique, pour peu qu’elle s’éloigne de son usage « moyen» tel que l’a analysé Pierre Bourdieu, c’est-à-dire qu’elle cherche à retenir davantage que des souvenirs convenus de réunions familiales ou de voyages (et même si la dimension mnésique ou affective n’est pas absente des portraits de proches ou des autoportraits d’Alexis Poliakoff), ne peut restituer de la « réalité» que des aspects dont la sélection implique une certaine valeur. Ce principe est doublement actif dès lors que le photographe invite ses personnages, devenant presque des « acteurs», à adopter telle ou telle pose, à effectuer certains mouvements, etc.

La banalité du quotidien laisse alors place à une interaction entre la demande du photographe et la réponse de la personne qu’il entend saisir, qui peut de son côté ne pas se priver d’initiative et ne répondre ainsi que partiellement à la demande, même si ce que sa posture a finalement d’inattendu apporte éventuellement une satisfaction elle-même imprévue.

Gérard Durozoi (extrait)

Depuis sa première exposition personnelle en 1992, Alain Bublex réinvente en permanence l’idée du voyage, plaçant la photographie au cœur de sa pratique plastique tout en la combinant au dessin. Mais plus que le déplacement et le mouvement, c’est le paysage lui-même qui apparaît comme son principal sujet.

Les États-Unis ont tenu une place particulière dans ce développement. Parti à la recherche de Glooscap (une ville imaginaire), il a sillonné le pays le traversant d’est en ouest, du nord au sud, pour en revenir convaincu que les paysages ont joué un rôle primordial dans la constitution de la nation.

An American Landscape est le dernier projet de l’artiste. Spectateur assidu du célèbre film – le 1er opus de la série des Rambo – Alain Bublex y voit la mise en scène de deux héros qui symbolisent l’Amérique : Rambo lui-même et le paysage en arrière-plan. Afin de vérifier cette intuition, il décide de redessiner tous les plans du film en les vidant de l’action qui s’y déroule, pour ne conserver que les paysages, les mouvements de caméra, le montage. On découvre un film d’animation composé de longs travelings poétiques, mélancoliques et pictorialistes à l’esthétique définitivement bublexienne, rappelant de manière surprenante l’histoire de la peinture américaine.

Pour sa nouvelle exposition à la galerie, Alain Bublex présentera les dix premières minutes du film, ainsi qu’une série d’oeuvres préparatoires découlant de ce projet, à la croisée de l’histoire, de la photographie et du dessin.

L’ensemble de peintures et de photographies fonctionne comme une histoire de ma propre vie et celle des personnes qui en font partie. Isoler les images les aspire dans un trou noir, les anéantit et les éclaire en même temps.

J’observe, j’habite et je pénètre dans divers milieux à première vue sans rapport les uns avec les autres. Ils ont tous quelque chose qui relève du spectacle. Entre mes mains, les membres éminents des communautés manquent presque d’être des leaders ou des iconoclastes et deviennent des icônes à part entière. Je me soumets à une présence réitérée de ces individus en devenant à la fois vulnérable et réfractaire à leur influence. Je me donne comme objectif un amour et une dévotion incessants. En fin de compte, je les aime comme des humains ; et ensuite ils meurent !
Ils forment un groupe culturellement diversifié. J’ai rencontré beaucoup d’entre eux dans ma ville d’origine.

Les photographies brouillent les lignes entre le théâtre et la vie réelle.

Nina Mushinsky

Depuis 2013, IMA Media Project organise une exposition annuelle, fruit d’une collaboration avec Panasonic et sa marque LUMIX, afin de soutenir de jeunes photographes prometteurs qui ouvrent la voie pour l’avenir de la photographie japonaise. Cette année marquera la sixième édition de l’exposition, présentée dans trois grandes capitales, Amsterdam, Paris et Tokyo, et la participation à des festivals photographiques internationaux comme l’année dernière. L’exposition présente six photographes émergents sélectionnés par IMA Media Project. Le thème de cette année est « Comment mieux comprendre le monde de l’incertitude ».

Aujourd’hui, le monde est confronté à des défis plus redoutables que jamais et de nombreux problèmes restent irrésolus. D’autre part, les innovations technologiques nous ont donné une multitude de possibilités, transformant nos vies chaque seconde. Il est dit que nous traversons une nouvelle ère du post-humain. La génération Y a grandi dans une époque marquée par les avancées technologiques et l’incertitude. Cette exposition envisage de montrer comment cette jeune génération regarde et pense le monde actuel. La communication contemporaine a conduit à l’émergence de nouveaux types de créativité et d’innovation venant de deux mondes opposés, tels que la fiction et la réalité, l’analogique et le numérique, ou le journalisme et l’art. Il est de plus en plus important de reconnaître et de comprendre ce que la nouvelle génération a besoin d’offrir.

Avec Sayuri Ichida, Kenta Nakamura, Riyo Nemeth, Takeshi Mita, Taro Karibe, Yoko Kusano.

Depuis plus de cinq décennies, Kishin Shinoyama capture l’époque. De tout temps, ses photographies ont provoqué un séisme. À l’image des séries The Birth (1968), Death Valley et Twin(1969), Kishin Shinoyama a révolutionné le concept du nu. Le corps dans l’espace et la beauté des femmes jalonnent sa carrière. Les nombreux portraits, tels que ceux de John Lennon et de Yoko Ono, l’ont rendu célèbre. Auteur de près de 200 livres, de New York à Paris, de Florence à Hawaï, de l’Australie, au Brésil, son esprit voyageur lui a fait embrasser le monde. Son œuvre plurielle demeure animée par le plaisir de saisir un fragment d’éternité.

A l’occasion de PhotoSaintGermain, la Galerie Jousse Entreprise présente une sélection de ses photographies.
Cette exposition accompagne la parution du livre Fashion Eye Silk Road édité par Louis Vuitton. Une série de photographies tirées du livre seront également exposées à cette occasion.

Par-delà l’horizon parle de cette ligne invisible, frontière entre notre existence et celle que l’on imagine, où s’établit un dialogue entre le réel et l’illusoire. D’un voyage à l’extérieur à la recherche de nous-mêmes, où l’important n’est pas la destination mais le ressenti. Un lieu où la douceur de l’eau devient dureté de la pierre, où le mouvement se confond avec le calme.

À travers un voyage infini, en nous éloignant de ce qui nous est proche, Par-delà l’horizon nous ramène invariablement au point de départ.

Né à Madrid en 1960, Carlos Barrantes est diplômé de l’École Nationale Supérieure de la Photographie, Arles. Il exerce une double activité de photographe-auteur et de tireur professionnel. Il est un spécialiste reconnu de procédés historiques : platine/palladium, charbon, platino-chromie (technique hybride mêlant photochimie et numérique), gomme bichromatée ou papier salé.

En 2006, il déménage son laboratoire à Perpignan et collabore avec des photographes, des artistes plasticiens et des institutions Espagne, de France ou d’Amérique Latine. Il dirige par ailleurs des stages photographiques pour différentes universités et institutions (ENS Louis Lumière, ENSP Arles, Fundació Miró). Ses œuvres photographiques figurent notamment parmi les collections de la BNF et du Musée Carnavalet.

Foam, musée de photographie d’Amsterdam est fier de présenter Reflected – Works from the Foam Collection, une exposition d’œuvres sélectionnées à partir de sa propre collection à l’Atelier Néerlandais à Paris.

Foam collectionne activement de la photographie depuis 2007 et compte aujourd’hui environ 550 œuvres. Les films et installations liés à la photographie sont également bien représentés. En acquérant à un stade précoce le travail de photographes jeunes et talentueux, Foam est lentement mais sûrement en train de construire une collection reflétant le médium du XXIe. Cela souligne également la complexité de la photographie contemporaine : la collection contient des œuvres qui repoussent les limites du médium, qui touchent au film et à la vidéo, qui reflètent de manière critique la photographie comme médium ou culture visuelle, et qui n’ont parfois pas encore pris une position définitive.

La collection est une partie active et dynamique de Foam et reflète son programme d’exposition, dans lequel l’accent est mis sur le soutien, la mise en valeur, et la présentation des jeunes talents. Foam suit les carrières de ces jeunes talents, ce qui peut également entraîner de nouvelles acquisitions. Au début de sa carrière, Foam a acquis des photographies d’artistes de renommée internationale comme Taryn Simon, Pieter Hugo et Alex Prager, ainsi que d’importants photographes néerlandais tels que Viviane Sassen, Gert Jan Kocken, et Misha de Ridder. Les deuxième et troisième achats pris en compte donnent de la profondeur et du poids à la collection.

C’est donc une collection contemporaine et franche qui rend hommage au travail de photographes jeunes et prometteurs, et qui se concentre clairement sur l’avenir et non, comme beaucoup d’autres collections, sur le passé.

L’exposition présentera l’oeuvre de jeunes photographes et artistes comme celle de ceux dont le nom est depuis devenu célèbre comme Linus Bill, Raphaël Dallaporta, Lara D’Hondt, Fleur van Dodewaard, Constant Dullaart, Uta Eisenreich, Marnix Goossens, Joris Jansen, Katja Mater, Taiyo Onorato & Nico Krebs, Peter Puklus, Lieko Shiga, Lorenzo Vitturi, Anne de Vries, ou WassinkLundgren.

Viviane Sassen, Codex, de la série Parasomnia , 2010 © Viviane Sassen

Depuis le début du 20e siècle, la surveillance et l’espionnage vont de pair avec l’accélération des innovations technologiques. À l’heure d’une prise de conscience massive des enjeux qui en découlent, le Centre Culturel Irlandais expose dix-sept artistes qui se sont emparés à différentes époques de ce sujet et de ses mécanismes visibles et invisibles : les photographes Karl Burke, Willie Doherty, Roseanne Lynch et Donovan Wylie, les peintres Colin Martin et Ian Wieczorek, le sculpteur Lorcan McGeough, les vidéastes Declan Clarke et Allan Hughes, et les artistes multimédia Alan Butler, Caroline Campbell, Teresa Dillon, Benjamin Gaulon, John Gerrard, Irina Gheorghe et Jim Ricks.

Roseanne Lynch, Untitled Cloud 1, 2016 © Roseanne Lynch

Alors que la Seconde Guerre mondiale s’achève, Josef Sudek photographie Prague. Un reportage poignant de la
ville au lendemain d’un cauchemar : Josef Sudek documente notamment le centre-ville en ruines, les monuments mutilés ou les sculptures de bronze destinées à la fonderie.

L’exposition au Centre tchèque de Paris compte une quarantaine de ces photographies inédites, à caractère documentaire et artistique, d’une valeur historique remarquable.

Josef Sudek (1896-1976) est une légende de la photographie tchèque, connu particulièrement pour son romantisme pictural et son interprétation lyrique de l’atmosphère de différents environnements. Les thèmes favoris de ses photographies ont été des natures mortes, des fenêtres, des jardins – y compris dans ses clichés imaginés, mis en scène – le thème de Prague, sa ville natale, les paysages, les forêts vierges des monts Beskydes ou la région industrielle de Most.

Son œuvre compte des dizaines de milliers de photographies et fait partie de nombreuses collections publiques et privées dans le monde entier (Musée des Arts décoratifs de Prague, Bibliothèque nationale de France, Musée des beaux-arts du Canada).

L’Institut Culturel Italien présente une exposition de clichés de Gianni Berengo Gardin (né en 1930), figure historique de la photographie contemporaine italienne. Témoin infatigable de la seconde moitié du XXe siècle, Gianni Berengo Gardin a sillonné l’Italie recueillant histoires et images des petits et grands changements qui l’ont traversée. L’exposition Fêtes se veut un parcours photographique autour de la thématique de la fête dans la tradition populaire italienne. Issues des immenses archives du photographe, soixante photos en noir et blanc, prises entre 1957 et 2009, forment un surprenant atlas photographique qui rend compte de la richesse des fêtes populaires, des costumes et des traditions régionales italiennes. Grâce à son appareil photo, Berengo Gardin dévoile un monde grouillant d’enfants, gitans, femmes jeunes et âgées en habits de fête, danseurs de tous âges, sur lequel il porte un regard à la fois d’ethnographe et de curieux bienveillant. Par cette démarche proche du « double regard » de l’ethnologue Ernesto De Martino, s’accomplit un aller-retour vers « l’autre » dont ressort le récit d’une Italie en fête, où chacun célèbre son histoire et sa culture à travers rites anciens et nouveaux. En même temps, ces clichés saisissants révèlent l’humanisme et la sensibilité d’un maître de la photographie.

Photographies de Jeanne Mandello, Hildegard Rosenthal et Grete Stern

L’exposition De l’autre côté présentée à la Maison de l’Amérique latine réunit trois femmes photographes originaires d’Allemagne et qui, portées par le vent de l’histoire, se sont exilées à la fin des années 1930 en Amérique du Sud. Après une formation en Allemagne, fréquentant des photographes comme Paul Wolff ou des écoles aussi réputées que celle du Bauhaus, et bénéficiant de l’effervescence qui régnait alors dans les milieux artistiques, elles ont commencé d’exercer leur métier en Europe : à Berlin, Paris et Londres. Puis elles ont traversé l’Atlantique pour poursuivre leur carrière, chacune dans un pays différent. Elles laissent des oeuvres qui reflètent les facettes multiples de la photographie de leur époque.

« J’ai toujours fait des images avec mon appareil, que ce soit en marchant, dans les trains, les bus ou les bateaux. Et cela dure depuis des décennies. »
Tamiko Nishimura

La plupart des images, dont certaines n’ont jamais été publiées, ont été réalisées entre 1968 – date à laquelle Nishimura (née en 1948 à Tokyo) a commencé à photographier – et les années 80. Elles montrent des scènes de rue et le quotidien des habitants : artistes de rue dans le quartier d’Asakusa à Tokyo, bateaux de pêche, un gros plan sur un enfant regardant fixement au travers d’une fenêtre de train.

 » Les photographies dans “ Ryojin ” ont été sélectionnées parmi 1500 images prises entre 1968 et les années 1980. Durant ce processus, il m’a semblé que l’espace et le temps vécus alors remontaient à la surface, comme une brume.  » Tamiko Nishimura

L’exposition présentera le livre My journey ainsi que des tirages argentiques d’époque tirés en 1979.

Curieux du lien entre les hommes et leur environnement sur les chemins escarpés de la dead zone (territoires terrestres où les conditions sont mortelles pour la vie humaine), je pars au Népal dans la région de l’Everest en novembre 2015. J’y découvre une atmosphère mystique teintée des marques plus triviales d’un quotidien dangereux à ces altitudes.

Pour appréhender ces espaces inhospitaliers où roche et glace remplacent la végétation, créant une terre déserte souvent fantasmée comme vierge, une échelle s’impose: celle de l’homme. Mes photographies sont alors autant de traces que je recueille, d’indices que j’enregistre, pour saisir les modalités de présence des individus qui les arpentent: habitants, touristes, himalayistes, athlètes, ou encore militaires. Comment négocient-ils avec cette nature hostile ? Comment l’adaptation fonctionne ? Comment s’« impriment-ils » en ces zones reculées ?

En 2016, un deuxième voyage s’est imposé. Après la découverte de l’expérience touristique sur le sentier principal et direct vers le camp de base du plus convoité des 8000, celle de la pleine saison des expéditions sur les chemins des hauts cols où je marche dans les pas d’athlètes expérimentés. L’altitude extrême continue d’exercer sa fascination, et, nourri des grands récits himalayens, c’est aussi vers soi que l’objectif se tourne, le voyage devenant intérieur.
Voyage dans la vie rare à La Librairie des Alpes mêle images photographiques, objets collectés et une sélection de livres dont les mots sont autant de compagnons de périples.

Avec le soutien de Picto Foundation