23 avril 2018

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#Collectif

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#Occitanie

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mer30oct(oct 30)13 h 00 minsam14déc(déc 14)19 h 00 minArdenneEric GuglielmiGalerie Maubert, 20 rue Saint-Gilles 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« En janvier 2016, j’ai débuté, dans ce territoire divisé en de multiples entités politiques, une exploration photographique qui interroge la notion de frontière. L’Ardenne s’étend de part et d’autre des frontières belges, françaises et luxembourgeoises mais constitue avant tout un seul et même ensemble géographique. Aucune entité administrative ne recouvre ce territoire mal défini : en Belgique et au Luxembourg il n’a pas d’existence officielle et s’il donne son nom à une région française, celle-ci ne correspond vraiment à aucune réalité géographique. Je longe et traverse les lignes invisibles qui strient ce territoire, passant sans m’en rendre compte d’une région à l’autre, d’un pays à l’autre.
Quand je marche ainsi, je perds de vue les découpes arbitraires de ce territoire. Il n’y a plus ni France, ni Luxembourg, ni Belgique. Il n’y a plus que cette forêt immense. Comme si le balancement de mes pas, d’un bord à l’autre des frontières, tricotait un nouvel ensemble. »

Le projet Ardenne a fait l’objet d’une résidence de 18 mois dans les Ardennes (Belges, Luxembourgeoises et Françaises) ainsi que d’une publication et d’une exposition personnelle à la Maison de la photographie Robert Doisneau en 2018.

Les oeuvres d’Eric Guglielmi font partie de collections publiques (BNF, CNAP, FMAC Gentilly Musée Arthur-Rimbaud…) et privées (Neuflize OBC,Cima Immobilier…). En 2015, il est nominé au Prix AIMIA/AGO ainsi qu’au Prix Pictet et reçoit l’Aide à la photographie documentaire du Centre national des arts plastiques (CNAP) pour son projet Ardenne. Eric Guglielmi est lauréat de la commande photographique nationale « Flux, une société en mouvement » 2018.

Photo © Eric Guglielmi, Ardenne, Salles, Chimay, Belgique, tirage argentique, 2016

Dates

Octobre 30 (Mercredi) 13 h 00 min - Décembre 14 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Maubert

20 rue Saint-Gilles 75003 Paris

Galerie Maubert20 rue Saint-Gilles 75003 ParisGalerie ouverte du mardi au samedi de 13h00 à 19h00 ou sur rendez-vous

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jeu07nov(nov 7)14 h 00 min2020sam11jan(jan 11)19 h 00 minSacréMatthieu GafsouGalerie Sator, 8 Passage des Gravilliers 75003 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Matthieu Gafsou (CH, F, 1981) vit et travaille à Lausanne, en Suisse. Diplômé d’un Master en Philosophie, Littérature et Cinéma à l’Université de Lausanne, il étudie la photographie à l’École des Arts appliqués de Vevey. Parallèlement à sa pratique artistique, il enseigne à l’Université d’Art et de Design de Lausanne (ECAL).
Depuis 2006, Matthieu Gafsou a participé à de nombreuses expositions collectives et monographiques, et publié cinq livres. En 2009, il est lauréat du prestigieux « Prix de la Fondation HSBC pour la photographie ». En 2014, le musée de l’Elysée à Lausanne présente son exposition monographique « Only God can Judge Me ». En 2018, son exposition H+ est largement remarquée aux Rencontres de la Photographie à Arles.
En 1996, le Service de la culture du canton de Fribourg crée l’Enquête photographique fribourgeoise. A l’issue d’un concours, tous les deux ans, la réalisation d’une enquête sur un sujet documenté précis est confiée à un photographe. Faisant l’objet d’une exposition, voire d’une publication, les œuvres intègrent par la suite les collections cantonales. En 2012, l’Enquête a été confiée à Matthieu Gafsou. Cette huitième enquête, présente l’Eglise catholique dans une démarche documentaire subjective et d’une grande rigueur formelle.
« Fatalement cette série de photos suggère sans le dire que le catholicisme est une religion d’hommes (…), que cette religion a été vidée de ses troupes en dépit du baptême de l’enfant, que les confessionnaux sont en attente de clients, qu’elle est sans contact aucun avec le monde extérieur (…).
On dirait aussi que cette religion-là n’existe qu’au passé, qu’elle ne se transmet plus (…) : pas d’assemblée du peuple de Dieu avec sa proportion dominante de non-clercs… Qu’elle n’intéresse que les ethnologues et ne suscite aucune œuvre d’art contemporain. »
François Boespflug, L’Automne du catholicisme selon Matthieu Gafsou (extrait), catalogue Sacré, Matthieu Gafsou, IDPURE éditions BCU Fribourg.

Dates

Novembre 7 (Jeudi) 14 h 00 min - Janvier 11 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Sator

8 Passage des Gravilliers 75003 Paris

Galerie Sator8 Passage des Gravilliers 75003 ParisOuvert du mardi au samedi 14h–19h et sur rendez-vous

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mar15oct(oct 15)15 h 20 min2020ven10jan(jan 10)15 h 20 minThe SpectreMiguel RothschildMaison de l’Amérique latine, 217 Boulevard Saint-Germain, 75007 ParisType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

À partir du 15 octobre, la Maison de l’Amérique latine offre son espace d’exposition du rez-de-chaussée à l’artiste argentin Miguel Rothschild qui produit à cette occasion une création inédite. Installé à Berlin depuis le début des années 1990, Miguel Rothschild développe une œuvre composite mêlant installation, sculpture, verre, matière organique et photographie. Si au début de sa pratique, la performance tient une place importante, il s’en éloigne au fil des années, pour aborder d’autres supports comme la photographie n’hésitant pas à la brûler ou à la trouer.

L’ensemble des œuvres de Miguel Rothschild qui seront exposées à la Maison de l’Amérique latine à Paris est lié par le thème central de son travail : le spectre. En ce sens, l’artiste donnera à voir aux visiteurs son installation chorale « Grosse Spectre » composée de six tirages photographiques. En écho à cette présentation l’artiste conçoit pour la Maison de l’Amérique latine une vitrine inédite d’où s’élève un panache blanc de fumée. Une métaphore de l’esprit des forêts. Rampant le long de la surface transparente comme s’il cherchait à la percer et à la saisir, à la recherche d’une possible évasion…

Dans le cadre du parcours PhotoSaintGermain 2019

Dates

Octobre 15 (Mardi) 15 h 20 min - Janvier 10 (Vendredi) 15 h 20 min

Lieu

Maison de l’Amérique latine

217 Boulevard Saint-Germain, 75007 Paris

Maison de l’Amérique latine217 Boulevard Saint-Germain, 75007 ParisOuvert de 10h à 20h tous les jours, de 14h à 18h le samedi et fermé le dimanche

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mar26nov(nov 26)14 h 00 min2020sam18jan(jan 18)19 h 00 minTall TalesHally PancerGalerie Madé, 30 rue Mazarine 75006 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Sortir de la série photographique. Oser une écriture visuelle allusive mais consciente du réel. S’affranchir de toute obligation d’unité de temps, de lieu, de contexte.
C’est ce qu’expérimente et nous propose Hally Pancer, photographe américano-israélienne. En piochant dans ses archives photographiques, en faisant exploser les catégories, en mélangeant images spontanées et intimes avec d’autres plus réfléchies et construites, elle nous propose un voyage, ou plutôt la possibilité de voyages multiples. Et c’est ce possible qui donne à ces petites histoires en trois images toute leur richesse.
En effet, en trois images associées selon différents critères, Hally Pancer nous invite à plonger dans une suite de « haïkus occidentaux ». Elle n’impose rien, préférant les indices, les signes, les émotions, à une narration appuyée ou à une anecdote soulignée.
Hally Pancer suggère. Elle nous offre bien sur sa propre expérience, mais nous laisse aussi faire le chemin, le nôtre, dans ses images. Et prendre la distance nécessaire pour éprouver.
Une lecture onirique est souvent proposée dans l’association des trois photographies, mais une oscillation est permise, entre reportage, constructions ou divagations émotionnelles.
Il est remarquable de justement noter à quel point les émotions se télescopent ou s’harmonisent au sein de chaque triptyque. Associées entre elle autour de souvenirs personnels, de moments de vie heureux ou moins heureux – car souvent plane une légère inquiétude, un indétermination – elles deviennent des moments de vie. D’autres vies ? Et lorsque que leur proximité est chromique ou visuelle, ces petites histoires peuvent nous cueillir sur le terrain de l’étrange, de la fiction, de la cinématographie.
Si l’on reconnaît dans un premier temps les lieux, les villes, les pays, les situations, peu à peu la photographe nous incite délicatement à visiter une autre contrée imaginaire, sans jamais oublier les signes du réel. Elle nous invite à ressentir l’étrangeté du quotidien.
« L’américanité » du regard d’Hally Pancer est présent dans sa manière d’envisager, notamment, le territoire et les villes françaises et européennes, mais en mêlant des images se son Amérique, elle nous raconte l’histoire d’un pays intime, qu’elle invente et où elle nous invite.
Le titre de chaque triptyque est presque lacunaire, permettant là aussi une interprétation, un périple, un rêve. Il est le quatrième indice de ces histoires courtes. A nous de l’associer à notre lecture visuelle, à l’émotion de celle-ci.
Chacune de ces petites chroniques est autonome et pourtant l’on sent bien au final que c’est un même univers que nous propose de visiter Hally Pancer. A nous de faire le lien entre chacune d’entre elles, de relier tel chapitre à tel autre pour au final écrire notre propre roman, surement comme elle a écrit le sien.
L’homogénéité des couleurs fait aussi le lien entre toutes ces images, entre toutes ces histoires. Les couleurs semblent toutes atténuées, dépouillées de leur possible trivialité, et en nuancent toujours l’humour, la noirceur ou le mystère. Ces dernières basculent parfois même dans un « non-sense » tout anglo-saxon.
Il faut lâcher prise face aux histoires courtes d’Hally Pancer. Les apprécier une à une mais aussi les additionner. Laisser voyager ses idées, ses émotions. Se laisser envahir par ce léger et troublant vertige poétique.

Hally Pancer est née en 1961 et a grandi à New York. Américano-israélinne, elle a étudié la littérature au Bennington College, finissant ses études à la Parsons School of Design où elle a obtenu son BFA en photographie.
En 1988 après avoir reçu son MFA de l’Université de Yale et accompli un travail d’envergure sur les Etats-Unis, elle part en Israël où elle a continue son travail photographique et devient professeur de photographie à la Bezalel Academy of Art and Design à Jerusalem, au Hadassa College of Art and Design à Haifa et à la Kalisher School of Art à Tel Aviv. Mettant à profit sa présence dans la région, elle réalise de nombreux projets documentaires et sociaux pour sensibiliser l’opinion publique sur le processus de paix au Moyen-Orient.
De 1988 à 1993 elle voyage du nord au sud d’Israël pour sa série de portraits intitulée « Some Arabs and some Jews ». Ce travail est exposé dans tout le pays, avec Amanoot La’am, tant aux populations arabes qu’israéliennes.
De 1994 à 1997 elle a travaillé sur le projet « Le Golan », une série de paysages sur ce territoire contesté au nord d’Israël. Ce travail est exposé au Musée d’Israël à Jérusalem en 1997. Son projet « Beyond Borders » (1995-2001) fait référence, réunissant étudiants israéliens et palestiniens dans un projet commun, utilisant la photographie comme un médiateur. Les fruits de ce projet sont exposés dans diverses zones de conflits, de Belfast à Belgrade, en passant par Dublin, jusqu’à Jérusalem et Gaza.
« Beyond Borders » est également présentée dans plusieurs villes aux États-Unis et en Europe.
De 1991 à 2005, en parallèle à ses projets documentaires, elle consacre à sa famille un projet personnel intitulé « Lifelike ».
En 2001 elle s’intalle à Paris où elle enseigne la photographie à la Parsons School of Design et également à l’Ecole Supérieure d’Art et de Design (ESAD) à Amiens et au CEA- Campus Global à Paris.En septembre 2011 elle devient professeure associée à Sciences Politiques, à Paris.
Son travail a été exposé au Musée d’Art Moderne (MoMA) à New York, au Musée d’Israël à Jérusalem et au Jeu de Paume à Paris.
Ses photographies font partie de plusieurs collections privés internationales.

Dates

Novembre 26 (Mardi) 14 h 00 min - Janvier 18 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Madé

30 rue Mazarine 75006 Paris

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jeu07nov(nov 7)10 h 00 min2020sam18jan(jan 18)19 h 00 minStill LifeIrving PennGalerie Thaddaeus Ropac, 7 Rue Debelleyme, 75003 Paris

Détail de l'événement

La Galerie Thaddaeus Ropac Paris présente l’exposition Still Life du photographe américain Irving Penn (1917-2009), consacrée à ses natures mortes, dont la célèbre série des Street Material, des Cigarettes et des Fleurs. L’exposition présente une sélection de photographies prises à New York pendant six décennies dans le cadre de publications telles que Vogue, ainsi que lors de ses voyages. Irving Penn a créé certaines des natures mortes les plus mémorables du XXe siècle, et son approche novatrice a fait de lui l’un des photographes les plus influents de son époque.

Irving Penn compose ses natures mortes comme un peintre, travaillant avec des appareils photographiques de grand format, et s’efforce inlassablement d’élargir les possibilités créatives du médium. Il a été profondément impliqué dans chaque étape, de la composition méticuleuse de l’image à la réalisation de ses propres épreuves. Contrairement à la plupart des photographes d’art, il expérimente avec des tirages platine palladium et gélatino-argentique afin de donner à chacune de ses œuvres une texture distinctive et un caractère original. Avec sa signature unique et son esthétique rigoureuse, il demeure une influence stylistique déterminante et une inspiration constante pour d’innombrables successeurs.

La Galerie Thaddaeus Ropac représente la Fondation Irving Penn, en collaboration avec Pace/MacGill Gallery, New York, depuis septembre 2017. L’ouverture de cette exposition coïncide avec Paris Photo 2019 au Grand Palais.

Dates

Novembre 7 (Jeudi) 10 h 00 min - Janvier 18 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Thaddaeus Ropac

7 Rue Debelleyme, 75003 Paris

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