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Laurent Mignonneau, les artistes et les robots (Grand Palais)

Marie-Elisabeth De La Fresnaye10 mai 2018

Temps de lecture estimé : 2mins

Dans une société de plus en plus dématérialisée, les artistes s’intéressent d’autant plus aux robots que l’intelligence artificielle est en train de bouleverser l’existence des humains et jusqu’à la condition de l’oeuvre d’art : sa production, son exposition, sa diffusion, sa conservation, sa réception.

Parmi ce panorama prospectif et hyper stimulant de Nicolas Shcöffer (le créateur du premier robot) à Miguel Chevalier, je retrouve Christa Sommerer et Laurent Mignonneau, ce dernier revenant sur “Portrait on the Fly” et la place de l’artiste face à ces mutations.

Infos pratiques :
Artistes & Robots
jusqu’au 9 juillet 2018
Grand Palais
https://www.grandpalais.fr/fr

Marie-Elisabeth De La Fresnaye

Après une formation en littérature et histoire de l'art, Marie de la Fresnaye intègre le marché de l'art à Drouot et se lance dans l'événementiel. En parallèle à plusieurs années en entreprise dans le domaine de la communication éditoriale, elle créé son blog pour partager au plus grand nombre sa passion et expertise du monde de l'art contemporain et participe au lancement du magazine Artaïssime.

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Type d'événement

Type d'événement 2

Lieu de l'événement

Organisateur de l'événement

sam10oct(oct 10)0 h 00 min2021dim03jan(jan 3)0 h 00 minChroniques de l'invisibleExposition CollectiveLe Grand Café Saint-Nazaire, Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-NazaireType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Dernière étape du cycle Généalogies fictives, conçu par le commissaire Guillaume Désanges à l’invitation du Grand Café, Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible est une exposition qui joue sur des relations entre visibilité et invisibilité, proximité et distance, l’ici et l’ailleurs. Ce projet part d’une proposition faite à cinq artistes d’imaginer des interventions artistiques à l’extérieur du Grand Café, dans des espaces publics ou privés de la région de Saint-Nazaire. De ces gestes déposés « hors les murs » et volontairement non médiatisés, l’exposition du Grand Café n’accueille que les traces ou les échos déformés, qui composent ensemble une exposition autonome, formellement et sensuellement indépendante de son protocole d’origine. Comme pour les deux précédentes étapes de ce cycle, ce projet travaille l’histoire et la géographie de la ville, mais cette fois dans un régime spectral, celui de la rumeur, de la clandestinité et de la figuration d’un ailleurs. C’est la traduction poétique ou symbolique d’une absence qui est au coeur de ce projet, laissant la sensibilité, l’imagination et la croyance du visiteur prendre le relais de la compréhension d’un message ou de la réception d’une oeuvre soumise à son regard.

Cette expérience va puiser à plusieurs sources. La première est une réflexion critique sur l’art dans l’espace public, qui est trop souvent considéré comme une simple extension du musée, autrement dit un espace à conquérir ou annexer où l’oeuvre conquérante vient se poser et s’imposer. Ici, on privilégie à l’inverse des gestes non assignés, parfois invisibles, qui ne laissent pas toujours de traces, et restent minoritaires et non dominants par rapport à leur contexte d’apparition. Des oeuvres pour un regard éventuel mais pas certain, pour des rencontres fortuites, pour des témoins conscients ou inconscients autant que pour les animaux ou les éléments. De l’art pour le vent, la mer, le soleil ou les oiseaux. Dès lors, ces interventions, modestes par nécessité, mesurent la capacité de l’art à résister, survivre mais aussi poétiser librement le monde sans la pression d’un regard de spectateur déterminé et déterminant. Petite leçon d’humilité objectale : des oeuvres clandestines, abandonnées, exilées dans le réel, doivent nécessairement négocier avec leur écosystème.

La deuxième source à l’origine de ce projet concerne une exposition intitulée Nul si découvert que j’avais organisée en 20111, qui reposait sur l’idée d’expérience impossible à travers une sélection d’oeuvres se désagrégeant à l’instant même où elles pouvaient être observées. Inspirées par la pensée de Susan Sontag, pour qui l’art absolu, le plus ambitieux et le plus édifiant est un art privatif, de l’effacement, du retrait, un art des rumeurs et « des mélodies non entendues qui perdurent, à l’inverse que celles, évanescentes, qui sifflent à l’oreille des sens »2.
Soit l’inaccessibilité comme moteur émotionnel et cognitif.

La troisième source, enfin, est une exposition organisée par le collectif japonais Chim Pom en 2015, qui proposait à des artistes d’intervenir dans la zone d’exclusion de la ville de Fukushima marquée par la catastrophe nucléaire. Dans une logique de l’urgence, il s’agissait d’installer des oeuvres dans une zone devenue inaccessible au public parce qu’irradiée, et dont l’exposition tournante ne présentait que des traces ou de la documentation. Ce projet avait représenté pour moi une passionnante réaction, à la fois poétique et politique, au caractère sidérant, et potentiellement neutralisateur d’un danger précisément invisible. Le très beau titre de l’exposition Don’t follow the wind (Ne suivez pas le vent), était en soi un avertissement et une invitation, injonction mélancolique à laisser exister un ailleurs sans expérience directe.
C’est de fait à une expérience particulière pour le public, mais aussi pour les artistes et le commissaire qu’invite le protocole de l’exposition Record of the Invisible / Chroniques de l’invisible. Une exposition qui considère les oeuvres d’art comme les témoins d’une absence, mais dont la trace, médiatrice et intercesseuse, s’avère finalement plus importante que l’objet original. C’est là tout l’enjeu de cette expérience curatoriale à deux dimensions : comment rendre compte, artistiquement, c’est-à-dire par la forme et non par le récit, d’une série de gestes lointains. Car depuis le début de ce projet, il ne s’agit donc pas de documenter, mais de « faire exposition ».
Pour ce faire, les artistes ont produit des formes spécifiques ou convoqué des oeuvres existantes recomposées comme un rébus. Dans tous les cas, ces traductions incertaines, symboliques, poétiques ou métaphoriques sont censées s’autonomiser, échapper à leur statut de substituts pour créer une forme nouvelle.
Dans la continuité de l’exposition précédente du cycle , qui proposait de travailler un commissariat en « circuit-court », c’est-à-dire en présentant des oeuvres et documents issus de l’histoire locale, cette exposition prend la ville de Saint-Nazaire et son environnement immédiat comme base de travail.

En effet, le processus a d’abord consisté à proposer aux artistes de choisir des lieux d’interventions en arpentant la ville et ses environs, avec une grande ouverture sur les topographies possibles : espace public ou privé, dans la ville, à la campagne, sur la côte, dans la mer, accessible ou pas. La méthode a donc été celle de l’étude de terrain, nourrie de storytelling et de recherches locales, à laquelle les artistes ont participé activement. Comme le suggère le titre de l’exposition, il s’agissait de se concentrer principalement sur des points aveugles, des angles morts de l’histoire et de la géographie locales.
À partir de ces bases, chaque artiste a pu interpréter comme il le souhaitait l’invitation à déposer un geste hors les murs, qui pouvait être un objet, une action, un retrait ou une observation. De fait, les artistes ont répondu de manière très diverse à cette proposition très ouverte, chacun s’emparant d’un morceau d’histoire ou de géographie de la ville. Ignasi Aballí a choisi de se focaliser sur l’histoire du musée des beaux-arts de Saint-Nazaire, disparu pendant la guerre, dont il replace des signes dans la ville, comme une présence fantomatique. Edith Dekyndt, elle, s’est intéressée à l’histoire du Grand Café, au moment de sa splendeur romantique au début du 20e siècle : sous des halles de plein air, face à la mer, une lumière suit les circonvolutions d’un couple invisible qui danse une valse. Eva Barto aborde l’histoire économique et industrielle de la ville et notamment la circulation de matériaux entre industrie navale, métallurgie et artisanat local. Lois Weinberger, lui, a proposé de s’adresser directement aux oiseaux qui survolent les Forges de Trignac, en leur construisant un abri qui redonne, de manière à la fois concrète et symbolique, une vie sociale à ce site industriel abandonné. Ismaïl Bahri, lui, propose divers moments d’observation des éléments extérieurs de la région, et en livre des échantillons dans l’espace d’exposition.

Toutes ces actions spécifiques sont enrichies dans les espaces du Grand Café d’oeuvres qui résonnent avec les questionnements de l’exposition.
En lien avec l’esprit du cycle, la généalogie révélée par ce projet est donc d’abord celle d’un territoire. Imprégné, hanté par des couches de réalités enchevêtrées, un lieu est toujours une entité géopolitique complexe, dont la surface apparemment stable masque un bouillonnement de récits souterrains, naturels et culturels, humains et non humains, individuels et collectifs. D’une forêt de chênes saisie dans la tourbe depuis 5000 ans à une mangrove mystérieuse formée dans les vestiges d’une usine métallurgique séculaire. Des théories philanthropiques du patronat du XIXe siècle au destin mondial des chantiers de l’Atlantique. De tombes mégalithiques construites il y a 6000 ans aux derniers phares habités de l’estuaire. De ces faits enchaînés les uns aux autres dans la topographie aussi bien que dans l’esprit des lieux, nous n’avons que des échos ou des bribes éparses qui ont servi de matériau aux artistes. Dès lors, la généalogie ici mise à jour est aussi celle d’une ligne trouble entre le réel et la fiction, entre l’histoire et l’art, entre l’oeuvre dehors et son récit dedans. Des généalogies incomplètes, incertaines, toujours partiellement inventées ou fantasmées. C’est pourquoi les artistes n’ont pas été choisi.e.s parmi les chercheurs ou les documentaristes. Ils et elles ont été choisis pour leur capacité à détourner plus qu’à reporter fidèlement une situation donnée. On l’aura compris, on privilégie ici l’abstraction et la poésie à l’information. C’est aussi pourquoi, dans l’exposition, l’ensemble des sources factuelles ont été réunies, en vrac, dans une salle des récits, sorte d’antichambre narrative de l’exposition, volontairement déconnectée des formes artistiques. Une manière de créer une généalogied’un espace à l’autre, d’un récit à une forme, de l’oral au visuel, en préservant volontairement une distance entre sujet et objet de l’exposition. C’est dans ces écarts spatiaux et temporels que se joue l’essentiel de ces chroniques de l’invisible, et c’est là précisément que réside le caractère passionnément fictif de ces généalogies.
Guillaume Désanges

Notes :
1 – Void If Removed / Nul si découvert (Concrete Erudition 4), Le Plateau, Frac Île-de-France, 2011, avec des oeuvres de Bas Jan Ader, Eric Baudelaire, Bernard Bazile, Alighiero Boetti, Chris Burden, Coop Himmelblau, Marcel Duchamp, Ceal Floyer, Ryan Gander, Dora Garcia, Joseph Grigely, Ann Veronica Janssens, Jiri Kovanda, Joao Louro, Julien Loustau, Daniel Pommereulle, Stephen Prina, Anna-Maria Maiolino, Man Ray, Lawrence Weiner, Ian Wilson, Carey Young, Rémy Zaugg
2 – Susan Sontag, « The Æsthetics of silence » in Styles of radical will, New York Picador, États-Unis, 2002
3 – Exposition Contre-Vents, Solidarités ouvrières, étudiantes et paysannes dans l’Ouest de la France : une généalogie, 26 mai – 29 septembre 2019, Le Grand Café – centre d’art contemporain, Saint-Nazaire

Dates

Octobre 10 (Samedi) 0 h 00 min - Janvier 3 (Dimanche) 0 h 00 min

Lieu

Le Grand Café Saint-Nazaire

Place des 4 Z'horloges, 44600 Saint-Nazaire

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mar15déc(déc 15)13 h 00 min2021dim31jan(jan 31)19 h 00 minLos equilibrios crucialesJuanan RequenaLe Château d’Eau - Pôle photographique de Toulouse, 1, Place Laganne 31300 ToulouseType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Juanan Requena est l’artisan d’un monde original, où chaque image, chaque mot, sont une trace sur le chemin qu’il nous donne en partage. Il répète souvent No hay que detenerse (il ne faut pas s’arrêter). Il ne faudrait pas croire qu’il s’agit là d’une quelconque injonction à l’urgence, mais plutôt d’un désir tenace de tracer – plutôt que de suivre – un chemin, poursuite inlassable, avide de lumière, de fulgurances et de grâce. » Jesús Micó

La Galerie Le Château d’Eau présente l’exposition-résidence de Juanan Requena, « Los equilibrios cruciales » programmée par l’Espace Saint-Cyprien du 15 décembre 2020 au 31 janvier 2021, sur l’ensemble des galeries.
Pendant deux mois, Juanan Requena installera son atelier dans la galerie. Tout au long de cette
période, il investira les lieux dans une démarche évolutive, tel un carnet de recherche et création.
Images existantes, images à inventer, écriture, pratique fragmentaire : l’oeuvre sera entière en fin de
résidence, mais visible en construction au quotidien.

« Juanan Requena est un alchimiste de la lumière et du verbe, mais aussi des pierres, du bois, des cordes, du papier… Il aime gratter, coller, écrire, raturer, construire et rénover, faire et défaire, tissant sans cesse des chemins multiples dans une quête constante de la poésie du quotidien…. » Magazine 9 Lives, déc. 2016

Juanan Requena est un artiste foisonnant et un insatiable créateur. A travers des tirages argentiques veloutés, souvent virés au café sur lesquels parfois il écrit, et l’utilisation de matériaux et objets qui ont vécu, tel le bois ou des lampes récupérés, recyclés, des couvertures de livres, il crée un univers chaleureux, affectif, inventif et mystérieux.
Chacune de ses séries regorge de réflexions, d’objets uniques, d’accrochages fantaisistes, de journaux et d’agendas aux façonnages variés : carnets, accordéons, collages… Il interroge autant la pratique du tirage argentique, le rapport de l’écrit et de l’image, que la forme du livre d’artiste.
A l’instar d’un road trip, son travail trace une route nourrie de son histoire personnelle de voyage, d’erreurs, de petits boulots et de tournées avec des groupes de rock.
A la fois intimiste et accessible, son œuvre invite à rechercher l’intensité dans chaque instant tout en explorant un ressenti philosophique de vie, jour après jour, sublimé par la photographie.

Juanan Requena, photographe espagnol, né en 1983 vit et travaille à Nauchipán en Espagne.
Il est représenté par la Galerie Vu’ en France.
Fort de multiples expositions personnelles (Espagne, France, Suisse, Chine), d’un prix du livre à PhotoEspaña et finaliste à Arles en 2017, Juanan Requena s’annonce comme un des grands photographes espagnols de sa génération.

Dates

Décembre 15 (Mardi) 13 h 00 min - Janvier 31 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Le Château d’Eau - Pôle photographique de Toulouse

1, Place Laganne 31300 Toulouse

Le Château d’Eau - Pôle photographique de Toulouse1, Place Laganne 31300 ToulouseOuvert de 13h à 19h du mardi au dimanche

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sam19sep(sep 19)14 h 00 min2021dim31jan(jan 31)18 h 00 minNous ! L'apparence de la véritéLe portrait photographique de 1840 à nos joursLa Chapelle Art Contemporain, Impasse de l’Abbaye 78120 Clairefontaine-en-YvelinesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Avec l’apparition de la photographie, c’est l’accès au portrait qui se démocratise ; le portrait peint étant alors réservé à une caste aristocratique ou à une élite bourgeoise.
Après les daguerréotypes, le succès et l’attrait pour le portrait photographique se confirment avec l’invention de Disdéri, « les portraits cartes », qui rencontre rapidement un vif succès. Outre sa rapidité et son prix, le grand avantage est de rendre possible la reproduction et le tirage en de nombreux exemplaires.
À ses débuts, la photographie est avant tout une prouesse scientifique, un dispositif mécanique apparemment neutre, au plus près du réel. Dès les premières décennies de son histoire, la photographie explore déjà pour ainsi dire la totalité des sous-genres du portrait que nous pratiquons encore actuellement : des portraits officiels, le nu, les portraits de célébrités, le portrait familial – notamment le portrait de mariage et les portraits d’enfants -, l’autoportrait, le portrait de groupe, le portrait historisant, le portrait fictif, …
Pourtant, dès son invention, elle est au service de la mise en scène, de l’artifice et l’illusion. Selon Nadar, un « bon » portrait doit être plus fidèle à la perception humaine qu’à la physique: « La photographie est à la portée du premier des imbéciles, elle s’apprend en une heure. Ce qui ne s’apprend pas, c’est le sentiment de la lumière et encore moins l’intelligence morale de votre sujet, et la ressemblance intime humaine. »
D’autres photographes suivent cette lignée en s’éloignant de la mise en scène : fond neutre ; restriction du cadrage au visage ; préférence des tenues du quotidien ou du nu afin d’en livrer son intériorité ; suppression de toute interaction avec les modèles en les photographiant à la dérobée.
Puis au contraire, les photographes ont joué de cette impossibilité avec des mises en scène réfléchies et travaillées, leur autoportrait, comme de véritables plasticiens où l’appareil photographique remplace le pinceau.
Aujourd’hui plus de trois milliards d’images sont partagées chaque jour sur les réseaux sociaux, des images prises en rafales et sans attention. Notre quotidien se veut aujourd’hui sans secrets et sans mystère, nous sommes prêts à tout exposer, et surtout notre propre personne. En 1859, Baudelaire s’est insurgé contre la photographie : « Cette société immonde qui se rua, comme un seul Narcisse, pour contempler sa triviale image sur le métal. » Et si, aujourd’hui, Narcisse avait un Smartphone ? Que penserait-il de l’autoportrait de notre époque ?

Cette exposition rend hommage à Christian Courrèges

Les samedis de novembre et décembre, un artiste photographe pourra vous photographier seule(e), en famille ou entre amis.

Interruption de fin d’année : fermeture à partir du 19 décembre 2020 ; réouverture samedi 9 janvier 2021

Photo : © Gideon Lewis © Richard Avedon

Dates

Septembre 19 (Samedi) 14 h 00 min - Janvier 31 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

La Chapelle Art Contemporain

Impasse de l’Abbaye 78120 Clairefontaine-en-Yvelines

La Chapelle Art ContemporainImpasse de l’Abbaye 78120 Clairefontaine-en-YvelinesExposition ouverte les samedi, dimanche et jours fériés de 14h à 18h

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mar30jui(jui 30)11 h 00 min2021sam22mai(mai 22)18 h 00 minJuifs du Maroc, 1934-1937 Photographies de Jean BesancenotPhotographies de Jean BesancenotmahJ - Musée d'art et d'Histoire du Judaïsme, Hôtel de Saint-Aignan 71, rue du Temple 75003 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Datant des années 1934-1937, les photographies de Jean Besancenot offrent un témoignage exceptionnel sur les communautés juives rurales du Maroc, aujourd’hui disparues.

Né Jean Girard, Jean Besancenot (1902-1992) fréquente l’École des arts décoratifs à Paris, entame une carrière de peintre et étudie les costumes régionaux français. À l’occasion d’un voyage d’études au Maroc, en 1934, il se met à la photographie en s’intéressant aux vêtements traditionnels. Grâce à une aide du ministère des Affaires étrangères, il y séjourne en 1935 et 1936, photographie les hommes et femmes des différentes communautés et documente avec soin leurs costumes de cérémonie.

Parallèlement à ses photographies, Besancenot filme, dessine et prend de nombreuses notes, qui l’introduisent dans le milieu, alors très actif, de l’ethnologie française. En 1937, son travail est exposé au musée de la France d’outre-mer, dans le palais de la porte Dorée inauguré en 1931 lors de l’Exposition coloniale. Il y présente des photographies, un choix de peintures, ainsi que quelques costumes et bijoux. Il collabore aussi avec le musée de l’Homme, auquel il offre cinq cent cinquante clichés documentés, ainsi que des vêtements. En 1942, il publie Costumes et types du Maroc, un ouvrage reproduisant ses dessins rehaussés à l’aquarelle qui reste une référence essentielle sur le vêtement traditionnel marocain.

Jean Besancenot explore en particulier les régions les plus méridionales du pays, peu touchées par l’occidentalisation, où vivent, mêlées aux populations berbères, des communautés juives présentes parfois depuis l’Antiquité. Réalisées pendant la période du protectorat français, ses images reflètent une grande proximité avec ses modèles, lui permettant de mêler enjeux esthétiques et exigence scientifique. Son œuvre documente de manière irremplaçable la culture juive au Maroc, et en particulier les costumes et les parures féminines, dont le répertoire est parfois commun avec celui des femmes musulmanes.

L’exposition réunit de nombreux tirages originaux réalisés par Besancenot lui-même, provenant de collections publiques et privées, et présente, sous la forme d’un audiovisuel, un large choix d’images issues du riche fonds de ses négatifs originaux.

Commissaires

Hannah Assouline et Dominique Carré

Coordination

Nicolas Feuillie, mahJ

Partenaires

Avec le concours du musée du quai Branly – Jacques Chirac, de l’Institut du monde arabe et du musée berbère, fondation Majorelle, Marrakech

Dates

Juin 30 (Mardi) 11 h 00 min - Mai 22 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

mahJ - Musée d'art et d'Histoire du Judaïsme

Hôtel de Saint-Aignan 71, rue du Temple 75003 Paris

mahJ - Musée d'art et d'Histoire du JudaïsmeHôtel de Saint-Aignan 71, rue du Temple 75003 ParisDu mardi au vendredi : 11 h à 18 h / Samedi et dimanche : 10 h à 18 h

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dim01nov0 h 00 min2021lun18jan(jan 18)0 h 00 minRésidence d’artiste(s) à Bagnères de Bigorre : « En suspens » Organisateur: Résidence Traverse Type d'événement:PhotographieType d'événement 2:Résidence

Détail de l'événement

Traverse propose un nouvel appel à candidature (ouvert aux collectifs d’artistes) s’inscrivant dans le cadre des « Résidences de Territoire » soutenues par la DRAC Occitanie. La résidence se déroulera sur tout le territoire de la Communauté des communes de Haute-Bigorre du 1er avril au 31 mai 2021.

Appel à résidence 2021: Projet photographique participatif autour du thème : « En suspens »
Cet appel à projet s’inscrit dans le cadre du dispositif de la DRAC Occitanie « Résidence de Territoire »

Cadre de la Résidence de Territoire / Objectifs

En 2021, fort des six résidences précédentes, Traverse propose un nouvel appel à candidature (ouvert aux collectifs d’artistes) s’inscrivant dans le cadre des « Résidences de Territoire » soutenues par la DRAC Occitanie.

La résidence se déroulera sur tout le territoire de la Communauté des communes de Haute-Bigorre : elle est composée de 24 communes rurales, dont Bagnères de Bigorre est la ville principale avec ses 8000 habitants.
La dimension participative doit être l’axe majeur du projet présenté. Le projet doit être spécifiquement élaboré pour cette résidence et son territoire.

Il s’articule autour des trois axes suivants :

1/ Médiation, rencontres avec les habitants
L’objectif est de permettre au plus grand nombre la rencontre avec l’artiste et son œuvre.
L’artiste propose des interventions en lien avec ses pratiques, sa démarche artistique et le projet spécifiquement pensé pour la résidence, autour du thème proposé, auprès de structures locales : établissements médico-socio-éducatifs et associations représentatives du territoire.
Ces actions doivent prendre plusieurs formes tant théoriques que pratiques, complémentaires les unes des autres : ateliers suivis durant les deux mois avec des groupes constitués (environ 5 structures partenaires), ateliers ponctuels ouverts à tous les publics et soirées tous publics autour des influences artistiques du photographe (environ 5 rendez-vous attendus).

2/ Création pour et avec le territoire
L’artiste devra construire son travail autour du thème « En suspens ». Au minimum une vingtaine de clichés sont attendus. L’accrochage, à l’issue de la résidence, se fera dans l’espace public, au terme d’une concertation entre l’association Traverse et l’artiste. Tout médium pourra être envisagé. Il est attendu que l’artiste participe à l’accrochage, ainsi qu’à la réflexion et à la recherche de lieux pertinents pour cette exposition.
Dans une volonté de visibilité et de diffusion du travail effectué, la fin de résidence se clôturera par un vernissage. Un objet sera réfléchi et créé en collaboration entre l’association Traverse et l’artiste afin de valoriser le travail effectué au cours de la résidence. La réflexion autour de cet objet final peut faire partie intégrante du projet global proposé par l’artiste.

3/ « Rétrospective » de l’œuvre de l’artiste
Afin de présenter la démarche globale de l’artiste, il lui sera demandé de penser une exposition de ses travaux précédents durant le premier mois de la résidence.

L’association Traverse, porteuse du projet

Située dans les Hautes-Pyrénées, Traverse propose depuis 15 ans une programmation pluridisciplinaire contemporaine. La notion de rencontre et de partage est, pour l’équipe, l’élément fondateur d’une vie en collectivité. Grâce aux artistes qui représentent de véritables catalyseurs de rencontres, l’association développe un projet qui permet de mettre en valeur un territoire tout en favorisant le lien social entre ses habitants. Ce projet s’articule autour de trois axes d’activité :
– la diffusion , grâce à une programmation pluridisciplinaire dans les champs du spectacle vivant, des musiques actuelles, du cinéma et de la photographie ;
– le soutien à la création contemporaine grâce à des résidences de création artistique et à de la coproduction ;
– l’accompagnement des œuvres grâce à des résidences et des actions de médiation culturelle Riche de son environnement naturel préservé́ et de son ouverture culturelle, la Communauté de Communes de Haute-Bigorre offre un cadre de réflexion propice à l’expérimentation, au développement ainsi qu’au croisement des pratiques artistiques contemporaines. Située à 550 mètres d’altitude au pied du Pic du Midi et des cols d’Aspin et du Tourmalet, la ville de Bagnères de Bigorre est à la fois ville thermale et proche des stations de ski. Cet environnement fortement emprunt de la présence de la nature amène bien souvent les artistes à envisager leurs projets dans un dialogue avec le paysage.

Collaboration entre l’artiste et l’association Traverse

La résidence s’adresse à un artiste cherchant à développer une proposition artistique participative en lien avec le territoire de la Haute-Bigorre. Sur place, l’équipe de l’association Traverse met à la disposition de l’artiste accueilli son réseau de personnes et de structures ressources permettant au projet artistique de s’inscrire dans le contexte local. L’objectif étant de faciliter l’intégration, la réalisation et la diffusion des œuvres produites en résidence en fonction des besoins énoncés et échangés avec l’artiste.

Propriété des œuvres
Le photographe demeure propriétaire des œuvres produites durant la résidence.
Pour une durée de vingt ans, le photographe cède à titre gracieux et non exclusif à l’association Traverse, les
droits de représentation et de reproduction afférents aux prises de vue sélectionnées parmi les prises de vue
remises par le photographe.
Les tirages et agrandissements, réalisés pour l’exposition, seront placés sous la garde de l’organisateur de la
résidence, l’association Traverse. Cette dernière devient propriétaire et responsable de leur conservation :
elle ne peut les détruire ou les modifier (porter atteinte à leur intégrité) sans l’autorisation de l’artiste ou de
ses ayants-droits.
L’association Traverse envisage l’édition d’un livret ou de tout autre objet permettant de conserver une trace
du travail effectué sur le territoire et de rendre l’expérience transférable.

Durée et dates de la résidence de territoire / Organisation
L’artiste réside au minimum 2 mois sur le territoire, un temps suffisamment long pour que sa
présence soit réellement notable auprès des habitants.
Repérage : mars 2021
Suite à sa sélection, l’artiste viendra au minimum une semaine en repérage sur le territoire afin de
rencontrer les acteurs et de co-construire le programme de médiation de sa résidence.
Résidence : du 1° avril au 31 mai 2021
L’artiste vient en résidence et met en place son travail d’éducation artistique et culturelle ainsi que son travail
de création co-construit avec le territoire. Il élabore également, en collaboration avec Traverse, l’accrochage
final dans l’espace public.
Post-production et tirages : du 1° juin au 26 juin 2021
Cette étape de travail de l’artiste peut se faire sur place ou à distance. Attention à bien veiller à prévoir un
délais de 15 jours pour la fabrication et l’envoi des photographies au siège de l’association.
Accrochage et vernissage :
La date du vernissage est fixée au week-end du 3 juillet 2021
L’accrochage aura lieu au plus tôt à partir du 26 juin en fonction des nécessités techniques et en
collaboration avec l’équipe de Traverse.

Cadre juridique
Un contrat de résidence spécifiant les engagements de l’association Traverse et de l’artiste accueilli, sera
signé avant le début du séjour.
L’artiste devra disposer d’un numéro SIRET et/ou MDA ou Agessa lui permettant d’émettre des factures.

Moyens mis à disposition
– Les frais d’hébergement seront pris en charge par la CCHB ou par l’association Traverse
– Un forfait de 200€ sera octroyé pour les frais de déplacement du lieu d’habitation de l’artiste au territoire concerné.
– La rémunération de l’artiste sera de 3 000 € par mois, soit 6000 € TTC pour la totalité de la résidence (repérage, frais agessa et post-production inclus).
– Les frais de production : impressions, tirages et fournitures pour l’action culturelle et le vernissage seront couverts à hauteur de 3500€ maximum, ce budget sera géré par l’association Traverse.
– Communication : les frais de communication (réceptions, publications, mailing, vernissages) sont pris en charge par l’association Traverse.
– Atelier : 1 salle de 40 m2 située à Bagnères de Bigorre est mise à disposition de l’artiste. Le lieu de résidence ne dispose d’aucun matériel technique.

Candidature
La sélection se fera conjointement avec les partenaires : la DRAC Occitanie et un jury composé par l’association Traverse. Les candidats devront répondre au cahier des charges de cet appel à candidature : la proposition doit être participative, inventive et résonner avec le territoire.

Dossier de candidature attendu :
– Un dossier de présentation des travaux déjà réalisés (visuels)
– Une note d’intention présentant le projet participatif de l’artiste pour cette résidence incluant les actions de médiation envisagées, la présentation spécifique du travail de création, les intentions d’accrochage et d’insertion de l’œuvre dans la ville et sa valorisation.
– Un CV
– Tout document jugé intéressant pour appuyer le dossier

La DRAC Occitanie impulse une nouvelle dynamique d’accès du plus grand nombre à l’offre culturelle dans les territoires ruraux, avec une attention particulière portée à la jeunesse.
La Résidence de Territoire a pour objet de favoriser la rencontre entre les habitants, un artiste, une œuvre et une démarche créative en s’appuyant sur une présence artistique forte et des collaborations avec les acteurs du territoire. La Résidence de Territoire s’apparente aux résidences de diffusion territoriale telles que précisées dans la circulaire du Ministère de la Culture et de la Communication du 13 janvier 2006 relative au soutien des artistes et à des équipes artistiques dans le cadre de résidences. La Résidence de Territoire est une résidence d’éducation artistique et culturelle. Elle peut intégrer un volet création dans la mesure où la production est participative ; c’est-à-dire en lien avec les habitants.
« Pour l’artiste ou le professionnel résident, il s’agit, plus particulièrement, de s’engager dans une démarche expérimentale d’action culturelle, et plus précisément d’éducation artistique et culturelle, donnant à voir et à comprendre la recherche artistique qui l’anime ainsi que le processus de création qu’il met en œuvre ».
La Résidence de Territoire vise à développer les synergies, croiser les publics et aller à la rencontre de nouveaux publics. Le public particulièrement ciblé dans ce cadre est le public jeune (scolaire ou non) ainsi que les publics éloignés de l’offre culturelle et artistique.
Cette résidence fait l’objet d’un partenariat entre la DRAC Occitanie, la Communauté de communes de Haute-Bigorre (CCHB) et l’association Traverse.

Dates

Novembre 1 (Dimanche) 0 h 00 min - Janvier 18 (Lundi) 0 h 00 min

Organisateur

Résidence Traverseresidencetraverse@gmail.com

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