Patti Smith, The Horses album

L'Invité.e

by Ericka Weidmann on 27 avril 2018

799 Views | 1

La Playlist Christian Caujolle

Name: Chema Madoz
Start: 2019-4-26T12-12-00-00
End: 2019-5-29T19-19-00-00
Location: Galerie Esther Woerdehoff

Temps de lecture : 39 secondes

Pour sa dernière journée de carte blanche notre invité de la semaine, Christian Caujolle a choisi de partager avec nous en plus de ses bons plans, sa playlist !

Gérard Manset
Il voyage en solitaire. Et toutes les autres…

The Beatles
A Day in the Life

Patti Smith
Tout l’album “Horses” et “People have the power”

Léo Ferré
L’Affiche rouge,
Texte de Louis Aragon.

Jacques Brel
Quand on n’a que l’amour

Iggy Pop
The Passenger

Lluis Llach
L’Estaca

Juliette Gréco
Un petit poisson, un petit oiseau

Alain Bashung
Bleu pétrole

Jeanne Moreau et Étienne Daho
Le condamné à mort, texte de Jean Genet.

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ven26avr(avr 26)12 h 00 minmer29mai(mai 29)19 h 00 minChema MadozGalerie Esther Woerdehoff, 36 rue Falguière, 75015 Paris

Détail de l'événement

Né à Madrid en 1958, Chema Madoz découvre la prise de vue et le tirage photographique en autodidacte au début des années 1980, dans l’effervescence créatrice de la Movida. Il commence à exposer ses oeuvres en 1983 tout en travaillant comme employé de banque. C’est au début des années 1990 qu’il choisit d’arrêter de photographier les personnes et les paysages pour se consacrer uniquement aux objets. Le photographe les glane dans les brocantes, les boutiques ou même les poubelles, aux hasards des rues.
Il dit « Avec la photographie, j’ai découvert la possibilité de mettre en évidence toutes les images qui me passent par la tête. Par sa brièveté et son intensité, la photographie est proche de la poésie. ». Avec la fragilité d’un nuage, d’un fil ou d’un papillon, les oeuvres de Chema Madoz nous plongent parfois dans un rêve éveillé, un instant figé grâce à la photographie. A la manière des haïkus japonais, leur simplicité n’est qu’apparente et invite à une méditation sur l’existence et l’impermanence.

Le processus de création commence par une idée, un croquis puis se concrétise en objet, presque une sculpture, avant la prise de vue et le tirage. Chema Madoz combine, assemble ou oppose les objets et c’est la photographie qui les révèle, en leur ôtant leur banalité en même temps que leur couleur. Chema Madoz travaille de manière traditionnelle, en moyen format avec un Hasselblad et en lumière naturelle. Son studio est un espace de création qui lui permet de travailler sur plusieurs oeuvres en même temps et de réunir les objets pour inventer d’autres rencontres.

La Galerie Esther Woerdehoff représente Chema Madoz en France depuis près de 15 ans. En 2018, elle a conçu une grande exposition rétrospective de son oeuvre au Château d’Hauterives – Palais idéal du Facteur Cheval.

Dans la suite de cette rétrospective, nous présentons un nouveau regard sur l’oeuvre de ce grand photographe accompagné d’une sélection de photographies inédites.

Dates

Avril 26 (Vendredi) 12 h 00 min - Mai 29 (Mercredi) 19 h 00 min

Lieu

Galerie Esther Woerdehoff

36 rue Falguière, 75015 Paris

Galerie Esther Woerdehoff36 rue Falguière, 75015 ParisOuvert du mercredi au samedi, de 12h à 19h

Calendrier GoogleCal

mer06fev(fev 6)10 h 00 mindim26mai(mai 26)18 h 00 minLe Monde de Steve McCurryLa Sucrière, 49-50 quai Rambaud 69002 LyonType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

L’exposition est une véritable rétrospective de l’oeuvre de Steve McCurry : pour la première fois à Lyon, plus de 200 de ses photos sont présentées au public. On peut y admirer ses clichés les plus célèbres, réalisés tout au long de ses 35 ans de carrière, mais également maintes photos inédites.
Conçue par Biba Giacchetti et scénographiée par Peter Botazzi, l’exposition propose un long voyage dans le monde de Steve McCurry, de l’Afghanistan à l’Inde, de l’Asie du Sud-Est à l’Afrique, de Cuba aux États-Unis, du Brésil à l’Italie, à travers son vaste et fascinant répertoire d’images, où l’Humain est toujours le protagoniste principal, même s’il n’est qu’évoqué.

L’objectif de Steve McCurry était de capturer des images poétiques, dans des lieux du monde où la vie est plus difficile. Parmi celles-ci se retrouvent quelques clichés récents, animés par la recherche d’une dimension quasi métaphysique de l’espace, où l’absence est parfois à la base de l’histoire et d’où émerge avec force sa passion pour le cinéma. Il ne manque pas non plus de montrer les atrocités de la guerre et la violence dont l’humanité est témoin et parfois protagoniste : des Twin Towers photographiées depuis son studio new-yorkais à la guerre du Golfe, du conflit afghan au tsunami japonais, des enfants soldats à la souffrance dans les hôpitaux.

La scénographie de Peter Botazzi plonge le visiteur dans un labyrinthe d’images qui le force à des découvertes successives.
Ici, pas de classement chronologique ou thématique mais un tourbillon de chocs visuels plus forts les uns que les autres.
Le visiteur se perd dans le monde de l’artiste, dans ses yeux.

Le parcours s’ouvre sur une sélection de photos inédites en noir et blanc, réalisées par Steve McCurry entre 1979 et 1980, pendant son premier reportage en Afghanistan, où il est entré clandestinement, guidé par un groupe de moudjahidin qui combattait les troupes soviétiques. Il y est retourné de nombreuses fois et c’est au cours d’un de ces voyages qu’il photographie Sharbat Gula dans le camp de réfugiés de Peshawar au Pakistan. Cette photo, publiée dans le National Geographic, est, depuis lors, devenue une icône de la photographie mondiale, mais aussi un symbole d’espoir et de paix.
Dans l’exposition, un espace entier est d’ailleurs consacré à cette jeune femme. A côté de son premier portrait, devenu célèbre, le visiteur peut découvrir celui que McCurry a fait d’elle 17 ans plus tard, après de longues recherches. Un reportage raconte son histoire et celle des retrouvailles avec le photographe.
Le visiteur s’engage alors dans le labyrinthe d’images qui forme le coeur de l’exposition. Le parcours est tout en transparence, les photos étant présentées en avant-plan de tulles qui figurent la présence du monde dans le lieu de l’exposition. Il est entraîné dans un tourbillon où se mélangent les âges, les cultures, les ethnies. Chaque photo est bien sûr légendée, mais a minima, à chacun de réaliser sa propre découverte, de comprendre ce que chaque photo lui dit. Pour une cinquantaine d’entre elles cependant, le visiteur peut, grâce à un audoguide qui lui est fourni gratuitement, entendre Steve McCurry lui expliquer l’histoire de ses photos avec des anecdotes et des témoignages passionnants.
Tout le parcours est consacré à des vidéos où McCurry raconte ses voyages, son expérience de vie et sa conception de la photographie.

Dates

Février 6 (Mercredi) 10 h 00 min - Mai 26 (Dimanche) 18 h 00 min

Lieu

La Sucrière

49-50 quai Rambaud 69002 Lyon

La Sucrière49-50 quai Rambaud 69002 LyonDu mardi au vendredi : 10h00 à 18h00 / Weekend et jours fériés : 10h00 à 19h00. Entrée payante (13€)

Calendrier GoogleCal

jeu23mai(mai 23)10 h 00 minven12jul(jul 12)18 h 00 minBrazil - Land & SoulJoão FarkasGalerie de l’ambassade du Brésil, 350, Avenue Louise 1000 BruxellesType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Résultat de deux projets approfondis et inspirés, comme tout ceux qui portent la signature du photographe brésilien João Farkas, l’exposition « Brazil – Land & Soul Land » ouvrira à l’ambassade brésilienne de Bruxelles le 23 mai 2019.

Comme le dit le photographe « tre invité à exposer en dehors de mon pays est une occasion de montrer la photographie brésilienne, qui est l’une des plus fortes, des plus significatives et des plus créatives au monde ».

Le photographe montrera 40 images inédites de la série « Pantanal », toutes réalisées au cours des cinq dernières années dans le but de servir de message d’alerte sensible. « La beauté tonitruante de cette région brésilienne est perçue comme distante, intacte et indestructible. Ce qui n’est pas vrai. On ressent également les effets de l’anthropocène, l’action profonde de l’homme sur la planète. »

Il y aura également des photographies provenant de l’essai « Caretas de Maragojipe », réalisé sur base de l’inventaire des masques de carnaval de la ville de Maragojipe (BA) au cours de cinq carnavals. Cet essai a d’ailleurs servi de base visuelle à la conception du musée du carnaval, inauguré à Salvador l’année dernière, sous la direction et le commissariat de Gringo Cardia.

Pantanal

Avant d’tre invité à commencer les premiers recueils de cette série, en 2014, João Farkas pensait que le seul attrait de cette région serait l’observation d’animaux comme les alligators, les jaguars et les tuiuiús. « Dès lors j’ai pensé que le Pantanal était déjà suffisamment photographié. Vous n’avez pas besoin d’un autre document. Mais ma surprise a été brutale et a abouti à un travail vaste et très différent de celui que j’avais réalisé jusqu’à présent », raconte-t-il 25 ans après la création de sa célèbre série » Amazônia Ocupada » (1984 à 1993), dont l’orientation fortement photojournaliste est l’une des caractéristiques, à la différence de « Pantanal ».

Dans l’exposition présentée à Bruxelles, Farkas cherche à attirer l’attention sur la beauté et la variété des paysages du Pantanal et, simultanément, sur les menaces silencieuses qui pèsent dessus. Elles sont le résultat du changement climatique et de la manière dont les rivières des hautes terres environnantes ont été traitées. « J’ai réalisé qu’il serait beaucoup plus efficace de travailler pour la conscientisation esthétique. Transmettre aux autres un peu de l’illumination que j’ai moi-mme expérimentée en connaissant mieux le Pantanal. »

Et quand Farkas dit « mieux connaître », les chiffres prouvent qu’il est allé très loin. Au cours de huit expéditions effectuées au cours des dernières années, il a parcouru cinq mille kilomètres en voiture, en bateau et dans un petit avion monomoteur, effectué près de 40 vols et réalisé environ 16 000 images.

Il est à noter que Farkas a évité le cliché. « Il fallait échapper aux images déjà vues du Pantanal. En regardant le paysage très attentivement, profondément et en harmonie avec lui, je me suis laissé enveloppé et imbibé de cette fluidité, de ces combinaisons de couleurs absolument incroyables, de transparences, de reflets et d’immensités horizontales, avec leurs transitions entre la terre sèche, humide ou immergée et les lagons et les lits de rivières. J’ai également beaucoup travaillé l’exposition à des lumières hautes ou très brillantes directement contre les reflets « , explique le photographe qui prépare un livre sur la série, avec la conception et la mise en page de Kiko Farkas, ainsi qu’un documentaire réalisé par Jorge Bodanzky.

Caretas de Maragojipe (Visages grimaçants du Maragojipe)

Véritable sacre de la culture populaire de Maragojipe (BA), dans « Caretas de Maragojipe », Farkas témoigne de la créativité et de la résistance culturelle qu’il a rencontrées lors de plusieurs visites de cette ville. « C’est un recueil pur et en mme temps très puissant », explique-t-il.

Au lieu de motifs de couleurs importés reproduisant des modèles chromatiques qui, à son avis, ne correspondent pas à l’histoire du peuple brésilien, Joao Farkas a préféré suivre la ligne d’une tradition liée à l’art que les rues du Brésil inventent et réinventent, une liberté séculaire avec des racines africaines que Pierre Verger et Marcel Gautherot représentèrent à travers de nombreuses nuances de gris. Sauf que Farkas a choisi le chemin des couleurs.

« Je crois qu’aucun peuple au monde ne possède l’intimité et la liberté chromatique du Brésilien. Je ne sais pas si cela vient de la lumière, des couleurs du ciel, des arbres, du fruit ou du mélange Peut-tre du fait que nous avons cette innocence culturelle, cette acceptation pour ce qui est simplement beau et qui nous entoure, et pour ce qui est autre, différent et provoque la réflexion. Je pense que personne n’est aussi intime et familier dans l’appropriation de l’infinie palette qui s’offre à nous. »

Cet essai a également donné lieu à un livre : « Caretas de Maragojipe » (Ed. Martins Fontes / 2018) comprend un texte du conservateur et critique d’art Agnaldo Faria sur la question de l’art et de la créativité en dehors des milieux « cultivés ». Le livre a été lancé à l’occasion de Paris Photo 2018.

Dates

Mai 23 (Jeudi) 10 h 00 min - Juillet 12 (Vendredi) 18 h 00 min

Lieu

Galerie de l’ambassade du Brésil

350, Avenue Louise 1000 Bruxelles

Calendrier GoogleCal

mar09avr(avr 9)10 h 00 mindim11aou(aou 11)20 h 00 minL'exposition Electro. De Kraftwerk à Daft PunkMusée de la musique | Philharmonie de Paris, 221 Avenue Jean Jaurès, 75019 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

LA RÉVOLUTION ÉLECTRO
Depuis 2010, la musique électro ne se réduit plus aux seuls festivals, fêtes et rave-parties auxquels elle est naturellement associée : elle s’impose comme une tendance artistique majeure de la culture contemporaine. Accompagnant la révolution numérique et détrônant la culture du rock, la dance music électronique, dont les genres fondateurs sont la house et la techno, est née il y a plus de trente ans, dans les boîtes de nuit underground de Chicago et Detroit. Grâce au talent et à la créativité de musiciens et DJ noirs américains, cette musique a conquis l’Europe par le phénomène clandestin des rave-parties.

UN NOUVEL ESTHÉTISME
Par-delà son image hédoniste, l’électro a donné naissance à une vaste culture musicale, ainsi qu’à des gestes et à des pratiques esthétiques telles que le mix, le remix, le sampling ou le live audiovisuel…

Celles-ci se sont peu à peu répandues, influençant les démarches artistiques dans le domaine de l’art numérique, du graphisme, de la vidéo, des arts plastiques, du cinéma, de la bande dessinée, de la danse ou du live staging, une nouvelle forme scénographique associant concert et arts visuels.

De la communauté LGBTQ à l’activisme de l’univers des free-parties, l’électro possède par ailleurs une dimension revendicative, politique et contre-culturelle, dont témoignent manifestes, performances, fêtes et défilés, redéfinissant un nouveau rapport à l’altérité et au monde : militantisme queer, esprit DIY (Do it yourself), nomadisme festif, utopies éphémères et communautaires.

UNE EXPO-EXPÉRIENCE
Immergée dans une bande-son confiée au célèbre DJ Laurent Garnier, qui revisite toute l’histoire de l’électro de Kraftwerk à Daft Punk, baignée dans une installation lumineuse et sensorielle, confiée aux artistes 1024 Architecture, dont les puissants effets visuels rappelleront l’atmosphère des rave-parties, l’exposition propose une véritable expérience sonore, participative et sensorielle.

Instruments, sculptures, photographies (Andreas Gursky, Peter Boettcher…), installations (Rineke Dijkstra, Peter Keene) et multiprojections jalonnent un parcours qui convoque également les principales figures, musiciens, DJ et inventeurs qui ont porté l’idéal vitaliste, visionnaire ou futuriste de la musique électronique, dont Kraftwerk, Jean-Michel Jarre, Robert Moog, Daft Punk ou Juan Atkins.

Au même titre que le rock ou le hip-hop, l’électro constitue un reflet de la culture et des mutations de notre société, comme si ses utopies, son énergie et ses BPM parvenaient à donner le pouls et le tempo de notre époque.

Dates

Avril 9 (Mardi) 10 h 00 min - Août 11 (Dimanche) 20 h 00 min

Lieu

Musée de la musique | Philharmonie de Paris

221 Avenue Jean Jaurès, 75019 Paris

Musée de la musique | Philharmonie de Paris221 Avenue Jean Jaurès, 75019 Paris

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mar12fev(fev 12)11 h 00 mindim02jui(jui 2)21 h 00 minCartes et territoiresLuigi GhirriJeu de Paume, 1, place de la Concorde 75008 ParisType d'événement:Exposition,Photographie

Détail de l'événement

Cette première rétrospective des photographies de Luigi Ghirri (1943-1992) hors de son Italie natale est centrée sur les années 1970. Elle retrace une décennie au cours de laquelle Ghirri a bâti un corpus d’images en couleur sans équivalent dans l’Europe de l’époque.

Géomètre de formation, Luigi Ghirri commence à photographier durant le week-end au début des années 1970, arpentant les rues, places et faubourgs de Modène, échafaudant des projets et des thématiques. Il pose sur les signes du monde extérieur un regard attentionné et affectueux en observant, sans les commenter ouvertement, les modifications apportées par l’homme au paysage et à l’habitat de sa province d’origine, l’Émilie-Romagne, baromètre d’un vernaculaire local exposé à l’avènement de nouvelles formes d’habitat, de loisirs et de publicité.

« Je m’intéresse à l’architecture éphémère, à l’univers de la province, aux objets considérés comme de mauvais goût, kitsch, mais qui, pour moi, ne l’ont jamais été, aux objets chargés de désirs, de rêves, de souvenirs collectifs […] fenêtres, miroirs, étoiles, palmiers, atlas, globes, livres, musées et êtres humains vus par l’image. »

À la fin de cette décennie, Luigi Ghirri a accumulé des milliers de vues et élaboré un style singulier et un cadre conceptuel complexe pour présenter son travail. Cette première décennie culmine avec deux temps forts : la publication, en 1978, de Kodachrome, un ouvrage photographique véritablement exceptionnel, et une exposition majeure, « Vera Fotografia », qui se tiendra en 1979 au centre d’exposition de l’Université de Parme, organisée par Arturo Carlo Quintavalle et Massimo Mussini, et qui, à travers quatorze projets et thèmes, retrace le mode de pensée et d’action propre à Luigi Ghirri.

« Cartes et territoires » reprend la cartographie poétique de l’exposition de 1979 où l’on trouvait à la fois des projets très cadrés comme Atlante (1973), constitué de photographies de pages d’atlas, et Colazione sull’erba (1972-1974), où l’artiste observe l’interface entre artifice et nature dans les petits jardins de Modène, et des groupes plus diversifiés comme Diaframma 11, 1/125, luce naturale (1970-1979), qui portent sur la façon dont les gens photographient et sont photographiés, ou le paysage des signes de l’Italie provinciale dans Italia ailati et Vedute (1970-1979).

Luigi Ghirri éprouve une fascination indéfectible pour les représentations du monde, pour les reproductions, images, affiches, maquettes et cartes et pour la façon dont ces représentations s’insèrent dans le monde, en tant que signes au sein de la ville ou du paysage.

La médiation de l’expérience par l’image dans une Italie partagée entre ancien et nouveau a constitué, pour Luigi Ghirri, une source inépuisable d’étude, «une grande aventure dans le monde de la pensée et du regard, un grand jouet magique qui réussit à faire coïncider miraculeusement notre connaissance adulte et le fabuleux monde de l’enfance, un voyage continu dans le grand et le petit, dans les variations à travers le règne des illusions et des apparences, des labyrinthes et des miroirs, de la multitude et de la simulation. »

Dates

Février 12 (Mardi) 11 h 00 min - Juin 2 (Dimanche) 21 h 00 min

Lieu

Jeu de Paume

1, place de la Concorde 75008 Paris

Jeu de Paume1, place de la Concorde 75008 ParisEntrée 10€ / Tarif réduit 7,5€ Ouvert le mardi de 11h à 21h et du mercredi au dimanche de 11h à 19h.

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La Playlist Christian Caujolle

Pour sa dernière journée de carte blanche notre invité de la semaine, Christian Caujolle a choisi de partager avec nous en plus de ses bons plans, sa playlist !

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Ericka Weidmann

Carte blanche à Didier Bizet : La peinture d’Eric Roux-Fontaine

Carte blanche à Sophie Zénon : L’atelier des artistes en exil

Carte blanche à Sophie Zénon : L’atelier de l’artiste franco vénézuélien Cruz-Diez

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