Untitled, 2016 © Ren Hang / courtesy Stieglitz19

L'Ephéméride

by La Rédaction on 21 février 2017

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Foam 3h : Un nouvel espace

Name: A l'ombre de l’étoile et du Croissant Katia Kamel
Start: 2018-9-22T13-13-00-00
End: 2018-11-25T17-17-00-00
Location: CRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-France

Temps de lecture : 8 secondes

Foam 3h est un nouvel espace consacré aux artistes et photographes invités à presenter leur première exposition muséale. En ce moment et jusqu’au 12 mars prochain, c’est le photographe chinois Ren Hang qui est présenté.

https://www.foam.org/museum/programme/ren-hang

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sam22sep(sep 22)13 h 00 mindim25nov(nov 25)17 h 00 minA l'ombre de l’étoile et du Croissant Katia KamelCRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-France, Place des Nations 59282 Douchy-les-MinesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dans les premières minutes du film de René Vautier Déjà le sang de mai ensemençait novembre (1982), la caméra se déplace à l’intérieur d’une vue d’un monument d’Alger de l’époque coloniale – vue provenant sans doute d’un livre d’histoire comme l’indique la pliure visible à l’écran, avant que des images en mouvement de l’époque du tournage viennent soudain la remplacer, montrant un tout autre visage de la ville. Un tel montage, confrontant deux époques pour un même lieu, constitue une première clé permettant de comprendre comment ce film, dont des extraits sélectionnés par Katia Kameli sont présentés au CRP/, a accompagné l’artiste dans l’élaboration de son exposition. Sensible à la trajectoire singulière de Vautier, Katia Kameli partage avec le cinéaste français – le premier, paradoxalement, à produire des représentations de l’indépendance de l’Algérie – ce geste qui consiste à construire une histoire à la fois à travers les images « confisquées par le colonisateur », et les oeuvres des artistes algériens.
Ainsi de ce monument dans le centre d’Alger, réalisé par l’artiste M’Hamed Issiakhem en 1978, justement filmé par Vautier : bloc de béton imposant sur lequel sont sculptées deux mains qui se libèrent de leur chaîne, il manifeste la souveraineté du peuple algérien depuis l’indépendance. Pour Katia Kameli, il est aussi une image dont il importe de saisir toute l’épaisseur historique ; car sous l’édifice, se trouve enfoui le Grand Pavois du sculpteur Paul Landowski, qu’il réalise en 1928 en hommage aux morts de la première guerre mondiale, dans le contexte colonial. Issiakhem ne voulant pas détruire l’oeuvre de Landowski malgré l’injonction qui lui est faite, il la soustrait à la vue, laissant là, en sursis, tout un pan de l’histoire algérienne d’avant 1962.
Et c’est précisément à cette histoire en attente de mémoire que Katia Kameli consacre une part de son travail, histoire qu’elle donne à voir en faisant resurgir des images et des mots prélevés avec soin parmi différents fonds d’archives, qui lui permettent de mettre au jour ce qui reste dans l’ombre de la bannière algérienne née avec l’indépendance.
Pour autant, il ne s’agit pas simplement de retrouver les représentations d’un passé occulté ou tenu à distance. Une fois cette enquête effectuée, ce à quoi s’emploie Katia Kameli relève davantage du tissage complexe des images entre elles, dans lequel les contradictions et les enchevêtrements historiques trouvent une forme explicite. Les ensembles inédits présentés au CRP/, jouant sur la juxtaposition et le recouvrement partiel de documents – des clichés orientalistes aux anciennes cartes postales jusqu’aux photographies politiques – permettent ainsi de percevoir visuellement, dans e plan du collage, la stratification de l’histoire, et en particulier de celle toujours privée de reconnaissance.
Le geste est significatif : il ne correspond pas exactement au montage de la planche d’images traditionnelle, qui suit un agencement orthogonal à l’intérieur d’un cadre donné, mais il laisse plutôt advenir un ensemble dynamique, apparemment désorganisé, faisant circuler le regard comme lorsque l’on fouille dans une masse de documents épars.
C’est d’ailleurs en menant ses recherches préparatoires que l’artiste a trouvé le titre de cette série, à l’intérieur d’un Petit manuel d’agriculture expliquant aux enfants d’Algérie comment devenir de « bons fellahs » aux service et profit de la France colonialiste. La phrase en question – Soyez les bienvenus – est une formule de politesse bien connue des algériens, qui rappelle a contrario, et non sans ironie, comment les conquérants français se déchaînèrent avec une violence inouïe sur une population civile démunie lors des évènements dramatiques de 1830.
Tel qu’il est envisagé ici, l’agencement des images appelle donc à une relecture des discours officiels, suivant des points de vue qui ouvrent à l’élaboration nécessaire d’une contre-histoire. À cet égard, l’un des aspects marquants du travail de Katia Kameli réside dans la manière dont elle met en perspective cette matière visuelle en mal d’interprétation : non pas seulement à travers son propre regard, mais en convoquant celui de différentes figures savamment choisies, dont elle construit à son tour les représentations.
Ces regards, ce sont d’abord ceux des Algérois eux-mêmes, qui, portés par un désir d’images, viennent chercher auprès du kiosque tenu par Farouk Azzoug et son fils près de la Grande poste à Alger, les représentations d’une mémoire collective meurtrie et passée sous silence. Ainsi l’artiste filme-telle dans le premier chapitre du Roman Algérien cette fascinante collection de reproductions, et les passants observant, touchant aussi, et parfois achetant les cartes et photographies de l’histoire coloniale et postcoloniale du pays. Les commentaires de chacun viennent alors éclairer les images, de même que lorsque Marie-José Mondzain, dans Le Roman Algérien, chapitre 2, observe et analyse dans une salle de cinéma vide le premier volet du film, ou encore interprète devant l’écran d’une tablette les paroles implacables de l’écrivaine féministe Wassyla Tamzali, ou celles tout aussi éloquentes de la militante Louisette Ighilahriz à propos du drapeau algérien.
Ces différentes mises en abîmes, ces perceptions directes et indirectes des images et des faits, et ces constellations de voix et de personnes – en particulier de ces femmes algériennes qui trouvent là une place décisive, permettent ainsi d’exhumer l’histoire depuis le temps présent. En cela, l’artiste se tient tout près de ce que René Vautier, d’une autre façon, a su mettre en oeuvre dans ses films : une entrée incisive dans les archives par le travail du cadrage et du montage, qui ramène la période coloniale dans la contemporanéité de sa perception. Pour Katia Kameli, il s’agit de rendre à l’entendement les angles morts de l’histoire de l’Algérie, par la fabrique même des images. En cela, l’exposition au CRP/ constitue un pas de plus dans le projet global de l’artiste franco-algérienne, une forme de continuation de ce qu’elle a initié avec Le Roman Algérien en 2016.
Dans l’une des nouvelles pièces produites pour l’exposition, la photographie du Grand Pavois en sommeil sous l’oeuvre d’Issiakhem réapparaît à travers l’emploi d’un dépliant confectionné par l’artiste, inspiré d’une vieille carte postale invitant à soulever la bosse d’un dromadaire pour voir « les scènes et types de l’Afrique du Nord » à travers un dispositif reconduisant tous les archétypes orientalistes. Un tel montage permet à Katia Kameli de montrer simultanément les deux monuments, d’ouvrir l’un pour montrer l’autre, tout en exposant une autre forme de l’imagerie colonialiste et de ses produits dérivés pseudo-exotiques. D’une autre façon encore, lorsque l’artiste dispose ses cartes postales sur la reproduction de manuel scolaires d’histoire algériens qui fonctionnent comme fond symbolique, elle procède par additions, recouvrements et combinaisons successives, afin que les enjeux liés à la fois au politique, au territoire et au patrimoine, ou encore au pouvoir exercé sur ou par les femmes, se manifestent dans toute leur âpre intrication. À l’instar de l’étoile et du croissant dont on comprend à la fin du Roman Algérien, chapitre 2 que ce qui importe est surtout de parvenir à les coudre ensemble, comme l’ont fait en leur temps les militantes sur le tissu du drapeau de l’indépendance, c’est à la ré-articulation et à la réhabilitation des fragments d’une histoire dont l’Algérie s’est vue dépossédée, que contribuent activement les images de Katia Kameli.

Nathalie Delbard

Dates

Septembre 22 (Samedi) 13 h 00 min - Novembre 25 (Dimanche) 17 h 00 min

Lieu

CRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-France

Place des Nations 59282 Douchy-les-Mines

CRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-FrancePlace des Nations 59282 Douchy-les-MinesEntrée libre Ouverture de la Galerie Mardi … vendredi / 13:00 … 17:00 Samedi, dimanche, jours fériés / 14:00 … 18:00 (galerie fermée le lundi)

Calendrier GoogleCal

mar02oct(oct 2)11 h 00 min2019dim10fev(fev 10)18 h 00 minDavid Perlov Cinéaste, photographe, dessinateurmahJ - Musée d'art et d'Histoire du Judaïsme, Hôtel de Saint-Aignan 71, rue du Temple 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Le parcours artistique de David Perlov (1930-2003), figure centrale du cinéma israélien du dernier quart du XXe siècle, excède sa seule activité de cinéaste. Son œuvre s’est nourri d’une pratique du dessin et de la photographie, qui l’a accompagné tout au long de sa vie.

Né en 1930 à Rio de Janeiro, David Perlov passe ses premières années à Belo Horizonte, avant de s’installer à São Paulo. Sa rencontre avec le peintre, sculpteur et graveur Lasar Segall (1891-1957), voisin de son grand-père, l’ouvre à un univers inconnu, et c’est en artiste qu’il arrive à Paris en 1952, afin d’étudier la peinture à l’école des Beaux-Arts. Il y réside jusqu’en 1958, date à laquelle il rejoint sa femme Mira au kibboutz Bror Hayil au sud d’Israël. Pionnier du cinéma documentaire israélien, prix Israël 1999, Perlov enseigne à l’université de Tel-Aviv de 1973 à sa mort en 2003.
Les années parisiennes marquent un tournant tant Perlov est touché par l’effervescence du monde du cinéma. Sa fréquentation des ciné-clubs, la rencontre avec Alain Resnais et Chris Marker, auquel il achète sa première caméra, le conduisent à se saisir des médiums photographique et cinématographique. Il rencontre Henri Langlois, le directeur de la Cinémathèque française, qui l’engage pour monter un documentaire de Joris Ivens consacré à Marc Chagall, qui restera inachevé. Il réalise son premier film, Tante Chinoise et les autres, à partir des dessins d’enfants de Marguerite Bonnevay. Ces expériences structurent son approche artistique, une tension entre l’intime et l’universel que l’on voit plus tard appliquée dans son Journal, une œuvre fleuve constituée de six épisodes d’une heure chacun, débutée en 1973, chronique intime, familiale et politique poursuivie durant une décennie.
La fantaisie déployée dans ses propres dessins met en lumière d’autres aspects du travail de Perlov, où l’artiste laisse libre cours à ses rêves et ses sentiments, croisant parfois dans une même œuvre des temporalités distinctes. Rarement exposées, ces œuvres permettent de poser un regard renouvelé sur son travail documentaire, déjouant sa linéarité pour souligner l’affleurement des souvenirs et du passé dans l’appréhension du présent. Les dessins et photographies que Perlov réalise constituent ainsi des prises de notes, lui permettant de trouver le ton juste pour se raconter. L’exposition présente ce dialogue entre dessins, films et photographies.
Sauf mention contraire, les œuvres exposées sont conservées par la famille de David Perlov.

Commissariat
Commissaire : Fanny Schulmann
Conseillère scientifique : Galia Bar Or
Régie des œuvres : Pascal Concordia, Scénographie et régie des espaces : Victor Torossi, avec Olivier Bejannin, Arnaud Lamiral et Georgetta Mocanu
Encadrement : Arnaud Lamiral
Installation audiovisuelle : Guy Garcia Ingénierie, installation : Atelier des 3 coups
Éclairage : Claudio Varone
Conception graphique : DocLevin
Signalétique : Duograph
Remerciements
Mira, Yaël et Noémie Perlov, Nathalie Jungerman, Pascale Samuel, Hila Peleg, Camille Filaferro, Philippe-Alain Michaud, Ariel Schweitzer, Isabelle Regelsperger, Michael Gordon Studio, Pip Chodorov, la Cinémathèque française, le Centre Pompidou, les éditions Re :Voir, les éditions La Table Ronde.

Dates

Octobre 2 (Mardi) 11 h 00 min - Février 10 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

mahJ - Musée d'art et d'Histoire du Judaïsme

Hôtel de Saint-Aignan 71, rue du Temple 75003 Paris

mahJ - Musée d'art et d'Histoire du JudaïsmeHôtel de Saint-Aignan 71, rue du Temple 75003 ParisDu mardi au vendredi : 11 h à 18 h / Samedi et dimanche : 10 h à 18 h

Calendrier GoogleCal

Un conte polonaisBogdan KonopkaGalerie Folia, 13 rue de l'Abbaye 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

À travers une vision singulière et intime d’un pays, de son pays, Bogdan Konopka interroge la quête humaine et universelle de l’appartenance à un territoire et à son histoire.

Arrivé en France en 1988, Bogdan Konopka est reconnu pour son travail sur les faces cachées des villes – Paris, Varsovie, Prague, Berlin, Zurich, Budapest, Pékin ou Shanghai… –, où son regard s’attache à nous livrer ce qu’il nomme lui-même « leur patrimoine du rien ».

L’exposition rassemble une sélection de photographies, prises depuis une quarantaine d’années, qui révèlent la vision sensible et personnelle d’un pays où le réel – une Pologne qui se transforme et entre progressivement dans la modernité – laisse place au songe et à l’onirique. Au détour de portraits posés ou saisis à la volée, de paysages de ruines, de neige ou de brume, de villes fantomatiques, le photographe tente de saisir l’âme des lieux et la mémoire du temps, pour donner à lire la fragilité du monde.

« Nous trouvons là tout ce qu’exige la photographie : des traces matérielles, concrètes, au devenir pétrifié, et abandonnées aux éléments d’une absence d’autant plus douloureuse. J’ai voulu éterniser le royaume de ces absents avec l’espoir que l’un d’eux veuille bien apparaître devant l’objectif et éveiller, par sa confession, une résonance dans les méandres de la mémoire grise… »

Bogdan Konopka.

Fort d’une solide maîtrise technique, Konopka affirme dans ses images un univers plastique et formel à contrecourant des modes : ses photographies noir et blanc, réalisées à la chambre puis tirées par contact présentent un travail des gammes de gris caractéristique de son œuvre.

« Photographe au meilleur sens du terme, explorant donc les limites de l’outil qu’il s’est choisi, il nous convie à regarder vraiment, à commencer à voir, à l’accompagner pour dresser non pas le portrait photographique de la Pologne – ce serait, comme toujours, peine perdue -, mais à partager son portrait de sa Pologne, celui qu’il esquisse au rythme de ses expériences, mais qu’il n’affirme pas, qu’il n’impose en rien. »

Christian Caujolle, introduction à Un conte polonais, éditions Delpire.

Dates

L'année de l'événement (2018)

Lieu

Galerie Folia

13 rue de l'Abbaye 75006 Paris

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mar18sep(sep 18)8 h 00 mindim25nov(nov 25)20 h 00 minLes Folles Rencontres du CrillonEmanuele ScorcellettiHôtel Crillon, 10, place de la Concorde 75001 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Les plus grandes célébrités ont séjourné au Crillon, hôtel légendaire de la place de la Concorde à Paris qui a réouvert en juillet 2017 après un « ravalement de beauté ».
Avec la complicité du musée Grévin, Polka Galerie et Emanuele Scorcelletti ont imaginé, pour fêter les noces de coton de la réouverture de l’hôtel prestigieux, des rencontres loufoques entre d’anciens pensionnaires. Du général de Gaulle à Louis de Funès, d’Édith Piaf à Madonna, découvrez d’étonnantes histoires qui aurait pu avoir lieu dans les couloirs du cinq-étoiles. Paraît-il que l’interprète de « La Vie en rose » aimait pousser la chansonnette dans l’ancien bistrot de l’hôtel, qui se trouvait au sous-sol. Il est aujourd’hui au rez-de-chaussée mais l’âme des lieux est toujours là, face à la Place de la Concorde. Quelques mètres plus haut, située au sixième étage, la suite Bernstein, avec sa terrasse privée, offre une vue imprenable sur le Grand Palais et la Tour Eiffel. Elle a été nommée ainsi en hommage au compositeur de la bande originale du film « West Side Story », cette année, dans ces images, c’est Jimi Hendrix qui y a joué un morceau… Ils sont nombreux : Henri Salvador, Ernest Hemingway, Charles Aznavour, a avoir été des habitués des lieux.
Grâce au Musée Grévin, qui, pour la première fois de son existence, a autorisé la sortie officielle de 17 personnages de cire, la série a pu exister. Chacune des poupées a eu son heure de gloire dans les lieux mythiques de l’hôtel parisien. Mick Jagger a chanté sur le bar Les Ambassadeurs, les trois reines Laetitia Casta, Carole Bouquet et Arielle Dombasle ont pu prendre la pose sur la terrasse du salon Marie Antoinette… Plus d’une semaine de shooting, sans compter les repérages, a été nécessaire pour réaliser cette incroyable série de photos, entre humour, glamour et amour, venez découvrir les 9 images de la commande insensée à partir du 18 septembre.

Dates

Septembre 18 (Mardi) 8 h 00 min - Novembre 25 (Dimanche) 20 h 00 min

Lieu

Hôtel Crillon

10, place de la Concorde 75001 Paris

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jeu25oct(oct 25)12 h 00 minsam22déc(déc 22)19 h 00 minL'Anthropologie des sentiments / FragmentsIsabel MuñozGalerie Esther Woerdehoff, 36 rue Falguière, 75015 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Comment ne pas voir dans la danse soufie, les rituels chiites ou bien les scarifications peules, un réseau serré d’interconnexions entre plusieurs mondes. La réduction de la photographie à l’accumulation documentaire empêche d’accéder à un univers, celui d’une communauté humaine faisant du sacrifice l’acte ultime de la connaissance. L’exubérance et le plaisir vécus dans la solitude de la douleur rendent hommage aux morts et aux dieux. La sérénité et l’extase sont au bout de ce chemin d’abandon et de violence…

S’il est vrai que ces « passeurs » se signalent par leurs excès, affichent des allures que nous considérons grotesques, c’est à ce prix que le corps s’élance. On n’accède pas à l’autre monde sans se désincarner ici-bas. Parce qu’ils acceptent de devenir l’instrument de puissances supérieures, parce qu’ils s’offrent littéralement, alors les comparses d’Isabel Muñoz sont en état de rejoindre les ancêtres réels ou mythiques.

La photographie les prend quand ils renaissent au monde. C’est pour cela qu’ils doivent disparaître du monde ancien. Tout se passe donc comme si, à l’opposé des stéréotypes, une force intérieure les guidaient inéluctablement là où le destin devait les mener. Certes, le corps souffre de trop danser, de trop marquer la chair. Mais peu importe, par habitude et par auto-persuasion, ils ne réagissent plus aux tourments qu’ils s’imposent. Être plus fort que ses maux est l’étape nécessaire à la création d’un autre moi, purifié car dépourvu de sensibilité. L’impassibilité détermine et révèle le passage vers l’innommable. Le moment tant attendu survient quand plus aucun sentiment ne vient les hanter, quand ils se libèrent de toute pensée. Les combats menés contre eux-mêmes et le reste du monde, cette opiniâtreté à dominer leur enveloppe charnelle les conduisent parfois à emprunter des chemins morbides. Le masochisme est indissociable de l’extase.

Mais leur regard abandonné parle pour eux. il n’y a guère de complaisance envers les épreuves qu’ils s’infligent, seule compte la voie prise pour se détacher de l’enveloppe, de cette chair et de cette peau.

Et peu importe le prix à payer pour qu’enfin nous soyons nous-mêmes, au milieu des tumultes des sentiments ! Et que la passion se retire ! Le silence de la photographie l’accompagne. Leur monde n’a plus besoin d’imaginaires ou de fantasmes.

Dates

Octobre 25 (Jeudi) 12 h 00 min - Décembre 22 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Esther Woerdehoff

36 rue Falguière, 75015 Paris

Galerie Esther Woerdehoff36 rue Falguière, 75015 ParisInstallée depuis 1996 dans un ancien atelier du quartier Montparnasse, la galerie Esther Woerdehoff est une adresse incontournable pour les amateurs et les collectionneurs de photographie. Avec une curiosité sans limite, la Galerie propose de découvrir toute la diversité et la créativité de la photographie contemporaine.

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