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Sandra Hegedüs marraine de la première édition de Camera Camera et présidente du Jury 2017, poursuit son soutien à travers la proposition de Nadim Asfar, photographe et vidéaste franco-libanais qui nous a particulièrement marqués à l’hôtel Villa Victoria.

Elle est revenue aussi sur les 10 ans de SAM Art Projects, action philanthropique qui a depuis sa création, soutenu et accueilli une soixantaine d’artistes, organisé 34 expositions en France et à l’étranger et mis en lumière 18 pays, la production et circulation de l’art étant au coeur du projets.

Sandra a reçu en 2018 le prix Montblanc de la Culture Arts Patronage qui célèbre les plus grands philanthropes d’aujourd’hui.

Actualités de SAM Art Projects : Prix-Résidences-Cartes blanches

Les 6 finalistes de la 10ème édition du Prix SAM :
Le comité scientifique 2018, composé de Sandra Hegedüs, Myriam Ben Salah, Emma Lavigne, Jean de Loisy, Jean-Hubert Martin, Thierry Raspail, Annabelle Ténèze et Marie- Ann Yemsi, a choisi comme finalistes, Ali Cherri (pays de destination du projet : Soudan), Euridice Zaituna Kala (pays de destination du projet : Mozambique), Evangelia Kranioti (pays de destination du projet : Égypte), Kevin Rouillard (pays de destination du projet : Mexique), Moussa Sarr (pays de destination du projet : Sénégal) et Thibault Scemama de Gialluly (pays de destination du projet : Extra-territoires).
Le nom du lauréat sera annoncé le 20 décembre au Palais de Tokyo.

Les résidents 2019 :
Le comité de SAM Art Projects a sélectionné les deux prochains artistes résidents pour 2019 : Felipe Arturo (Colombie) et Taus Makhacheva (Russie). Les oeuvres réalisées dans le cadre de cette résidence feront l’objet d’une exposition à la Biennale de Lyon 2019.

Le Prix est remis chaque année en décembre, après délibération du comité scientifique, à un artiste de la scène française travaillant dans le domaine des arts plastiques et visuels, et présentant un projet à destination d’un pays étranger (hors Europe et Amérique du Nord).
Doté de 20 000 euros, le Prix s’accompagne d’une exposition au Palais de Tokyo dans les mois suivant son voyage et de l’édition d’une monographie.

http://www.samartprojects.org
https://nadimasfar.com

Détail de l'événement

Les photographiques britanniques John Myers et Peter Mitchell s’exposent ensemble pour la première fois, avec une thématique identitaire de leur oeuvre et pourtant peu explorée.
John Myers lui-même est à l’origine de cette exposition, qui rend compte de la transformation du paysage causée par la désindustrialisation brutale du Nord de l’Angleterre au début des années 1980.

On connait l’importance de ces deux auteurs britanniques : Peter Mitchell, dresse le portrait des habitants de Leeds dans sa série « Nouveau Démenti de la Mission Spatiale Viking 4 », première exposition de photographies couleurs en Angleterre (1979), redécouverte quelques années plus tard aux Rencontres d’Arles en 2016, à la galerie en 2017 et présentée à partir du 26/09 au musée de la photographie de Charleroi. John Myers, dont l’oeuvre noir et blanc est ultra-classique, s’inscrit dans la lignée de la photographie documentaire, ici teintée d’une certaine austérité, celle de l’Angleterre de Margaret Thatcher.
Il a récemment réédité l’ensemble de son oeuvre en trois volumes : The Portraits et Looking at the Overlooked (exposées à la galerie en 2019), et enfin The End of Industry, dont nous parlons ici.

Le thème de la désindustrialisation du Royaume-Uni, est donc la trame de fond de cette exposition, curatée par John Myers. Ses propres photographies sont prises entre 1981 et 1988, dans la région des West Midlands, située à l’Ouest de Birmingham, surnommée ‘The Black Country’. Pendant la révolution industrielle, elle a été la région la plus développée de l’Angleterre, avec ses mines de charbon, ses forges, ses usines métallurgiques et de fabrication de briques. ‘The Black Country’ est touché de plein fouet au début des années 1980 par la crise. Dépôt de bilan, fermetures d’usines, laissent au chômage des milliers de personnes.
Les usines sont abandonnées, transformées en lieu de stockages ou bureaux, puis en zones d’activités, distribution, logistique et autres promotions immobilières. C’est ce changement rapide et irréversible que John Myers saisit avec une certaine brutalité.

Il sélectionne et édite ensuite la série de photographies en couleurs de son acolyte Peter Mitchell présentée ici. Il choisit de mélanger ainsi deux écritures très différentes, délayant sans aucun doute la brutalité de leur temporalité, leur donnant aussi un certain recul, quarante années plus tard. Pour sélectionner les images couleurs de Peter Mitchell, il parcourt plus de 500 négatifs inédits. On y redécouvre le Leeds de Peter Mitchell sous un regard différent, les strates d’une ville empreinte d’histoire, exposée aux changements urbains des années 1970 puis des années 1980. Des hôtels victoriens aux barres d’immeubles en béton, l’asphalte, le macadam, tout cela dans le cadre carré caractéristique et l’ambiance grinçante de Peter Mitchell.

Dates

Septembre 8 (Mardi) 11 h 00 min - Octobre 8 (Jeudi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Clémentine de la Féronnière

51 Rue Saint-Louis en l'Île, 75004 Paris

Galerie Clémentine de la Féronnière51 Rue Saint-Louis en l'Île, 75004 ParisOuvert du mardi au samedi de 11h à 19h

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jeu17sep14 h 00 minsam17oct19 h 00 minJorge Amat en démineur des songesgalerie Raulin-Pompidou, 37 rue Chanzy 75011 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Tout commence avec les rêves, instable soubassement des nuées du réel – à croire que l’image en procède. Les globes oculaires roulent dans l’orbe des mondes et s’emplissent « des ombres et des reflets qu’on voit dans les eaux » (Platon). Pour Jorge Amat, cinéaste libertaire engagé, maître du reportage rétrospectif et du film documentaire mêlant plans fixes et paroles vivantes, la pratique du montage est à ce point prioritaire que, s’arrêtant aujourd’hui au plan, à l’image, il va effectuer sur celle-ci une investigation verticale, en profondeur comme en surface, au moyen du collage interprétatif, d’un exercice de détournement narratif quasi allégorique, de dramatisation baroque d’une représentation conventionnelle (clichés de famille, photos anciennes) ou privilégiée (ruines, intérieurs délabrés, paysages photographiés pour leur instance évocatoire). L’image devient en soi invitation onirique, manière de séance filmique instantanée. Aussi, peu importe qu’elle soit prise sur le vif, en maraude dans les labyrinthes intriqués de la réalité et de la mémoire, ou pêchée à main nue dans quelque vieille boite à chaussures ou album séculaire au fond d’une brocante.
La magie de la photographie argentique, cette fixation de l’image par usage de procédés physico-chimiques, réside dans sa possibilité même : que le regard puisse s’objectiver “sans recours aux transmissions toutes conventionnelles d’un langage” (Paul Valéry), tient son prodige de la nature photonique de la lumière et des vertus afférentes des sels d’argent.

Par sérendipité – un de ces heureux hasard transformés en expérience –, on aurait pu découvrir bien avant Niepce et Daguerre, au secret de quelque chambre noire circonstancielle, le principe de l’impression optique, grâce au bitume d’argent connu depuis l’Antiquité. À côté de la photographie numérique, l’effet miraculeux de véronique (ou d’image d’Edesse) des bons vieux calotypes demeure pour nous à peu près intact : l’instant qui passe, fixé dans son mouvement subtil et son détail, toute cette fugacité expressive que le peintre a longtemps induit sans vraiment la circonscrire, depuis les Bellini, Léonard ou Bruegel – et bien avant que ne tente de l’investir plus tard, au terme du décrochement figuratif, l’abstraction en ses diverses approches –, gardent leur mystère sous forme d’icônes labiles, empreintes des passions défuntes ou simples pelures du temps. C’est en 1800 que Wedgwood conçut ce qu’il nomme “le dessin photographique”; d’emblée, l’écriture de la lumière fut donc pensée comme une captation d’essence esthétique. Mais après Talbot et Nadar, l’impression objective de l’image vint concurrencer la peinture tout en libérant celle-ci d’un stade du miroir multiséculaire. Au-delà du pictorialisme, à mesure que les perfectionnements de la technique rapprochaient du simple regard les modalités d’investigation photographique, Man Ray, Raoul Ubac, Brassaï, Wols et quelques autres interrogèrent souvent en peintres ce mode d’effraction des apparences.

De tempérament baroque, avec des échappées de funambule ou d’homme-oiseau épris du vertige des perspectives, Jorge Amat poursuit son énigmatique exercice d’effeuillage intrapsychique. En cette partie très disserte de ses chroniques du regard, il collecte les supports avec une ivresse d’iconolâtre sacrilège. L’oxymore règne dans ces productions néo-picturales qui mettent en jeu les violentes dualités du sexe et de la mort, des traditions les plus consensuelles et de leur jubilatoire profanation, du sacré toujours agissant au revers de ses allègres violations. Le croisement (du vivant et de l’inerte), les fastes réversibles du vêtu et du dévêtu, de l’exhibé et du dissimulé, l’invocation théâtrale de la Mort, squelettes et sépulcres, sur fond de déliquescence archéologique ou paysagère, de menace de ruine et d’effacement : symbolisme et matiérisme partout s’opposent et s’étreignent. Tout est palimpseste dans l’œil du rêveur. Amat récupère et recycle en courtier d’un autre monde les accessoires oubliés, objets orphelins des rues, des décharges enchantées ou des arrière-boutiques.
Détournées avec une ferveur nécrophile, les photos de mariage, rurales, populaires ou façon Belle Époque, les intérieurs pourrissants avec ou sans personnages, toutes les épaves des vies closes exaltées dans leurs immersions chimériques, subissent pareillement le travail du rêve : altération, distorsion, hybridation. Amat nous instruit des lendemains de l’apocalypse, en héritier du surréalisme bunuélien comme de l’art espagnol des vanités.

Passer une nuit en prison, dit à peu près Werner Herzog, peut être une bonne chose si cela permet de réussir une photo. Dans cet esprit, l’intrépide Amat n’hésiterait pas à loger une nuit en enfer. Son théâtre baroque où défilent les cimetières et les palais, les souterrains pulvérulents et les cabinets d’illusions semble n’avoir pour principe et enjeu que les métamorphoses de l’apparence entre l’abîme des coulisses et les ténèbres de l’avant-scène. L’art est une machine infernale qu’il faut savoir manier en démineur.

Hubert Haddad

Dates

Septembre 17 (Jeudi) 14 h 00 min - Octobre 17 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

galerie Raulin-Pompidou

37 rue Chanzy 75011 Paris

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sam19sep(sep 19)10 h 00 min2021dim03jan(jan 3)19 h 00 minInvalides : mémoires de guerrePhilippe de PoulpiquetMusée de l'Armée - Hôtel des Invalides, 129 rue de Grenelle 75007 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

sam26sep(sep 26)10 h 00 min2021dim17jan(jan 17)18 h 00 minWhen the water clouded overMichaël DansLe Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles, 11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Tout a commencé par une photographie d’une nature morte prise chez sa grand-mère…
Pendant plus de deux années, Michaël Dans a créé et aussi photographié des installations florales à partir de vases, de tissus ou de papier peints chinés ou empruntés çà et là avec une méthodologie et un souci du détail et de la mise en scène identiques à ceux d’un peintre de natures mortes.
Et c’est dans le secret de son laboratoire photo que la nature reprend ses droits ; tout reprenant alors vie… Naturelles ou pas, à peine écloses, en pleine floraison ou fanées, les fleurs sont sublimées.

« Allégories du kitsch ? Mauvais goût ? Pas si sûr. Il faut à Michaël Dans autant de tendresse que d’acuité pour accompagner ces vielles demoiselles vers leur ultime demeure, en tirer le portrait bien loin des catalogues de fleuristes ou de jardineries, et nous offrir par brassées ces images pareilles aux cartes postales au papier glacé que l’on envoyait autrefois, ornées de formules aux lettres dorées » écrit Xavier Canonne.
Ce sont quelque quarante-cinq compositions qui fleuriront les murs du Musée.
Diplômé en peinture de l’Ecole Supérieure des Arts Saint-Luc Liège, Michaël Dans multiplie les expositions solos et collectives. De la même manière qu’il a mené une vie itinérante, habitant tour à tour à Liège, Amsterdam, Helsinki, Berlin, Anvers…, Michaël Dans s’exprime avec des techniques aussi différentes que l’installation, la performance, la sculpture, le dessin ou la photographie. Cette diversité se retrouve également dans les sujets abordés (mort, solitude, érotisme, enfance) et les formats utilisés : du dessin au mikado géant en passant par le lancé de dix-sept pierres précieuses dans un pré à l’occasion de Kunst & Zwalm.
Depuis ses débuts, cet éclectisme lui permet d’échapper à tout type de catégorisation et de surfer avec aisance à travers les codes de l’art contemporain. Ainsi, Michaël Dans inscrit-il chaque fois sa proposition artistique dans un rapport spécifique avec les contextes d’exposition (architectural, conceptuel, etc.) afin qu’elle génère une pertinence propre. De manière subtile et ludique, il profite des différentes propositions de travail qui lui sont faites pour construire des interventions en perpétuel décalage et riches en détournements de situations. A la frontière des objets et des attitudes, il crée des oeuvres porteuses de messages transmis à l’aide d’un humour cynique et critique sur un fond de mélancolie, d’introspection et d’érotisme.
Après ses études à la Rijksakademie d’Amsterdam, Michael Dans a notamment exposé au Centre National d’Art et du Paysage de Vassivière (France), au BPS22 à Charleroi, à l’Espace 251 Nord à Liège, à la Galerie du Sous-sol à Paris, à la Galerie Aliceday de Bruxelles, à la Galerie Zacheta de Varsovie, au Quartier 21 à Vienne, au Wiels à Bruxelles, à la Galerie de Virgile de Voldère à New York, au lieu Unique et aux Galeries Lafayette à Nantes, à la Galerie Nadja Vilenne de Liège…

Dates

Septembre 26 (Samedi) 10 h 00 min - Janvier 17 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles

11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, Belgique

Le Musée de la Photographie Centre d´art contemporain de la Fédération Wallonie-Bruxelles11 Avenue Paul Pastur, 6032 Mont-sur-Marchienne, BelgiqueLe musée est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 18h

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sam29aou(aou 29)0 h 00 mindim27sep(sep 27)0 h 00 minFestival Visa pour l'image 2020 Organisateur: Visa pour l'image Type d'événement:Festival,Photographie

Détail de l'événement

Visa pour l’Image aura donc bien lieu. Sauf nouvelle vague de la pandémie et malgré une situation sanitaire exceptionnelle qui paralyse le monde entier, les lieux emblématiques de Perpignan ne seront pas dépouillés de leurs images pour cette 32e édition.
Évidemment, nous en sommes heureux. Et nous réalisons à quel point notre position dans l’agenda – cette première semaine de septembre que les parents nous ont si souvent reprochée – nous est cette année favorable.
D’autres n’ont malheureusement pas eu cette chance.
Il serait naïf de penser que cette édition sera comme les précédentes. Les mesures sanitaires qui nous sont imposées à juste titre et les restrictions de déplacement vont de facto entraver le déroulement et l’ambiance du festival. Il faut donc nous adapter. L’occasion pour nous de réfléchir à de nouvelles manières de remplir notre objectif.
L’occasion de repenser cette mission qui nous habite chaque année depuis plus de 30 ans : vous montrer le meilleur de la production photojournalistique.
L’occasion, donc, de perturber la «routine» des formats de Visa pour l’Image.
Rien ne remplacera le rapport intime et chaleureux qu’un cadre, une marie-louise et un beau tirage réalisé par des artisans de talent peuvent tisser avec le public – même dans les déambulatoires bondés et caniculaires du Couvent des Minimes. Et rien, évidemment, ne saurait se substituer au Campo Santo et aux soirées de projection, que nous ne pourrons proposer cette année qu’en virtuel.
Visa pour l’Image aura bien lieu.
Ces fameux cadres habilleront donc comme chaque année les salles du couvent et les murs de l’église des Dominicains.
Mais pour celles et ceux qui ne pourront pas se rendre à Perpignan, nous réfléchissons depuis déjà plusieurs mois aux nouvelles écritures possibles pour vous présenter les reportages que nous avons sélectionnés cette année. Expositions, projections et conférences seront ainsi virtuellement – et gratuitement – disponibles, dans ,des habillages inédits dans l’histoire du festival. Face à cette crise sans précédent, nous nous félicitons de la présence à nos côtés de partenaires historiques et fidèles nous ayant confirmé leur indéfectible soutien pour nous permettre d’élaborer ces nouveaux formats – formats qui seront amenés à être pérennisés et à enrichir l’offre du festival dans les années à venir.
Dans ces temps tumultueux où la frontière entre les opinions et les faits se trouble chaque jour un peu plus, où des informations non vérifiées animent les débats des réseaux sociaux jusqu’aux plateaux télévisés, nous pensons que Visa pour l’Image peut apporter plusieurs choses dont l’époque semble cruellement manquer. Du fond, de la nuance et de la mise en perspective.
Encore, et toujours, l’essence du photojournalisme.
Jean-François Leroy

EXPOSITIONS
– Une terre troublée / Anush Babajanyan VII
– Guerrero, l’État oublié / Alfredo Bosco
– Les derniers des Mohana / Sarah Caron
– Sacrifice / Elena Chernyshova PANOS PICTURES
– L’Afrique de Chiba / Yasuyoshi Chiba AFP
– Une planète noyée dans le plastique / James Whitlow Delano
– Sécheresse et déluge en Inde / Bryan Denton
– Manifesto del agua / Sanne Derks
– Au plus près des loups dans l’Extrême-Arctique / Ronan Donovan
– Irak: Cent jours de thawra / Emilienne Malfatto
– La déforestation de l’Amazonie / Victor Moriyama
– Dehors / Axelle de Russé
– Sugar Girls / Chloe Sharrock
– Les contestataires / Nicole Tung
– Le visage humain du Covid-19 à New York / Peter Turnley
– Points de vue opposés / Anthony Wallace
– Tant que le soleil brillera / Ian Willms PANOS

EXPOSITIONS COLLECTIVES
– Pandémie(s)
– I Can’t Breathe
– Presse quotidienne internationale

Dates

Août 29 (Samedi) 0 h 00 min - Septembre 27 (Dimanche) 0 h 00 min

Organisateur

Visa pour l'image 4, rue Chapon - Bat B 75003 Paris

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Rencontre avec Sandra Hegedüs, fondatrice de SAM Art Projects à OVNi festival Nice

Sandra Hegedüs marraine de la première édition de Camera Camera et présidente du Jury 2017, poursuit son soutien à travers la proposition de Nadim Asfar, photographe et vidéaste franco-libanais qui nous a particulièrement marqués à l’hôtel Villa Victoria.

Actualités de SAM Art Projects : Prix-Résidences-Cartes blanches

Tags

Marie-Elisabeth De La Fresnaye

Rencontre avec Eve de Medeiros, fondatrice et directrice DDESSIN

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Promenades Photographiques, Vendôme 2020 : Entretien avec Cyrus Cornut

Détail de l'événement

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