Né un 16 octobre : le photoreporter Rémi Ochlik

Battle for Libya General News, first prize stories 2012 / World Press Photo © Rémi Ochlik

L'Ephéméride

by La Rédaction on 16 octobre 2019

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Né un 16 octobre : le photoreporter Rémi Ochlik

Temps de lecture : 18 secondes

Rémi Ochlik, photographe de guerre français est né le 16 octobre 1983. Il a tragiquement disparu lors d’une attaque à Homs, en Syrie, le 22 février 2012. Quelques jours avant son décès, son reportage sur la Libye venait d’être récompensé au World Press Photo. Le festival Visa pour l’image et la ville de Perpignan ont décidé de lui rendre hommage en créant le Prix Rémi Ochlik, qui récompense un jeune photojournaliste, remporté cette année par Adriana Loureiro Fernandez.
Aujourd’hui, il aurait eu 36 ans.

Détail de l'événement

Le geste photographique d’Amaury da Cunha crée souvent une atmosphère de trouble. Êtres et choses sont là sans être là vraiment, dirait-on. Face à ses images, est-on certain d’avoir affaire à ce que l’on voit pourtant assez distinctement ? Ce n’est jamais aussi évident que ça en a l’air et nous voilà souvent perturbés, intrigués. Ce n’est pas seulement le parti-pris esthétique qui produit cet effet-là, c’est le fait même, banal, ordinaire, dépourvu de spectaculaire. Une incertitude, ou plutôt un sentiment d’incertitude, se dégage.
Toujours, même quand il paraît anecdotique, le sujet photographié est comme entouré de mystère. Les natures mortes, les fragments de paysages même en sont baignées, et plus encore ces corps en sont comme nimbés.
Diffus, infusé, suggéré, il a ici plus que sa part. Ces cadrages et cette mise en lumière pour lesquels le photographe a opté dessinent autour des choses un halo d’étrangeté déstabilisant le regard. Ne pourrait-on pas y voir une forme de réalisme magique ? L’intensité de ses clichés est fonction de cette densité énigmatique qu’ils dégagent. Amaury da Cunha veut-il donc nous dire que l’on ne saurait jamais vraiment prendre la pleine et entière mesure des choses, êtres, paysages ou objets ?
Demeure rend hommage à la multiplicité des sensations provoquées par le réel, la vie. Le corpus d’images dans Demeure est volontairement hétérogène. Il y a cependant des motifs (ou des figures) qui reviennent à partir de ces petites unités de perception. Il a fallu les distribuer harmonieusement. Il ne s’agit pas d’une série d’images, mais plutôt un recueil pour reprendre une terminologie poétique, ou une séquence, si on pense au cinéma qui a influencé involontairement certaines de ces photographies. Sans doute, se pose ici la question du visage. Le visage aimé, le visage qui se révèle, le visage qui s’échappe.
Quant à la dimension autobiographique, elle est sous-jacente, peu centrale, éclatée. Depuis que da Cunha photographie, il utilise sa vie comme un matériau, mais il ne le donne pas à voir comme quelque chose de littéral. Les identités des lieux et des êtres sont flottantes, la temporalité demeure fantomatique.
Il pense qu’une photographie n’est jamais conforme à ce qu’elle montre. Comme il le souligne : «Qu’est-ce qu’on apprend réellement de moi dans ces images ? Peu de choses. Des bribes de mystères, peut-être. Sans doute un mélange de peur et de désir. »
Demeure est d’abord un livre, la quatrième monographie photographique d’Amaury da Cunha réunissant 47 images, mêlant couleur et noir et blanc, prises au cours des 18 dernières années.
Pour tenter d’élucider le secret des ses photographies, Amaury da Cunha a confié le soin à Sylvie Gracia d’y associer des mots, en toute discrétion. Dans l’ouvrage tous les textes sont glissés à l’intérieur de plis japonais, c’est-à-dire entre des pages n’ayant pas été découpées lors de la fabrication du livre. La lecture est ainsi entravée et invite le lecteur à manipuler l’ouvrage d’une manière inaccoutumée.
Cette exposition est une mise au mur d’un extrait de ce livre, associant textes et images et soulignant la double démarche de cet auteur, littéraire et visuelle.

Demeure est la quatrième monographie photographique d’Amaury da Cunha. Cet ouvrage réunit 47 photos, mêlant couleur et noir et blanc, prises au cours des 18 dernières années (2000-2018) et des textes courts de Sylvie Gracia.
Pour tenter d’élucider le secret des images, Amaury da Cunha a confié le soin à Sylvie Gracia d’y associer des mots, en toute discrétion. Une volonté littérale, en effet, puisque dans Demeure, tous les textes sont glissés à l’intérieur de plis japonais, c’est-à-dire entre des pages n’ayant pas été découpées lors de la fabrication du livre. La lecture est donc entravée et invite le lecteur à manipuler l’ouvrage d’une manière inaccoutumée.

Dates

Septembre 12 (Jeudi) 13 h 00 min - Décembre 22 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Le Château d’Eau - Pôle photographique de Toulouse

1, Place Laganne 31300 Toulouse

Le Château d’Eau - Pôle photographique de Toulouse1, Place Laganne 31300 ToulouseOuvert de 13h à 19h du mardi au dimanche

Calendrier GoogleCal

mar08oct(oct 8)11 h 00 minsam30nov(nov 30)18 h 00 minLes chemises de mon pèreBaptiste RabichonCACN - Centre d'Art Contemporain de Nîmes, 25, rue Saint Remy 30900 NîmesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Pour la dernière exposition du Centre d’art contemporain de Nîmes dans ses locaux actuels, Baptiste Rabichon dévoile une de ses recherches les plus intimes, puisant dans son histoire personnelle comme dans celle de Nîmes. Après avoir montré son travail en Inde et en Chine, à Arles, à Paris et à Roubaix, l’artiste revient dans la ville où il a ses attaches.
Il ne s’agit pas à proprement parler de souvenirs : Les Chemises de mon père ne renvoient pas uniquement à un passé lointain, à une évocation d’enfance ou à une réminiscence nostalgique – au contraire, les temporalités s’amalgament, les strates se surimposent les unes sur les autres, les matières et les techniques mixtes trament ensemble des images qui s’apparentent moins à un récit univoque qu’à la combinaison fusionnelle entre le motif, le médium et une réflexion intense sur leur alliance.
C’est qu’ici, dans ces Chemises, se rendent lisibles certains enjeux majeurs de la photographie contemporaine, tout autant que les emprunts et traces que Baptiste Rabichon doit à ceux qui l’ont précédé. En plaçant une partie de ses sujets à proximité du papier photosensible ainsi masqué, il s’inscrit dans une lignée qu’on pourrait faire remonter aux anthotypes de Sir John Herschel ou aux natures mortes cyanotypes d’Anna Atkins (Baptiste Rabichon recourt régulièrement aux végétaux, comme dans ses séries Ranelagh, Natures mortes aux silhouettes ou, plus récemment, 17ème).
L’emploi du développement chromogène, qui fonctionne par l’oxydation successive et conjointe d’une substance développatrice et d’un copulant qui la colore, témoigne d’une connaissance poussée de la chimie propre au développement de la photographie argentique, mais aussi d’un syncrétisme entre lâcher prise et contrôle du processus.
Maîtrise technique et évolution aléatoire travaillent ensemble à faire l’image.
A cette première collaboration s’en ajoute une autre, qui taraude le contemporain : la part de la machine.
L’emploi récurrent, mais sans exclusive, de la numérisation par scanner, Baptiste Rabichon l’envisage comme la possibilité de compléter son dispositif de représentation : l’oeil de l’appareil discerne et restitue ce à quoi l’oeil humain reste aveugle. Comme le Blow Up d’Antonioni l’avait synthétisé, rien ne lui échappe.
Est-ce pour l’humaniser, l’amoindrir ou simplement par jeu, les mécaniques de précision qu’utilise Baptiste Rabichon sont souvent altérées, bricolées, parasitées, tordues ; mutilées, poussées au bout de leurs capacités, elles finissent par abandonner toute retenue et livrent enfin des résultats inattendus : la tache, le glitch, la diffraction sont autant de marqueurs de phénomènes propres aux optiques actuelles qui permettent de tout rassembler sur le même plan, y compris l’acte de voir même.
Le support condense plusieurs surfaces – c’était déjà le credo des cubistes, qui s’attachaient à tout montrer, y compris les faces cachées, poursuivi par les Fabric Works de Louise Bourgeois par exemple.
Des plis pourtant referment par endroits un drapé dérobé à la vue ; des taches pourtant éclipsent des bouts de matière – c’est que la tache profane autant qu’elle protège : en maculant la peau de la photographie, elle donne accès à un second plan et permet d’appréhender la profondeur des couches et des statuts qui cohabitent dans l’image.
Différents états de mise en visibilité s’y côtoient : le même tissu est scanné, photogrammé à distance, projeté… soulevant la complexité qui construit une image.
L’imagination ne suffit pas à faire image : entre le visionnaire et sa réalisation, une suite de gestes, de phénomènes, d’événements déroule une chronologie d’épreuves. Le résultat ne sera pas un triomphe sur l’adversité, mais un palimpseste marqué par l’altérité : s’il s’agit d’être « contre la machine », ainsi que le revendique Baptise Rabichon, c’est tout autant dans un acte de résistance que dans une proximité coopérative.
L’association entre homme et machine se noue sans doute dans le rapport au code : alors que le premier cherche à entretenir un rapport authentique au réel, dispensé de la relativité et de la subjectivité du langage, le second ne s’active que selon une logique objective et préprogrammée. Entre clash et articulation, Baptiste Rabichon et ses appareils restituent ensemble une ambivalence fondamentale entre le lumineux et l’occulte.
Ainsi, si ces Chemises arborent tout à la fois le patchwork des dessins d’indiennes de Nîmes, la structure du tissu, le geste et parfois la figure (le corps) de l’artiste, elles attestent au fond de l’impureté du travail artistique, qui, enfantant d’aberrations à force d’arranger les hasards, n’est dupe ni de ses empires, ni de ses instabilités.
Jean-Christophe Arcos

Dates

Octobre 8 (Mardi) 11 h 00 min - Novembre 30 (Samedi) 18 h 00 min

Lieu

CACN - Centre d'Art Contemporain de Nîmes

25, rue Saint Remy 30900 Nîmes

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mer13nov(nov 13)9 h 30 minsam14déc(déc 14)19 h 00 minIci et là... mais jamais trop loinMichel LamourdedieuLabo Photo Rétine, 85 rue d’Italie 13006 MarseilleType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

J’ai réuni des photos prises à des époques et en des lieux différents.
La plus ancienne date de 1973 et représente un Parthénon d’Athènes qui aurait pu inaugurer une série sur les « monuments hystériques »…si jamais j’avais persisté sur ce thème.
Les plus récentes datent de la fin du XX° siècle. Entre ces deux époques beaucoup de clichés. La plupart pris de manière fortuite, comme picorés çà et là au cours de ballades, voyages, séjours dans de la famille ou chez des amis. En ce sens je suis un photographe « amateur-promeneur » comme beaucoup d’entre nous.

Les photos des chantiers de La Ciotat ont été prises dans le cadres d’une étude sur la construction des coques de gros navires. Toutefois j’ai profité de mes nombreuses visites sur le site pour faire l’école buissonnière et redevenir l’indolent photographe « amateur promeneur »que j’ai toujours été.Les mages présentées ici sont donc en marge des objectifs de l’étude: il m’a été difficile de résister aux ambiances, à la démesure des lieux et de ce qu’il s’y fabrique confrontés aux minuscules silhouettes des hommes.

Les photographie du restaurant « Chez soi » font partie d’un reportage. Deux poètes m’avaient demandé pour illustrer une petite facétie poétique de leur cru, de photographier divers lieux du centre ville où ils aimaient se retrouver pour boire, manger et discuter (entre autre « la crémerie chez soi restaurant de monsieur et madame Lamouroux rue Papère – ce dont je me suis acquitté).

Vichy est une ville d’eau qui m’est familière et où je me rends régulièrement avec l’arrière pensée d’y prendre des photos tant la ville et ses curistes s’obstinent à perpétuer avec le plus grand des sérieux les rites d’un mode de vie en voie d’extinction.
…
Il serait fastidieux d’énumérer les raisons qui m’ont amené ici et là. Et là plutôt qu’ailleurs.

N’étant ni explorateur ni reporter j’ai fréquenté des endroits qui ne sont pas trop éloignés de chez moi et ne présentent aucun exotisme, j’ai essayé de faire avec leur banalité.

Rétrospectivement les images témoignent du temps qui passe faisant basculer le présent l’univers de l’inactuel . Tel n’était pas nécessairement mon objectif au moment des prises de vue.
Ça l’est devenu par la suite en les choisissant et je ne pouvais pas le deviner. Dire que j’en avais le pressentiment en les photographiant paraîtrait présomptueux. Quoique, inconsciemment ou pas, j’ai toujours été séduit par les ambiances un peu tristes, par les objets abimés et imparfaits, sur le déclin.
Heureusement cette mélancolie est tempérée par mon agaçante aptitude à la dérision. Pour ceux que ça intéresserait, les photos exposées ont été prises au format 24×36 au 35mm en général sur de la pellicule TRIX le plus souvent.
Plusieurs ont donné lieu à des tirages sur papier argentique.

Angoissé à l’idée de ma propre disparition j’ai opéré une campagne de Scan. Elle m’a permis de sauver et de réparer beaucoup d’images, de sélectionner et de bidouiller les fichiers à partir des quels Nicola Strobbel va tirer les images au mur aujourd’hui. Michel Lamourdedieu Marseille le 1° novembre 2019

Dates

Novembre 13 (Mercredi) 9 h 30 min - Décembre 14 (Samedi) 19 h 00 min

Lieu

Labo Photo Rétine

85 rue d’Italie 13006 Marseille

Calendrier GoogleCal

jeu07nov(nov 7)12 h 30 minsam30(nov 30)18 h 30 minThe Hunter Gets Captured By The GameChris ShawGalerie VU', 58 rue Saint-Lazare, 75009 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

A l’occasion de Paris Photo et de la parution de son nouvel ouvrage par la Zen Photo Gallery, La Galerie VU’ est heureuse d’accueillir une exposition inédite de Chris Shaw, figure majeure de la photographie britannique, dont l’oeuvre explore les êtres à la marge comme les excès de la vie nocturne. Pour chacune de ses séries, il fait preuve d’une approche photographique intense de ses sujets et des milieux dans lesquels il s’immerge. Il réalise ensuite ses tirages argentiques noir et blanc avec un soin particulier : souvent solarisés et conservant les imperfections du négatif, ils entrent en parfaite cohérence avec ses sujets étranges et imparfaits en mettant en relief leur beauté et leur singularité.
Avec The Hunter Gets Captured By The Game, Chris Shaw retourne à une photographie proche de celle de sa première série à succès “Life as a Night Porter”, mais au lieu des hôtels londoniens, il nous plonge dans la vie nocturne et animée d’une station de vacances thaïlandaise où il parvient à trouver la beauté dans les situations sordides.
A 150 kilomètres au sud de Bangkok, Pattaya est une station balnéaire située, célèbre pour ses bars à go-go, son atmosphère hédoniste et ses liens avec le crime organisé.
La vie nocturne des ladyboys, gogo girls, clubs, bars et prostitution va bientôt être balayée… La puissance de la nouvelle économie chinoise se reflète dans la croissance du tourisme de masse organisé, conduisant lentement à un « nettoyage » de Pattaya. Ses photographies relatent la fin d’une époque.

La pratique artistique de Chris Shaw comprend des livres photos, des expositions et des tirages qu’il réalise lui-même.
Chris Shaw a présenté sa première exposition personnelle dans un bar-tabac de Bold Street, à Liverpool en 1991.
Depuis, il a réalisé de nombreuses expositions à Paris, Londres, Stockholm, Moscou, Pékin et Tokyo.

Dates

7 (Jeudi) 12 h 30 min - 30 (Samedi) 18 h 30 min

Lieu

Galerie VU'

58 rue Saint-Lazare, 75009 Paris

Galerie VU'58 rue Saint-Lazare, 75009 ParisGalerie ouverte le jeudi et vendredi : 12h30 – 18h30, et le samedi : 14h – 18h30 Et sur rendez-vous du lundi au samedi

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sam16novdim01décMarseille2Elise Llinares & Jacques FiliuLe Pangolin, 131 Corniche du Président Kennedy 13007 MarseilleType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Jacques Filiu / Marseille précisément. «Jacques Filiu est quelqu’un de précis. Ses photographies aussi. (…) Marseille : une ville de clichés. De lieux communs, tant galéjades que photos ! Un monsieur discret, pas du tout bruyant, erre tranquillement dans les rues – c’est Filiu -, comme si de rien n’était. Et pourtant, lui VOIT Marseille mieux que quiconque car, par rigueur et austérité, il a su ne tomber dans aucun panneau visuel. Rarement ai-je vu un tel vrai Marseille depuis les chefs-d’oeuvre de l’époque du pont transbordeur. (…) Pour moi ce sont de très grandes photographies de cette ville aux images préconçues. Il renverse la situation et nous montre là, enfin, ce qu’est vraiment devenue Marseille, précisément.»
Bernard Plossu

Elise Llinares / Littoral Marseille. Littoral Marseille est une série qui documente une bande de terre de 20 km de long, de l’Estaque à la plage du Prado, toujours au plus près du rivage. Pourtant, on le sait, Marseille s’est construite dos à la mer. Le centre, c’est le Vieux-Port et la Canebière, non pas le Chemin du littoral dissimulé sous une autoroute. Un puzzle en forme de découverte, d’hommage et de géographie subjective.

Dans le cadre de Photo Marseille 2019

Dates

Novembre 16 (Samedi) 14 h 00 min - Décembre 1 (Dimanche) 19 h 00 min

Lieu

Le Pangolin

131 Corniche du Président Kennedy 13007 Marseille

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Né un 16 octobre : le photoreporter Rémi Ochlik

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Ça s’est passé un 15 novembre : Mort de Lucien Clergue

Le photojournalisme rongé par la précarité

Ça s’est passé un 8 novembre : Mort de Raoul Coutard

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