Participez à une visite privée pour découvrir l’exposition de Valérie Jouve au Petit Palais

Valérie Jouve, Sans titre - Mey Semtati © Valérie Jouve / Courtoisie de l’artiste et de la Galerie Xippas Paris. Adagp 2018.

L'Actu, News, Photo

by La Rédaction on 1 novembre 2018

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Participez à une visite privée pour découvrir l’exposition de Valérie Jouve au Petit Palais

Temps de lecture : 1 minute et 5 secondes

9 Lives magazine s’associe à CultureSecrets pour vous permettre de participer à la visite privée du 9 novembre prochain, pour découvrir l’exposition de Valérie Jouve au Petit Palais. Les six invitations sont à remporter dès maintenant ! Pour participer, il vous suffit d’envoyer un mail à info@9lives-magazine.com avec vos nom et prénom (possibilité d’y ajouter ceux de votre accompagnant.e ). Les six premiers lecteurs à participer seront les heureux gagnants.

> Concours clôturé !

Dans le cadre de la semaine de la photo, CultureSecrets vous propose de commencer la journée avec une visite privée de l’exposition de la photographe Valérie Jouve au Petit Palais, en compagnie de la commissaire d’exposition Susana Gállego Cuesta. Un rendez-vous matinal à ne pas manquer !
Chaque année depuis 4 ans, le Petit Palais invite un artiste contemporain à dialoguer avec son prestigieux fonds ancien. Cette année, Valérie Jouve, photographe engagée et figure de la scène artistique contemporaine, relève le défi en exposant 30 de ses oeuvres au sein des collections permanentes du musée.
Après des études d’anthropologie, Valérie Jouve se consacre rapidement à la photographie. En plongeant le visiteur dans un univers urbain habité de présences fortes, ses clichés de Personnages, Façades ou Situations, mis au regard des chefs d’oeuvre du Petit Palais invitent à repenser la rue d’hier au regard de celle d’aujourd’hui ou à s’interroger sur la représentation de la femme dans l’histoire de l’art.

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INFORMATIONS PRATIQUES
Exposition de Valérie Jouve en présence de la commissaire d’exposition Susana Gállego-Cuesta
Le Vendredi 9 novembre à 9h

sam13oct10 h 00 min2019dim13jan18 h 00 minValérie JouvePetit Palais, 5, avenue Dutuit 75008 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

« Je dis toujours qu’une photographie de rue doit sentir le bitume et la crasse. »

En 2015, Bruce Gilden quitte Brooklyn pour Beacon. L’heure est à la prise de recul, au regard rétrospectif sur plusieurs décennies de travail. Direction la campagne, après 35 ans de vie commune avec New York. Ce monstre urbain dont les rues crasseuses, rudes et énergiques n’existent plus qu’au cinéma et dans les livres de photographie. Dans le déménagement, suivent des milliers de négatifs et des cartons de planche-contacts qu’il n’avait jamais pris le temps d’éditer.

« Lost & Found » est une plongée sans filtre dans le travail de jeunesse du grand photographe de Magnum. Nous sommes au milieu des années 70. Gilden n’utilise pas encore de film couleur, ni de flash, procédé qui, plus tard, fera partie intégrante de son style si reconnaissable. L’occasion d’un voyage introspectif : « A l’époque, je n’étais pas au mieux de ma forme. J’avais la trentaine. J’étais fauché, angoissé, drogué. J’ai même failli mourir d’une overdose. Je m’étais embarqué dans la photo sans réelles perspectives. Et pendant quatre ans, j’ai conduit un taxi pour gagner ma vie… ».

On retrouve dans ces photographies « primitives » la patte de Gilden qui « dévore » New York « de haut en bas, en passant par la Huitième Avenue, la Neuvième Avenue, Delancey Street, la 34e Rue, Queens et Brighton Beach de temps en temps le samedi matin. » On ressent la proximité assumée, presque totale, avec son sujet. Il note : « J’ai toujours photographié de très près. Même si à mes débuts, j’intégrais davantage l’environnement urbain, ce qui permet de sentir les palpitations de la ville plus que les battement de coeur des gens. »

Dans les rues de Gilden, les habitants de New York ont tous la même gueule, cassée, granuleuse, écorchée par cette ville « qui respire l’énergie, le speed, l’anxiété, le stress ». « J’ai toujours pensé que j’aurais fait un excellent travail dans les années 20 et 30, quand la plupart des hommes portaient un chapeau et fumaient beaucoup… » Cigares et mégots, clochards et nantis, crins filasse et brushings peroxydés, manteaux à trous et pantalons à pince. Ils cohabitent dans d’étranges saynètes photographiques qui toujours cachent un élément mystérieux et les indices pour les spectateurs qui veulent le découvrir.

« J’aimerais vraiment qu’en regardant mes photos, les gens imaginent leurs propres histoires. Tout cela implique que le public comprenne ce qu’on attend de lui. Ce n’est pas toujours évident, parce que dans la rue, la plupart des gens ne verront pas ce que je vois. » Qui est cette femme qui hurle en silence dans une cabine téléphonique ? « Même si elle appelait à l’aide, personne ne pourrait l’entendre car elle est enfermée dans cette boite et il n’y a personne pour l’aider. Autour d’elle, la ville est en train de s’effondrer, mais personne n’y prête attention. »

Dates

Septembre 18 (Vendredi) 15 h 00 min - Octobre 31 (Samedi) 17 h 00 min

Lieu

Galerie Polka

12, rue Saint-Gilles 75003 Paris

Galerie Polka12, rue Saint-Gilles 75003 ParisOuvert du mardi au samedi de 11h à 19h00 ou sur rendez-vous

Calendrier GoogleCal

sam05sep14 h 00 minsam05déc19 h 00 minNulla è puroLorenzo VitturiCentre photographique Rouen Normandie, 15, rue de la Chaîne 76000 RouenType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Nulla è puro rassemble quelque dix années de recherche du photographe vénitien Lorenzo Vitturi (1980) en un précipité des trois grands projets de cet artiste alchimiste : Dalston Anatomy, Money Must Be Made et son tout récent Caminantes.
De l’un à l’autre, il est question de circulation : des cultures, des corps, des formes et de leur hybridation féconde. Embrassant selon son expression une sorte de « libertinage plastique », Lorenzo Vitturi manie un langage de pigments, de textures et de formes sculpturales maintenues en un fragile équilibre.

À Dalston, quartier multiculturel de l’East End de Londres (sa ville de résidence), il s’intéresse au marché local. Il y réalise des portraits, collecte des marchandises délaissées en fin de marché, des paroles de clients et de marchands, puis assemble cette matière hétérogène dans l’espace de son studio. Se rencontrent alors l’exubérance propre au territoire et les fantaisies personnelles de l’artiste. Ses natures mortes deviennent le lieu où composer les images d’un monde globalisé, aux prises avec les effets de la gentrification et autres mutations. Un peu plus tard, il répètera ce processus à Lagos au Nigeria, traduisant sur place puis dans son studio londonien les mécanismes d’assimilation et de résistance à l’œuvre au sein du marché de Balogun, ville dans la ville-monde.

Son dernier projet, Caminantes, poursuit cette même mise en scène du mouvement de cultures, inspirée cette fois de l’histoire familiale. Il reproduit alors le voyage de son père, originaire de Venise, qui, dans les années 1960, entreprit de se rendre au Pérou pour ouvrir une verrerie de Murano. Cette autre histoire de migrations sera le point de départ pour l’artiste d’un long voyage fait de multiples allers-retours entre Venise et le Pérou, entre leurs cultures, leurs formes, leurs matières. Nulla è puro nous dit-il : dans son monde, qu’on aimerait être le nôtre, « rien n’est pur », tout est poreux.

L’exposition se tient dans le cadre du festival Normandie Impressionniste, dont elle a reçu le soutien.

* Nous vous accueillerons sur une plage horaire étendue pour ce vernissage afin de respecter la jauge réduite et garantir le confort et la sécurité de tou.t.e.s. Le port du masque est obligatoire.

Photographie : Lorenzo Vitturi, Brown Fortuny, Mantas, Cochinilla & Coli Dyed Yarn, Fishing Nets, Wood in Lazzaretto Vecchio, Caminantes, 2019

Dates

Septembre 5 (Samedi) 14 h 00 min - Décembre 5 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Centre photographique Rouen Normandie

15, rue de la Chaîne 76000 Rouen

Centre photographique Rouen Normandie15, rue de la Chaîne 76000 RouenOuvert du mardi au samedi de 14h à 19h sauf jours fériés

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sam27jui14 h 00 mindim27sep18 h 00 minFabriqueurs d'ImagesExposition CollectiveGalerie Le Lieu, Hôtel Gabriel - Aile Est Enclos du Port - Enceinte du Péristyle 56100 LorientType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Cette exposition collective, rassemble six photographes bretons travaillant sur la fabrication des images à travers plusieurs anciens procédés et montages photographiques (manuels et numériques). Ils nous invitent à découvrir une réappropriation de l’histoire de la photographie, avec les objets photographiques et expérimentations de : Avec Estelle Chaigne, Nicolas Hergoualc’h, Mael Le Golvan, Marie Rameau, Gauthier Sibillat, Carolina Valladares.

Une invention permet de réinventer le présent.
Elle n’existe qu’en s’appuyant sur ce qui demeure, sans pour autant le faire disparaître.
Dans certains cas, elle permet à ses antécédents de se réinventer.
La naissance de la photographie, loin de faire disparaître la peinture, lui a permis de se transcender.
Face à son réalisme, la peinture s’est extraite de ses ateliers et à vécu une évolution majeure : l’Impressionisme.
L’arrivée du cinéma, loin de faire disparaître la photographie, lui a apporté une de ses évolutions techniques déterminantes : la couleur.
Le support numérique, loin de faire disparaître les supports physiques, incite un retour vers les anciens procédés ce qui permet de les faire évoluer tout en conservant un grain si particulier, une intemporalité, une imprécision, une qualité et une authenticité que les retouches numériques ne peuvent atteindre.
Suite à ce constat et une profonde attirance pour l’Histoire de la Photographie, est née l’idée de rassembler des photographes contemporains utilisant des anciennes techniques photographiques afin de revisiter cette histoire de la photographie. territoire breton.
Ils créent, ils fabriquent matériellement et visuellement une image, par le procédé, la technique, par l’émotion puis l’intention.
Nous retrouverons plusieurs réappropriations d’anciens procédés et d’outils (appareils) photographiques comme le sténopé avec Carolina Valladares et Estelle Chaigne, la photogravure avec Nicolas Hergoualc’h, les plaques de verre avec Marie Rameau, les photogrammes avec Mael Le Golvan et pour terminer, les montages (manuels et numériques) avec Gauthier Sibillat. Certains expriment leurs émotions, leurs souvenirs à travers des pratiques anciennes pour matérialiser la fragilité de ces instants, d’autres expérimentent et élaborent des protocoles de fabrication d’images.
Contrairement à une des volontés premières de la photographie qui était de la rendre reproductible, nous sommes ici face à des objets photographiques uniques, bien que tous utilisent d’une manière ou d’une autre les outils technologiques d’aujourd’hui. Ce savant mariage entre l’ancien et le contemporain leur permettant de manipuler, numériser, scanner leurs négatifs ou le résultat final de leurs procédés, les images présentées ne se retrouveront jamais dupliquées avec la même facture.
Grâce aux connaissances techniques, technologiques et grâce à leurs univers singuliers, ces photographes nous offrent une vision et une réflexion sur les différentes pratiques photographiques et leurs évolutions.
Emilie Teulon, Février 2020

Dates

Juin 27 (Samedi) 14 h 00 min - Septembre 27 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Galerie Le Lieu

Hôtel Gabriel - Aile Est Enclos du Port - Enceinte du Péristyle 56100 Lorient

Galerie Le LieuHôtel Gabriel - Aile Est Enclos du Port - Enceinte du Péristyle 56100 LorientOuverture du mardi au vendredi de 14h à 18h - samedi et dimanche de 15h à 18h. Fermeture les lundis et jours fériés. Entrée Libre

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sam26sep(sep 26)10 h 00 min2021dim17jan(jan 17)18 h 00 minL’instant qui fuitYves AuquierLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition L’instant qui fuit retrace le parcours d’Yves Auquier. Photographe de l’intime, il s’intéresse au vivant, au temps qui passe, au familier et à l’instant fugitif, résumant lui-même sa transversalité par la notion de « réalisme intimiste ». Il travaille tout au long de sa carrière en noir et blanc et de façon sérielle, classant minutieusement ses négatifs dans des classeurs thématiques et compilant à partir de ceux-ci de nouveaux recueils. Il publie principalement ses séries sous forme de portfolios qu’il tire lui-même en argentique.
Dans Pays Noir, son premier livre, publié en 1970, Auquier dresse le portrait du pays de Charleroi. Il y voit grandeur et beauté quand d’autres, y compris les habitants du « Pays Noir », y voient noirceur et ruine. Il désire transmettre sa vision, partager par l’image, et y parvient grâce à la subtile simplicité et sensibilité de son geste.

La série les mineurs, publiée sous forme de recueil en 1975, met l’Homme au centre des photographies. La solitude, la camaraderie, la mine, l’obscurité et l’âpreté du labeur sont autant de sujets présents dans ces photographies. Yves Auquier capte des images spontanées, d’autres plus posées. Quelques années plus tard, en 1984, Yves Auquier part à la rencontre des Siciliens installés en Belgique. Dans sa série intitulée Sicilicum, il prend le temps de découvrir les habitudes de cette population immigrée.
Dans son portfolio Bruxelles, publié vers 1970, Auquier nous immerge dans un univers urbain : la saturation des lumières sur les routes, la vitesse, la foule, le mouvement omniprésent. Les images se succèdent et invitent à voyager à travers la ville assis sur le siège avant d’une voiture perdue dans le trafic ou accroché à la barre verticale d’un tram.
Son recueil de trente photographies en noir et blanc, la vie de famille, publié en 1970, s’intéresse à la cellule familiale. Les instants de vie s’écoulent sous l’objectif du photographe qui prend comme modèle sa propre famille. Les temps morts, ces interstices de vie quotidienne, ont la part belle dans la série. Siestes, repos méditatifs, lectures, jeux d’enfants, sont autant d’instants volés à l’appétit du temps. Le sujet des nageurs s’esquisse dans les films de la vie de famille. Photographiquement parlant, il utilise des cadrages rapprochés de ses sujets, ne laissant voir que les corps et l’eau, sans tenir compte du décor extérieur. L’élément liquide devient un sujet à part entière des photographies et envahit le champ de l’image : les ondulations de l’eau et les reflets modulent l’arrière-plan.
Après s’être attaché au genre humain, Yves Auquier s’intéresse au monde du vivant dans son ensemble, les plantes et les animaux devenant ses modèles. Comme dans le reste de sa production, l’atmosphère a une place maitresse dans ses photographies.
Avec cette modestie qui le caractérise, Yves Auquier évoque son travail en ces termes : « J’ai simplement fait des choses que j’aimais faire » et c’est bien dans la simplicité que son oeuvre déploie toute sa justesse.

Dates

Septembre 26 (Samedi) 10 h 00 min - Janvier 17 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, Belgique

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueLe musée est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 18h

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sam19sep(sep 19)14 h 00 min2021dim03jan(jan 3)18 h 00 minUn été indienCollectionsFrac Normandie Caen, 7 bis rue Neuve Bourg l'Abbé 14000 CaenType d'événement:Art Contemporain,Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Collection Frac Normandie Caen
Avec les prêts d’œuvres des collections Artothèque, Espaces d’art contemporain de Caen, Frac Bretagne, Frac Normandie Rouen et courtesy Romain Lepage et Zoé de Soumagnat.

Initialement prévue pour la période estivale sous le titre Collections d’été, l’exposition prend ses quartiers à l’automne, cette saison de rentrée à qui parfois profite les faveurs d’un été indien.

L’exposition Un été indien réunit principalement des œuvres récentes en regard d’œuvres plus anciennes de la collection du Frac Normandie Caen. Elle bénéficie, par ailleurs, de prêts extérieurs et de la production d’une nouvelle œuvre. Au-delà des salles d’exposition, les œuvres prennent place dans d’autres parties du bâtiment et façonnent pour certaines la scénographie de l’exposition.

Un été indien propose un parcours d’œuvres évoluant d’univers domestique et familier, parfois intime, à des approches esthétiques plus abstraites pour mener à une ambiance ouverte de paysages de bord de mer.

Des œuvres rejouent des formes du mobilier design d’avant-garde, modèlent des architectures et mobiliers urbains et s’attachent à l’idée même du processus de production. Elles soulignent l’intérêt des artistes pour l’ingénierie, les savoir-faire, les rapports de l’art et la science. Certaines soulèvent les enjeux de pouvoirs que peuvent incarner ces formes.

Enfin, l’exposition évoque la mer et ses abords sous un angle plus poétique et décalé tout en maintenant comme fil conducteur cette idée de la construction et de l’usage détourné des matériaux industriels ou naturels.

Dates

Septembre 19 (Samedi) 14 h 00 min - Janvier 3 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Frac Normandie Caen

7 bis rue Neuve Bourg l'Abbé 14000 Caen

Frac Normandie Caen7 bis rue Neuve Bourg l'Abbé 14000 CaenEntrée libre du mercredi au dimanche de 14h à 18h

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Détail de l'événement

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Dates

Lieu

Tags

La Rédaction

Carte blanche à Béatrice Tupin : Lisa Rose et Jill Freedman

Rencontre avec Eve de Medeiros, fondatrice et directrice DDESSIN

Carte blanche à Béatrice Tupin : Mélanie-Jane Frey et Marina Cano

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Dates

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